Universidad Nacional Experimental Rafael María Baralt



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PERSPECTIVA CULTURAL AL ARTE PICTÓRICO DE LAS LECCIONES DE VIDA EN OBRAS DE LA PINTORA MEXICANA FRIDA KAHLO.
“Universidad Nacional Experimental Rafael María Baralt”

Maykalin Calderón Maykalin@gmail.com


RESUMEN
El propósito de este trabajo es presentar una visión general de como Frida Kahlo fomenta como una estrategia artística la confusión entre su vida y el cuerpo narrativo de sus obras, también subvierte el discurso cultural por la que se asienta la autobiografía tradicional. La validez de sus obras se convierte en evidencia visual donde se aprecia su corporalidad vulnerable en muchos casos, la carga ritual, la repetición de patrones que hace que no se desnaturalice la cotidianidad del acto pictórico, lo repite de una manera constante a lo largo de toda su vida o también la idea de que no interpreta un tercer papel, o sea, en ningún caso es un actor, es un performance totalmente consciente de interpretarse a sí misma, podría decirse que realizo una “puesta en escena del yo”. El punto de partida de esta investigación es analizar y describir las expresiones en obras de Frida Kahlo frente a situaciones adversas como canal superador y de reconstrucción ante los acontecimientos de su vida donde logró trasmutar el dolor físico y emocional que la caracterizó, siendo resiliente frente a los percances que la acontecieron durante 47 años, llegando a ser una de las representantes de arte pictórico más significativas del siglo XX, impregnada de una gran creatividad paradójica.

Palabra clave: Arte, pictórico, Resiliente.

CULTURAL PERSPECTIVE OF THE PICTORIAL ART LESSONS OF LIFE IN WORKS OF MEXICAN PAINTER FRIDA KAHLO.

ABSTRACT


The purpose of this paper is to present an overview of how Frida Kahlo as an artistic strategy fosters confusion between his life and the narrative body of his works, also subverts the cultural discourse by which traditional autobiography is based. The validity of his works becomes visual evidence where its vulnerable physicality in many cases, the ritual burden, repeating patterns that makes the everyday life of pictorial act is not denature seen, repeats it in a consistent manner throughout all his life and also the idea that plays a third role, that is, in no case is an actor, is fully aware interpret itself performance, arguably made ​​a "staging of self." The starting point of this research is to analyze and describe the expressions on works of Frida Kahlo against adverse situations like superador channel and reconstruction to events in his life where he managed to transmute the physical and emotional pain that characterized, being resilient against the mishaps that happened for 47 years, becoming one of the most significant representatives of pictorial art of the twentieth century, steeped in a paradoxical creativity.

Keyword: Art, painting, Resilient.

Introducción:

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo nace el 6 de julio de 1907 en Ciudad de México en una propiedad de sus padres que hoy se conoce como La Casa Azul y que desde 1958 alberga su museo. Allí pasó su infancia, vivió parte de su vida con Diego Rivera, pintó muchas de su obra y falleció el 13 de julio de 1954, a los 47 años. Frida, personaje importante para la historia del arte de México y a nivel mundial. De niña contrae la polio, enfermedad visible en su pierna derecha. No recibe una educación artística formal más allá de un par de clases en su escuela y el tiempo que pasa como aprendiz a sueldo en el taller de grabado de un impresor comercial amigo de su padre hasta que en su adolescencia sufre el accidente de tráfico, cuyas lesiones condicionarán su vida con secuelas físicas y mentales: infertilidad, dolor crónico, múltiples operaciones, convalecencias y soledad. Durante la recuperación, Frida se ve forzada a pasar meses postrada en su cama. Sus padres le proveen con una caja de pinturas y un caballete acondicionado para que se distraiga.

En la sociedad de su tiempo, donde la supremacía de lo masculino constituía el sentido común, la mujer jugaba un papel que claramente la supeditaba al hombre. Frida encarnó un nuevo tipo de mujer: autosuficiente, fuerte y de características sexuales andróginas. En el México de entonces de tendencia machista, esta mujer adoptó actitudes y rasgos varoniles. Se representó en su obra con un físico fuertemente ambiguo con algunos rasgos masculinos exagerando sus cejas y su incipiente bigote.

