Unidad 5 // Arte y Arquitectura de la Segunda Posguerra. Hacia una nueva sensibilidad. Objetivos particulares de la Unidad



Descargar 3,08 Mb.
Página1/4
Fecha de conversión17.01.2017
Tamaño3,08 Mb.
  1   2   3   4
UNIDAD 5 // Arte y Arquitectura de la Segunda Posguerra. Hacia una nueva sensibilidad.

Objetivos particulares de la Unidad: Reconocer las transformaciones estéticas mundiales producidas en el periodo de la segunda posguerra y de sus interfaces con la arquitectura del mismo periodo.

Contenidos generales y específicos de la Unidad 4:

  1. Desplazamiento de la percepción. De lo puro visualista al poder tectónico.

  2. Expresionismo abstracto norteamericano. Jackson Pollock. Mark Rothko.

  3. Informalismo. El silencio de Antoni Tapies.

  4. Arte figurativo y fragmentación. Francis Bacon.


CAMBIO DE PARADIGMA DESPUÉS DE LA SEGUNDA POST GUERRA MUNDIAL.

  • Hay un desplazamiento de la percepción, la manera de pensar el mundo… el medio que tenemos los humanos para percibir son los sentidos. Hay un cambio, de lo puro visualista al poder táctil, un cuadro purista, neo plástico, (puro visualista, percepción abstracta...) se limita al máximo la capacidad de ver la materia, de que NO se vea el grano…que no se vea nada…la villa saboye... es un claro ejemplo purista... con sus planos blancos, casi imperceptible si no fuese x la vista. volumen puro ... casi inmaterial... la bauhaus planos purísimos de cristal ...

  • Aparece que en las obras se pueda entrar, se pueda vivir, tocarla...y no solo mirarla de lejos sino participar en ella y formar parte del arte.

  • No hablar del brutalismo porque es un estilo que en realidad el nombre que se dio por un libro…donde metió arquitectos que no eran brutalistas…pero si estaría el brutalismo de le Corbusier...

  • Mark Rothko en el expresionismo abstracto...norteamericano, no se notaba la pincelada ni la materia, pintaban planos, trabajan prácticamente en un laboratorio...es un trabajo en obra, que no percibiera la materia, era mas que nada un trabajo mental, pero después esta Jackson pollock, es mas físico porque pinta con pincelas mas violentas, y raspa el cuadro, con pintura con textura, gruesa, con volumen, algo totalmente opuesto, pero dentro del mismo expresionismo abstracto.

  • Antoni tapies, (pintura-escultura) trabaja materiales gruesos en cuadros, queda como un mural, es como una escultura-pintura, el busca la expresión pero, porque el silencio?. Cuadros que son atacados por punzones, muros silenciosos. Pollock, es el color, choques brutales de colores, fuerza que va mas allá de la materia, y eso tiene q ver con la arquitectura también, era como un pensamiento de la época.




1929 Crisis financiera mundial

Entre el 24 de octubre de 1929 y el 29, los precios de las acciones de Wall Street, bajaron dramáticamente. Esta caída, conocida como el desplome de Wall Street, condujo a la depresión económica, golpeando a los EE.UU. a partir de octubre de 1929, y contagiando después a las economías europeas, provocando un proteccionismo total de la economía norteamericana respecto al resto del mundo.
Durante la década de los años veinte; los años rosa de los E.E.U.U., muchos americanos creyeron que podrían hacer dinero fácilmente invirtiendo en la compra de acciones, y en opciones Call sobre acciones, sin pasárseles ni por lo más remoto que podían perder todo su dinero.

Lo precios fueron hacia arriba, porque las compañías animaban a la gente a comprar acciones a través de los medios de comunicación, teniendo en los Bancos a los mejores aliados para tal aventura; quienes facilitaban la compra a crédito de acciones sin ningún recato.