Fue de las primeras pintoras que expresó en su obra su identidad femenina desde su propia óptica de sí misma como mujer, rechazando la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino. Ella fue una de las que contribuyeron en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, como un símbolo. Como ella misma lo dijo… “Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú.” Frida no necesitaba arreglarse porque ella misma consideraba que estaba rota, no necesitó cambiar su físico para sentir que era hermosa o para sentir que tenía valor. Ella mantuvo y aceptó sus rasgos y los amó hasta el punto de no querer cambiarlos, rompió estereotipos y permaneció fiel a sus raíces. Por estas y demás razones Frida es y será importante para las feministas, porque nos sigue enseñando que puedes ser feliz con lo que tienes.

Frida y su círculo social de artistas e intelectuales creen en la necesidad de que el arte mexicano vuelva a sus raíces. Frida viste con vestidos y joyería tradicional. Estos objetos no solo aparecen en su pintura, con el tiempo Frida Kahlo se convierte en un icono de la cultura mexicana por su indumentaria, además que logró transformar el dolor en arte y la tristeza en colores. La iconografía de Frida Kahlo es su componente más original. Mezcla de piezas realistas, expresionista y surrealistas sin seguir los prejuicios de estos movimientos. Frida combina un estilo primitivo e ingenuo con símbolos de coherencia para expresar su visión más íntima, personal y emotiva de los sucesos en su vida.

Sus autorretratos forman su cuerpo de trabajo más representativo. Son bustos hieráticos en los se exagera su bello facial como rasgo de identidad. Pese a la falta de expresividad en el rostro, el resto de los elementos de la imagen están cargados de metáforas. Sus pinceladas fueron precisas y detalladas hasta principios de 1950 cuando el consumo de grandes dosis de sedantes hizo decaer la calidad de sus acabados. Sin duda alguna, Frida Kahlo ha sido una de las mujeres más fuertes y decididas que ha pisado la historia de México, pues, a pesar de todos sus problemas, nunca abandonó su espíritu ni se dejó influenciar por las circunstancias. Su rebeldía también aporto mucho a todos sus logros, pero los problemas de salud y sus encuentros con la “casi muerte” fueron su más grande inspiración para convertirse en lo que hoy se conoce como Frida Kahlo: una gran artista.

Frida integrando creatividad y resilencia, el sujeto en el redimensionamiento de los hechos adversos, logran un nuevo sentido y significado de su existencia. La producción artística de Kahlo es la resultante de sus características personales, Según Montero (2003)…“Frida era muy bella. O era más que bella: era tremenda. Tenía unos ojos feroces y maravillosos, una boca perfecta, el entrecejo hirsuto, un bigote apreciable.” (P.204-205)”

Frida Kahlo fue el “divino Narciso”, para retomar el título de uno de los autos sacramentales de Sor Juana, La obra de Frida Kahlo es de una esencia propia, mostrando un diálogo consigo misma, y no es por azar que casi todos los discursos se han enfocado alrededor de su biografía en relación con la obra; dado que su vida abunda en misteriosas coincidencias históricas. Luis Cardoza y Aragón (1998) concluyó que no hay en ella influencia de nadie sino de su dolor y de la lucha por librarse de él. (p.37).

Materiales y Métodos

Esta investigación sentó la base de la metodología descriptiva, por medio de este artículo, resalta la perfectiva cultural, artística e histórica de las obras de una gran pintora como Frida Kahlo, que con sus lecciones de vida pudo crear tan significativa arte, Altamirano (2004) cita… “Me han preguntado muchas veces por esa persistencia en el autorretrato. Al principio no tenía elección, y creo que esa es la razón fundamental de esa permanencia del yo-sujeto en mi obra... Del modo más académico, hice de mí misma mi modelo, mi tema de estudio. Y me apliqué” (p.44). Esta permite estudiar, analizar, describir, citar, entre otras. Está metodología que permite acercarse más a sus obras pictóricas que giran temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento que se inspira en las teorías psicoanalíticas.

LA HISTORIA DETRÁS DE LOS CUADROS DE FRIDA KAHLO

Frida declaró que sus pinturas no reflejaban sueños o imágenes surrealistas, aunque así lo pareciera, sino que eran representaciones de su propia vida y de sus emociones: “Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco” mencionó ella.