Y mientras todo este tinglado se montaba, el Gobierno USA y la Reserva Federal, estimaron que no debían intervenir en un mercado libre, como era el mercado de valores. Y así, los presidentes de la década de los veinte Warren Harding y Calvin Coolidge, creyeron que no era su trabajo interferir.

Hacia finales de 1928, algunos economistas americanos no keinesianos, predijeron que venía un desplome; pero muy pocos los tomaron en serio.

Cuando Wallt Street abrió después de aquella reunión en secreto de la Fed, el pánico se apoderó del parquet y millones de americanos que habían invertido en acciones de compañías de la City, comenzaron a vender al mercado a cualquier precio.

El desplome condujo a una pérdida masiva de confianza de parte de millones de americanos que habían invertido en Wall Street. Había que recuperar lo invertido cómo fuese, o lo que se pudiese.

Mientras todo aquel espectáculo se producía en Wall Street, otros muchos ciudadanos que tenían sus ahorros en los Bancos en depósitos a la vista, acudieron en masa a retirar sus fondos e invertirlos en Bonos del Tesoro de U.S.A. (actualmente el Bono a 30 años está en máximos).

Y como consecuencia de todo ello, los bancos se derrumbaron, a la vez que las compañías, con los créditos congelados y las acciones por los suelos, comenzaron a despedir a millones de personas a la calle.


Así, en 1933, 13.000.000 de personas estaban en paro; quienes por otra parte perdieron sus hogares al no poder hacer frente a las hipotecas, viviéndose forzados a tener que acomodarse como pudieron en las calles. Muchos comenzaron a vivir en chabolas, otros en cajones de fruta, y los menos afortunados en zonas a la intemperie.

Muchas de las empresas que cotizaban en Wall Street, eran meras fachadas sin capital alguno y otras, adolecían de serías irregularidades contables que nada tenían que ver con los balances de final de año.

En ese estado de la nación, el individualismo se apoderó de todos los ciudadanos, y cada uno intentaba vivir como podía.
La situación de Estados Unidos se trasladó inmediatamente a la vieja Europa, golpeando con gran dureza en las economías de Inglaterra y Alemania. Pero lo que en un principio parecía una hecatombe para la vieja Europa, pronto hizo levantarse a Alemania de la humillación que había sufrido durante el tratado de Versalles al finalizar Primera Guerra Mundial.

El desempleo en Alemania se levantó muy rápidamente, alcanzando 6.000.000 antes de fin de 1932. Lo que dio a Adolf Hitler y el partido Nazi la ocasión que habían estado esperando.


La dimensión internacional del conflicto. Las consecuencias de la guerra civil española.

Consecuencias demográficas

Se han dado cifras muy dispares al cuantificar las pérdidas demográficas que causó el conflicto: los muertos en el frente y por la represión en la guerra y en las posguerra, el hambre, las epidemias; la reducción de la natalidad consiguiente...

Otro elemento clave de las consecuencias demográficas fue el exilio republicano. Ya durante el conflicto, los "niños de la guerra" fueron evacuados a países extranjeros, pero el gran éxodo tuvo lugar en enero y febrero de 1939, consecuencia de la conquista de Cataluña.

Este exilio supuso una importante pérdida demográfica para el país: una población joven y activa, que incluía a gran parte de los sectores más preparados del país: las elites científicas, literarias y artísticas de la Edad de Plata.


Consecuencias económicas

La guerra fue una verdadera catástrofe económica. Un dato revela su magnitud: la renta nacional y per cápita no recuperará el nivel de 1936 hasta la década de 1950.

Estos fueron los principales elementos de esa catástrofe económica:


  • Destrucción del tejido industrial del país, lo que llevó a la vuelta en los años cuarenta a una economía básicamente agraria.

  • Destrucción de viviendas, se calculan en unas doscientas cincuenta mil, comunicaciones, infraestructuras...

  • Aumento de la deuda externa y pérdida de las reservas de oro del Banco de España, usadas por el gobierno de la República para pagar la ayuda soviética.


Consecuencias sociales

El resultado de la guerra trajo consigo la recuperación de la hegemonía económica y social por parte de la oligarquía terrateniente, industrial y financiera. Paralelamente, se dio la pérdida de todos los derechos adquiridos por los trabajadores.


Consecuencias morales


La guerra supuso una verdadera fractura moral del país. Varias generaciones marcadas por el sufrimiento de la guerra y la represión de la larga posguerra.

El régimen de Franco nunca buscó la reconciliación de los españoles y siempre recordó y celebró su origen bélico. Las heridas de la guerra civil perduraron durante decenios y la persecución y represión de los vencidos por un rasgo clave del franquismo.



Segunda Guerra Mundial

Tras seis años de dura lucha, el 14 de agosto de 1945, se declara el final de la guerra con la victoria de los Aliados. El tiempo ha transcurrido, ha caído el Muro de Berlín, Europa del Este ha abierto sus fronteras...





  1. Desplazamiento de la percepción. De lo puro visualista al poder tectónico.

Contexto histórico:

1929- crash financiero en Wallstreet. New York.

Ante la crisis se busca un nuevo contrato social. Usa & New Deal.

1930 crisis de la república de Weimar.

Colapso social.

Hiperinflación.

Derrumbe social y cultural que dio lugar a la aparición de líderes.

1933 llegada de Hitler.

Lenin Stalin Musolini: tiranos/intereses económicos y políticos.

Batalla de Stalingrado. Segunda guerra mundial 1939/45.

Modernidad tecnológica.

Bomba sobre Hiroshima. Fin de la segunda guerra mundial.

Conferencia de Yalta- 2945 Churchill Roosvelt Stalin.

Theodor Adorno (filosofo alemán) “como hacer poesía después de auschwitz”…


Los movimientos que se van a desarrollar en esta nueva fase responden a los hechos históricos que se produjeron en ese momento.

El arte evoca las emociones que nacen de la desdicha humana de la época (la guerra habría producido el doble de muertos que en la Primera Guerra Mundial).

Un factor decisivo en esta masividad de muertes fue el avance tecnológico, existiendo dos polos del mismo aspecto, por un lado se tenían avances técnicos en medicina, y por otro el avance técnico en armas de destrucción.
Las reacciones artísticas de esta época, tendrán rasgos comunes:


  • Los artistas se desplazarán de lo puro visual (el arte de las primeras vanguardias, el ojo era el centro y la metáfora del arte como sensibilidad) a lo táctil (hay un contacto físico).

  • Las vanguardias ya no serán las portadoras de cambios y revolución.

  • Toman al silencio sería el único medio de expresión.

  • Incorporan a sus obras, nuevos materiales.

  • No querían que sus cuadros terminaran en los museos, por ello serán de grandes magnitudes.

Desplazamiento de la percepción: de lo puro visualista al poder táctil.



Piet Mondrían

Antonio Tápies

Cruz negra (4mx2m)

Joan Miró

Puro visualista (alegría de la vida)



Lucio Fontana

Amarillo atacado a puñaladas

Detrás del color existe esa oscuridad


Wassily Kandinsky

Mark Rothko

El cuerpo involucra con los colores



Cubismo

George Braque



Jackson Polock

Hasta la segunda guerra parís era el centro del poder artístico.

Desde ´50 New York es el centro (era el triunfador de la guerra).

Del poder visual al poder táctil



Wright

Casa Robie. Chicago. 1908.

Visualista


Wright

Guggenheim. New York. 1959.

El volumen es el protagonista.


Mies van der Rohe

Pabellón alemán. 1929.

Visualista


Mies van der Rohe

Lake Short Drive. 1951.

Materiales que amplifican sus posibilidades.


Le Corbusier

Ville Savoye. 1929.



Le Corbusier

Iglesia de Ronchamp.1951.



Alvar Aalto

Biblioteca Viipuri. 1929.



Alvar Aalto

Ayuntamiento Saynatsalo. 1953.