El interesante retrato “Frieda y Diego Rivera” en el que Frida trabajó durante los primeros años de su matrimonio (1931), podría estar basado en una fotografía de su boda. Muestra a ambos mirando hacia al frente con expresiones serias pero tomados de la mano, como símbolo del gran amor que se tenían. Frida se mantuvo apegada a la realidad, la visible diferencia de altura no era exagerada: él, grande y ella, delgada y pequeña. Los delicados pies de Frida parecen estar flotando alado de su enorme marido. En doble retrato se observa como Diego sostiene unos pinceles con su paleta en la mano, es decir, que ella lo representa como un artista, mientras Frida se resalta con una indumentaria tradicional mexicana, como la esposa que ama a su marido. Diego disfrutaba siempre verla con esa vestimenta. En el título de este cuadro Frida deletrea su nombre en la versión Alemana “Frieda” en la parte superior de la leyenda, con finas letras ella describe que tal cuadro va dedicado “para nuestro amigo Albert Bender”, se lo pinta especialmente a él como símbolo de gratitud por ayudar a Diego a conseguir la visa para Entrar a los Estados Unidos.

El 4 de Julio de 1932 Frida sufre un aborto involuntario en un hospital en Detroit, Su dolor ante la incapacidad de la maternidad lo plasma en el cuadro cuyo título le asigno “Hospital Henry Ford”, se visualiza a ella acostada en una camilla del hospital después de un aborto involuntario, se muestra desnuda, con las sabanas manchas de sangre y con una lagrima saliendo del ojo izquierda, de su estómago todavía hinchado se desprenden seis filamentos rojos y delgados, como si fueran venas o cordones umbilicales, que conectan su cuerpo con algunas imágenes que ella relacionaba con el aborto alrededor de la habitación abstracta en la que se aprecia a un bebé varón, ya que Frida anhelaba tener un hijo y cuando hablaba de ese tema se refería a él como “Mi pequeño Dieguito” y varios objetos, como un hueso pélvico como símbolo de que no lo puedo albergar la vida que la habitaba, una máquina de metal que reflejaba para ella todos los instrumentos fríos para realizar el legrado uterino, la orquídea violeta es un regalo que Diego le hizo y el caracol plasma un aborto lento. Está fue la primera pintura de Frida en Metal.



Después de permanecer casi tres años en Estados Unidos, Frida ya extrañaba a su querido México, esto le inspiro a pintar “Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos” se refiere a este cuadro como “Gringolandia”, Vestida como las grandes señoras estadounidenses con un gran vestido rosa pastel y unos largos guantes blancos, se encuentra de pie como una estatua entre los dos mundos, sostiene una bandera mexicana, eso muestra su sentido de pertenecía y lealtad a su lugar de origen, lo pinta con una colorida naturaleza y las esculturas aztecas, que ella tanto adoraba. Ya para 1933, Después de más de tres años residenciada en los Estados Unidos, Diego estaba fascinando por el país y soñando con jamás volver a México, de ese conflicto surgió está pintura, el capitalismo norteamericano, rodeada de símbolos de industrias, modernización y la destrucción total por los valores humanos, su indumentaria mexicana cuelga en el vacío en medio de tanto caos y destrucción… “Quizá hoy estoy en América, pero solo mi vestido cuelga allá, mi vida está en México”. Diego animo a Frida a plasmar sus deseos como una serie de documentación de sus momentos más importantes, su mayor deseo era de ser madre empezó plasmando este anhelo en el cuadro titulado “Mi nacimiento” basándose en el momento de su nacimiento… “Como me imagine que nací” dijo ella. Pero hay curioso, en su diario ella explica que… “Di a luz a mí misma” Una extraña cabeza se ve como emerge del útero materno, obviamente la cabeza de Frida. Un bebé naciendo cayendo en el charco de sangré, posiblemente a semejanza a un aborto espontaneo, la cabeza de la madre está oculta con una fina tela blanca, referencia a la reciente muerte.