De la abstracción de principios de siglo se busca para aferrarse al mundo

  1. Expresionismo abstracto norteamericano. Jackson Pollock. Mark Rothko.

Un lenguaje nuevo nace en Norteamérica en la década de los cuarenta ofreciendo uno de los momentos artísticos más álgidos y rompedores de este siglo. Es el Expresionismo Abstracto, un estilo que surge del cambio mental de un hombre impactado por los terribles acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Es un momento de crisis, de cambio a nivel mundial, donde la conciencia universal del hombre ya no puede ser la misma y éste evoluciona hacia una mayor comprensión de sí mismo y de su existencia, que en esos momentos vive como trágica (1). Esta transformación del hombre será crucial pues repercutirá en su actividad creadora produciendo una renovación del arte.


La técnica pictórica sufrirá transformaciones y se ampliará con nuevos modos de ejecución que enriquecerán el lenguaje artístico sirviendo a las necesidades de un colectivo que, harto de seguir las tendencias realista, cubista o postimpresionista, desea un arte nuevo emancipado de las corrientes europeas y nacido en América. Pero esta necesidad de crear un arte nuevo no sólo tiene su origen en la exigencia vanguardista de la innovación, también deviene de una conciencia de grupo que quiere dejar patente su paso en la Historia del arte. El deseo de estos artistas fructificará con resultados ampliamente satisfactorios produciéndose un gran desarrollo del arte americano que convirtió a Nueva York, a finales de los años cincuenta, en la capital mundial del arte.

Es el expresionismo abstracto norteamericano un estilo que recoge dos tendencias, por un lado la pintura gestual que es más expresiva e improvisada y cuyos máximos exponentes son Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell y Franz Kline; y por otro lado la pintura de campos de color, que es más abstracta, de contenido más transcendental y que plantea el cuadro con amplias superficies de color que absorben al espectador, donde se incluyen Mark Rothko, Barnett Newman, Clifford Still y Ad Reinhardt. Ambas utilizan, en ocasiones, la técnica "all-over" que consiste en cubrir el lienzo de manera uniforme, como hace Pollock en sus dripping o derrames, pareciendo que la obra quiere expandirse de los límites del propio lienzo. Ambas fueron innovadoras, pero la tendencia gestual fue la que primero impactó al mundo con su osadía y originalidad.

En la germinación de este estilo será de nuevo la guerra la que proporcione unas circunstancias favorecedoras para un cambio estético. Me refiero a la emigración masiva de artistas europeos, ya que su presencia reactivó el panorama artístico americano y su influencia sirvió de detonante a la explosión de expresión artística liberalizadora. Éstos, en su mayoría surrealistas, entraron enseguida en contacto con los artistas neoyorquinos cuya atracción por el contenido surrealista (3) y, en especial, por la técnica del automatismo les llevó a desarrollarla ampliamente llevándola incluso al límite. Expresar sin la intervención de la razón y sin preocupación estética alguna era una invitación al inconsciente para salir a la luz del lienzo, un lienzo que masivamente se tiñe de negro como la sombra oscura de pesadumbre que expele la guerra, como la huella mortal de una época.

El expresionismo abstracto introdujo muchos cambios y novedades en el Arte pero, sobre todo, rompió con cualquier clase de tradicionalismo. El artista, de tan libre, asustado, se preguntaba si era aceptable tanta libertad, si era correcto y válido ese camino, pero ya no había vuelta atrás y el atrevimiento de unos pocos como Pollock y Kline alimentó las fuerzas de los otros para seguir adelante por la vía del descubrimiento.

E

The key 1943- Pollock


l ilusionismo formal es desterrado en favor de una gestualidad expresiva que arranca de la emoción de un artista que vive su creación intensamente.
Los artistas querían que la tela fuese un mundo y ésta se les aparecía como "una arena en la que obrar más que un campo en el que reproducir, reinventar, analizar o 'expresar' un objeto real o imaginado. La tela sería para un acontecimiento, no para un cuadro" (4).
Se adentró en las posibilidades de lo hasta entonces desconocido llegando a confiar más en sus intuiciones, lo que le hizo llegar a la conclusión de que "la experiencia pictórica es en sí misma la fuente suprema de significado" (6). Este conocimiento tranquilizador venía precedido por la preocupación, extensible a los demás artistas, de que el expresionismo abstracto tenía un tema.
En el mismo sentido, Pollock, que explotaba el tema de los mitos debido a la influencia de los arquetipos de Jung, intenta explorar un arte nuevo simbolizado por la estructura hasta terminar por concentrarse en el proceso de la pintura como acto ritualista donde las imágenes surgían del acto de pintar. De un sentido simbólico semifigurativo sus telas pasan a ser superficies donde se registra el paso del artista y la energía de su movimiento. De la preponderancia del trazo gestual tipo signo llegará a un gesto o caligrafía goteada cuyo contenido es el resultado de un acto total, libre y dramático.
El arte abstracto, liderado por Pollock, se volcará a la acción sin ideas preconcebidas y sin autorrestricciones. La impresión directa, que ofrecía un sentido de inmediatez, era muy valorada y fomentó el gesto por ser una técnica carente de artificio. Así el Arte se llenará de una espontaneidad formal que en ocasiones será brusca y con tendencia a crear grandes tensiones.
A diferencia de Europa, donde los elementos del guso y de la composición siempre están presentes, en Estados Unidos esto no parece ser importante. El artista ni articula ni evalúa en términos de composición, lo hace en términos de necesidad expresiva. Su necesidad le lleva a crear según unos impulsos internos que exterioriza de forma aleatoria. Dice Shapiro: "en pintura, lo ocasional o lo accidental es el punto de partida de un orden. Eso es lo que el artista aspira a estructurar en un orden, pero un tipo de orden que, en última instancia, retiene la apariencia del desorden original como una manifestación de libertad".
Al utilizar una técnica directa, la mayoría de las veces no había bocetos preliminares. Motherwell escribió: "Comienzo un cuadro con una serie de errores, la pintura surge a partir de la corrección de esos errores por el sentimiento. Y Pollock trabajaba sin ideas preconcebidas para así sentirse lo más libre posible.

Pero el cuadro no será una acumulación de gestos azarosos sin ningún control. A diferencia de los surrealistas, para los expresionistas abstractos el elemento de decisión es primordial. El artista establece un diálogo con una tela que le contesta y le provoca sus siguientes pasos. Por mucho que quieran hacerlo de manera inconsciente, en su transcurso toma decisiones y elige o rechaza las formas que irán configurando la obra, pues el artista es libre de decidir lo que le sirve y libre de modificar lo que no le guste.


En la pintura de acción la línea tiene un papel principal, puede aparecer como un trazo, un signo, una maraña y todos son rastros de la emoción puesta por el creador. Siempre tendrá una fuerza descomunal ya que de esa línea sale toda la intención expresiva del artista, a veces como un golpe fulgurante del pincel, otras transparentando los movimientos reales del brazo o incluso del cuerpo del artista.
Técnicamente hubo aportaciones que favorecieron el gesto, como es el aumento de la escala de los lienzos, cuya influencia puede verse en los muralistas mexicanos y, por qué no, en la costumbre visual de un entorno arquitectónico monumental. Las implicaciones de ilimitación de los lienzos grandes provocaron un mayor impacto en el espectador y le introdujeron más fácilmente en su espacio. Las telas grandes apartaron al artista del trabajo de caballete, pues para ser dominadas necesitaban ser tratadas desde todos sus lados. Y su trabajo en horizontal permitió el estudio de nuevas formas de ejecución. Esto fue un hecho de gran repercusión pues varió la forma de pintar. Una fotografía de Pollock pintando físicamente sobre la tela supuso la ruptura de la frontalidad, característica, hasta entonces, inherente a la pintura. A partir de ahí, ningún artista quiso fotografiarse ante su caballete por miedo a que no se le considerase moderno. Todos ellos experimentaron esta novedad explotando ampliamente sus ventajas.