“Junto a la necesidad de expresión de su mundo interior, también existe una Frida comprometida con el mundo que la rodea. Estamos acostumbrados a ver cómo la artista plasmaba en sus dibujos y lienzos sus angustias personales, su malograda salud, su soledad, su tristeza; pero tras esas obras se esconden preocupaciones mucho más universales que abarcan desde la política (defendiendo el comunismo frente al imperialismo estadounidense) hasta el feminismo (no como ideología, sino como divulgadora de temas de mujeres y para mujeres).” Se puede decir que Frida es una de las primeras artistas del siglo XX en plasmar el drama de la violencia de género, término éste muy actual, pero que esconde una realidad de siglos de existencia. “Unos cuantos piquetitos” (1935) Frida se inspira para realizar este cuadro a que un día Frida leyó el periódico local y había una noticia que la indigno, esta decía “Mujer asesinada por celos” y en su defensa el hombre respondió “fueron unos cuantos piquetitos” la verdadera protagonista es la sangre, que invade hasta el borde del cuadro, Frida con el corazón roto por la traición de un año de su esposo y su hermana menor, Cristina. Puso todo su dolor e ira en esta pintura, su dolor era tan profundo que fue incapaz de proyectar el suyo propio y se basó en su retrato con la desgracia de otra mujer, que era más o menos lo que sentía en su interior con la traición que antes mencionada, esto se dice porque Kahlo se lo confeso a una mujer que le agradaba… “Me siento asesinada por la vida”. Frida descubre cómo expresar tanto dolor y angustia causada por la traición de su hermana con su marido a través del arte, creando “Recuerdo” en 1937 su corazón roto se encuentra en sus pies, el gran tamaño alegoría a que su dolor es muy grande, su falta de manos es culpa de su frustración sentimientos de impotencia, se recortó el cabello para frustrar a Diego, lleva ropa de estilo europeo y cuelga su vestimenta tradicional mexicana, que Diego disfrutaba ver. En 1938 “Lo que vi en el agua” al contrario de muchos cuadros de Frida, este tiene elementos de trabajos anteriores y otros que fueron puntos de partida para otros trabajos que realizaría más adelante, se ve cosas que eran parte de su vida, pasado, presente y deseos a futuro. Frida ahogada, la sangre brota, esta se mantiene a flote por medio de una cuerda que le serviría para insectos o una pequeña bailarina… “Es una imagen del tiempo que va pasando, sobre tiempo y juegos de la niñez en la bañera, ya la tristeza de lo que había pasado a ella en el transcurso de su vida”. Frida y Diego se divorciaron luego de esto Frida completo el autorretrato de dos personas idénticas pero con dos diferentes personalidades “Las dos Fridas” reflejan sus emociones debido a la separación que estaba en proceso y la crisis conyugal. Se muestra a la derecha una Frida mexicana, respetada y de la cual Diego se enamoró, vestida de tehuana y en su mano sostiene un amuleto con un retrato de Diego cuando era niño. La otra Frida, independiente es la nueva artista reconocida por todos, bastante Europea con un vestido victoriano de boda de encaje blanco, la Frida que Diego abandono. Sus corazones están expuestos a la vista y se puede observar como una delgada vena los atraviesa a ambos, uniéndolos. Pero el corazón de la Frida independiente está roto cortado con una tijeras quirúrgicas desde el pequeño retrato de Diego, pero sigue goteando en peligro de desangrarse, se visualiza las nubes que posiblemente simbolicen el caos interno de Frida, se toman de la mano por ser la única sé que comprende, la única compañera, la que se ama y se ayuda a salir adelante sola. Poco después de su divorcio, Frida en 1939 se cortó su larga cabellera, rechazando así su lado femenino para expresar el dolor que sentía por la separación conyugal, en base a esto en el año 1940 pinta el “Autorretrato con pelo corto” este sería el primer retrato oficial después de la separación con Diego, Frida olvido totalmente que era lo que se sentía ser femenina y este se visualiza como en vez de ropa de mujer, ella se pinta con una vestimenta de hombre con un traje oscuro que le queda grande, probablemente uno de ex esposo. Se ha cortado el cabello, que Diego admiraba tanto. En su la mano izquierda sostiene un poco de su cabello recortado como en alegoría a su sacrificio, mientras que con la derecha se ve una tijera que fueron las que inmolaron su cabellera. Los mechones de cabellos están por todos lados, como si pudiera moverse por sí mismos, se ve como Frida esta en medio un enorme vacío mientras la rodea lo que simboliza su feminidad y su dolor. Pintó una estrofa de una canción a lo largo del encabezado de la pintura que explica la automutilación… “Mira que si te quise, fue por el pelo, ahora que estas pelona, ya no te quiero”. Y no solo fue una pintura, en realidad luego de su divorcio ella corto su cabello, guardo sus vestimenta tradicional mexicana que tanto le gustaban a Diego, Y empezó a vestirse con ropa masculina, el uno símbolo de feminidad que le quedaba eran sus pendientes. Quizá ella pinta esto con alegoría a la libertad e independencia de un hombre, en este caso era Rivera.