Pollock, que curiosamente delimita las dimensiones finales del lienzo después de haberlo pintado, pinta físicamente sobre la tela entrando en mayor comunión con ella y pudiendo pintar igualmente por todos sus lados como en muchos métodos primitivos. Pollock decía: "Cuando estoy dentro de mi pintura no soy consciente de lo que hago. Sólo después de un período de amoldamiento veo lo que he realizado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla fluir. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura el resultado es confuso. De otro modo, hay pura armonía, un sencillo toma y daca y la pintura sale bien" (10). Es un pintor muy subjetivo para el cual la realidad interior es la única realidad. Deja a un lado la razón y va depositando la pintura sobre la tela mediante impulsos inconscientes que dejan ver los movimientos físicos reales del artista. Bien designada está la pintura de acción, pues la acción física del creador, ya no sólo de su mano y de su muñeca, sino de su brazo, de su hombro y de todo su cuerpo, estructura la obra. Pollock lleva al extremo la gestualidad con sus drippings creando un campo articulado de un extremo a otro por señales rítmicas del pincel donde lo esencial es el movimiento generado por su sentimiento en el acto creador. El proceso se convierte en el fin de su pintura. Como dice Nikos Stangos, desea "liberar tanto el procedimiento como la iconografía de actitudes conscientes respecto a la técnica de pintar" (11). En sus drippings desaparece la perspectiva, pues sus telas son campos globales de líneas que serpentean libres sin realizar las funciones del dibujo lo que, además, provocará una confusión entre dibujo y pintura.


El pintar en lienzos enormes también favoreció los procedimientos pictóricos ya que el artista en su dominio de un campo mayor utilizaba todo tipo de utensilios y grandes brochas cuyos trazos, curiosamente, se aparecían como líneas. Todo lo que le sirviera para llevar a cabo su necesidad expresiva tenía validez. Los diferentes utensilios fueron más utilizados por los gestuales que por los abstractos, pues estos últimos preferían no dejar la huella de su ejecución formal. Este es el caso de Ad Reinhardt que en sus 'Doce reglas para una nueva academia', escrito en 1.957, expone puntos a evitar como son: "ninguna textura (...), ningún automatismo (...), ninguna huella del pincel, ninguna caligrafía" (12). Un pintor de un extremismo exagerado que conseguía preocupar a sus coetáneos y que representa un contrapunto curioso a la dinámica gestual.
Los artistas de la llamada Escuela de Nueva York nos han dejado un legado artístico inconmensurable y con sus obras nos abren la puerta a una experiencia estética que no debemos perder. Para que esta experiencia sea más auténtica, sus obras hay que observarlas pasivamente, como decía Pollock, sin buscar nada específico o reconocible. Ante ellas no hay que olvidar que el artista ya no sólo ofrece su visión personal sobre algo, también nos expresa su sentir profundo y existencial. Aunque, en algunos casos, los artistas se pueden servir de fuentes como el paisaje, la literatura, la figura, la guerra o los recuerdos, las obras serán abstracciones que materializan un proceso movido por la necesidad de plasmar las emociones internas que provoca el exterior. El gesto es la herramienta del sentimiento, el rastro de su intención. Así, la aplicación gestual es el lenguaje que mejor les sirve a su expresión, pues el gesto es puro sentimiento, y su fuerza es su franqueza.

El expresionismo abstracto ha pasado a formar parte de la historia del arte gracias a artistas que, sin perder contacto con la realidad de su época, fueron más allá y respondieron con un grito que hizo añicos toda la tradición estética anterior. Artistas que vivieron en sus cuadros y que expresaron en negro su condición humana.





Compartir con tus amigos:
  1   2   3   4


La base de datos está protegida por derechos de autor ©absta.info 2019
enviar mensaje

    Página principal