En 1941 Frida pinta “Autorretrato con trenza” expresando su reconciliación marital los mechones de cabello que ya había recortado en “Autorretrato con pelo corto” son recogidos de nuevo y unidos en una trenza en forma de un infinito signo del tiempo. Representación de como ella intenta recuperar su feminidad, la cual rechazo y renunció un año atrás. Frida creía que las flores eran un símbolo de sexualidad ligada a los sentimientos, cuando quería plasmar su sensualidad en las pinturas lo hacía de manera de insinuaciones sexuales sutilmente no tan obvias en algunos casos, mientras que otras veces son el primer plano, en 1943 Durante esta periodo la salud de Frida había declinado, la mayor parte del tiempo estaba en recostada en la cama “Pensando en la muerte” símbolo de cómo se sentía con respecto a su salud, la calavera ella plasma esto en la pintura es por las costumbres mexicanas, la muerte significa el renacimiento, la muerte en este cuadro es mensaje como un pasaje a una vida mejor o diferente. “Flor de la vida (flor de llama)” una mandrágora la cual altera con los órganos sexuales femeninos y masculinos, el sol al fondo representa la vida, el esperma que brota desde las hojas con forma de vagina forman una especie de matriz con los pétalos y se ve como intenta proteger al feto en desarrollo. Frida vuelve con el tema de la naturaleza, aun en 1943 “Raíces” Muestra a la artista reclinada sobre un paisaje estéril, desierto y rocoso de resquebrajada sequedad. De su torso salen raíces de las que fluye su sangre como símbolo de la vida. Esta planta hace que se convierta en parte de la Tierra, es un sueño frustrado de querer ser fértil por ser una mujer sin hijos. En esta pintura Frida perece aludir a sus raíces mexicanas simbolizando el reencuentro con su pareja, La cama donde reposa la artista hace que años más tarde le llamen a la obra “El pedregal”.



En 1944 cambia totalmente el contraste pictórico con “La columna rota” ella se pintó sola, nada de monos, pájaros, plantas y otros, simplemente sola invadida de triste en lo que se ve una lejana llanura y un cielo oscuro en espera de tormenta, esta vez Frida no solo expresa su dolor interno, sino también el físico, en ese año su salud había empeorado, fue tanto el deterioro de su salud que tuvo que llegar a usar un corsé de metal para poder sostener su columna aproximadamente durante cinco meses, esto para ella fue como un castigo. La impresionante abertura en su pecho muestra su dolor y soledad, los clavos atravesando su cara y cuerpo, el clavo más grande está pulsando su corazón en símbolo del dolor sentimental que le causa Diego. Además de todo lo que se muestra como dolor y sufrimiento Frida plasma una frase humorística “Tienes que reírte de la vida” y continua con “Mira los ojos muy de cerca… las pupilas son palomas de la paz. Esta es mi bromita del dolor y el sufrimiento”.

Ya para 1945 “Moisés” Este cuadro a veces es referido al núcleo de la creación la figura central, es decir, el niño acostado en la cuna, es Moisés, y se ve como Diego Rivera, la compañera del pintor, cuyo rostro se puede ver el tercer ojo, un elemento que también aparece en otras obras en las que el retrato de Rivera, y que es la sabiduría A su alrededor aparecen dioses, héroes, filósofos, ídolos, estadistas, políticos, intelectuales, líderes religiosos y entonces la humanidad en general, tocados por los rayos del sol y abrazado por la presencia de la muerte. Las gotas que caen en el centro de la imagen representan el ciclo del amor, mientras que las ramas frescas que crecen en troncos muertos, que representa el ciclo de la vida. su salud va cuesta abajo inspirando a la artista para realizar “Sin espereza” las consecuencias por la falta de falta de apetito, numerosas operaciones y enfermedades, dejo a Frida delgada, más de lo que debería. Su médico le especifico que debía quedarse en cama y debía recibir cada dos hora una dieta de puré para hacerla recuperar todo el peso perdido, ella representa en esta obra la dieta forzada, la estructura de madera que se muestra sostiene una especie de embudo que el permite alimentarla, pinta una calavera de azúcar que hace que se vea menos apetitosa la comida. Ella no tenía control de su propio cuerpo, sus extremidades tapadas con una manta con alegoría a las infecciones que la invaden dejándola “sin esperanza” en parte de atrás del lienza Frida deja escrito… “A mí ya no me queda ni la menor esperanza… Todo se mueve al compás de lo que cierra la panza”. En 1446 “Árbol de la esperanza mantente firme” es realizado luego de una traumática operación quirúrgica en Nueva York, es muy controversial el mensaje que Frida deja debido a sus cicatrices… “Con los cuales esos cirujanos…hijos de perra me han dejado” y luego el que sería el título “Árbol de la esperanza mantente firme” está escrito en la bandera que sostiene, parece darse animo a ella misma. Se muestran dos Fridas, la que está saliendo del quirófano en una camilla y a la Frida fuerte, llena de esperanza. Dos tiempos distintos, una mitad de día y la otra de noche. La Frida débil y sangrienta esta de día, porque según la mitología azteca el sol de alimentaba de la sangre humana, y la mitad oscura con la Frida poderosa, la luna es símbolo de feminidad. Por desgracia esta operación no resulto y la artista se refiere a su “Principio del fin”. Consulto numerosos, quizá los suficientes médicos, pero su salud cada vez empeoraba más en 1947, “Frida Kahlo tuvo un Perro llamado Dolor, más que un Dolor llamado Perro. Es decir: describe directamente su propio dolor, su dolor no la vuelve muda, su grito es un aullido articulado porque alcanza una forma visible y emocional. Frida Kahlo es una de las grandes voces para el dolor en un siglo que ha conocido, acaso no más sufrimiento que otros tiempos, pero sin duda una forma de dolor más injustificada y por ello más cínica, vergonzosa y publicitada, programada e irracional, que cualquier otro tiempo. (Fuentes, op.cit:12)”. En “Autorretrato con pelo suelto” Frida aparece delgada y frágil, pero aun así se nota la curvatura de sus labios como si fuese intentar sonreír… “Aquí me pinte yo, Frida Kahlo, con mi espejo. Tengo 37 años y es Julio de 1947. En Coyoacán, México, el sitio donde nací”, ella mintió, no tenía 37 años al hacer este cuadro, en realidad tenía 40 años, Frida exagero además de su edad su cabello… A lo mejor su intención era complacer a Diego el cual amaba tan frondosa cabellera y parecer más joven. “Sigo mala, me estoy adelgazando mucho, y siempre opinó el doctor que me pusieran el corsé de yeso tres o cuatro meses, pues la canaladura, aunque es un poco menos molesta que el corsé, da peores resultados, pues como es cosa de estar en ella meses, los enfermos se llagan, y es más difícil curar las llagas que la enfermedad. Escríbeme y, sobre todo, quiéreme. (Tibol, 2007:91-92).

Frida era amante de la Mitología Mexicana. El deseo frustrado de ser madre hizo que ella pintara “Autorretrato en la frontera entre el abrazo de amor del universo, la tierra (México), yo, Diego y el Señor XÓLOTL” esta pintura contiene muchos elementos, Frida tiene que adoptar el rol de madre lo refleja en Diego. En el punto central de la pintura, como la virgen con un niño o una Madonna, sostiene entre brazos a su esposo Diego, con amor. Ilustración del afecto de hombre y mujeres. La mujer es eje fundamental de la vida, Diego parece tener un tercer ojo, el de la sabiduría, en la frente. Los une la madre de Tierra azteca, hecha de barro y roca, y a Cihuacoatl la abraza la Madre Universal. Xolotl es la mascota favoritas de los artistas y Frida lo plasma en esta pintura, es un ser en forma de perro que guarda al mundo subterráneo. Se muestra La vida, la muerte, la noche, el día. La luna, el sol y sobretodo el hombre y la mujer, Estos se mantienen unidos gracias a los poderosos seres mitológicos. Frida pinto otro cuadro en 1949, este durante el periodo en que su marido tuviera un notorio romance con la famosa actriz María Félix, fue un escándalo para el mundo de la farándula de ese entonces, Frida pretendía bromar solo el romance, pues ella y María eran intimas amigas. Pero esta pintura “Diego y yo” dice todo lo contrario, sus emociones, la tristeza brota en su esplendor. Muestra como quisiera acabar con la situación al colocar su cabello alrededor de su cuello en símbolo de estrangulación. Frida al tratarse de Diego utilizaba su cabello como un arma, pensando que quizá así Diego se sentiría de algún modo mal. Y sin duda alguna el retrato de Diego en su frente quiere decir que a pesar de manifestar su tristeza, dolor y traición ella sigue amando a Diego. La mayor parte de los libros que escribió Kahlo, están consciente que ochos días de su muerte ella dejo un mensaje significativo “Viva la vida, Coyoacán – 1954, México” En 1954 Frida realizo su último cuadro plasma su creencia utópica de la política que pueden liberarla de su dolor y sufrimiento, se muestra como reemplaza el corsé de metal por uno de cuero, la artista enferma, afijada, débil ya no está más se muestra una Frida milagrosamente recuperada. La manos gigantescas abrazan los símbolos de marxismo en una de ellas de ver el ojo de la sabiduría que en cuadros anteriores ya lo había pintado, este le permite liberarse de sus muletas. … “Por primera vez ya no estoy llorando”. Se ve las pinceladas apresuradas y los tonos de pintura más gruesos. Este fue uno de los últimos cuadros que Frida pinto, permaneció sin acabar en su caballete, hasta el momento de su fallecimiento.

CONCLUSIONES

El fenómeno Frida ha ido creciendo con el paso de los años, el que desee prestar atención a los muchos factores en principio a las obras, a partir de algunas exposiciones que se han prestado a nivel internacional y mundial ha ido adquiriendo mayor conocimiento del público en general. Frida es algo íntimo, algo muy propio en lo que ella va a mostrar su inquietud, vida, ansias, sufrimiento, su vida sentimental. No solo reconoce la calidad y la fuerza de la pintura de Frida, Según Don Diego Rivera "Su obra es ácida, tierna y dura como el acero. Fina como el ala de una mariposa, amable como una sonrisa y cruel como la amargura de la vida...Verán yo no creo que ninguna mujer haya plasmado jamás tan angustiosa poesía en un lienzo”. La presencia de ella va a seguir vigente mientras que exista el interés y la voluntad de hacer conocer su trabajo como artista y como persona.

Fue capaz de integrar a su arte el angustioso tormento de sufrimiento y dolor, esta mujer de gran inteligencia y personalidad magnética, utilizó la pintura como una especie de cirugía psicológica al enfrentar su realidad y se animó en explosivos absolutamente seductores. Pintar se convirtió en el arma con la pelearía sus más duras batallas, las del amor y las de su terrible padecimientos físicos que no la abandonarían nunca. La periodista Elena Piniatowska dice... “A mi parecer ella creía en la resurrección… ella siempre volvía a la vida surgiendo de sus propias heridas”.

Frida empezó a trabajar en una serie de obras que tienen procedente en la historia del arte, cuadro que exaltan las cualidades femeninas de la verdad, la realidad, la crueldad y el sufrimiento. Ninguna mujer plasmó en un lienzo los mismo versos agónicos que Frida creó, logró poner en escena el arte naif, Mexicanismo y el surrealismo, aunque este último ella negaba plasmarlo en sus obras. Frida Kahlo es un personaje importante debido a la fortaleza, valentía, originalidad, mente revolucionaria, convicciones y feminismo que la caracterizaron en vida.



REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS

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