Tema 21: Pintura y escultura hasta 1945



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TEMA 20: Arquitectura del siglo XX. La arquitectura modernista y las artes decorativas (ver tema 18). Futurismo y expresionismo en arquitectura. “De Stijl” y constructivismo. Gropius y la Bauhaus. Le Corbusier. La difusión del racionalismo.



TEMA 21: Pintura y escultura hasta 1945. La transformación y evolución de las nuevas estéticas. Fauvismo. Picasso y el Cubismo. Expresionismo, Futurismo y Neoplasticismo. El Constructivismo ruso. La Pintura Metafísica, el Dadaísmo y el Surrealismo.

ARQUITECTURA DEL XX




1. EL MOVIMIENTO MODERNO
1.1. PRECEDENTES

Las transformaciones del Mundo contemporáneo obligaron a los arquitectos a enfrentarse a las nuevas necesidades derivadas de la industrialización y del crecimiento urbano. Tenían dos opciones principales, o mantener los modelos del pasado, o romper radicalmente con la tradición. En el siglo XIX la respuesta casi unánime fue la primera a través de los estilos historicistas. En el XX, en el contexto de las Vanguardias, se impuso la segunda opción, que algunos historiadores del arte denominan Movimiento moderno, otros Arquitectura funcional y algunos Estilo internacional. Fue una tendencia compleja, poco unitaria, que comenzó a principios de siglo, alcanzó su cenit a partir de los años 20 y cerró su etapa más creadora con la Segunda Guerra Mundial.


Entre los antecedentes del Movimiento moderno hay que destacar:

  • La arquitectura utilitarista de la Escuela de Chicago.




  • El Modernismo, que puso las premisas del lenguaje de la nueva arquitectura del siglo XX. Adolf Loos, arquitecto formado en la Sezession vienesa, está considerado como el padre del Movimiento Moderno, por sus obras de volúmenes simples y depurada ornamentación. Fue el eslabón europeo con la arquitectura de Chicago.




  • También conviene recordar que, a principios de siglo, un grupo de arquitectos y artesanos alemanes fundaron el Werkbund, escuela que pretendía la convergencia del arte, la industria y la artesanía, y que puede considerarse antecedente de la Bauhaus. En ella colaboraron Peter Berhens, Henri Van de Velde, Walter Gropius y Josef Hoffmann. P. Berhens construyó la fábrica de Turbinas, embrión de futuros edificios fabriles y una de las primeras obras de la arquitectura funcional




  • No pueden olvidarse las investigaciones y experimentos que sobre la representación del espacio hicieron los cubistas y que fueron decisivas para la renovación de las formas arquitectónicas.

1.2. CARACTERÍSTICAS GENERALES

La arquitectura del Movimiento Moderno se caracteriza por:


  • Empleo de los materiales modernos: el hierro, el acero, el hormigón armado, el cristal, etc.

  • Predominio de las formas puras y de los volúmenes geométricos sencillos -cubo, cilindro…- que se organizan de forma ortogonal

  • Ausencia de ornamentos

  • Planos de color uniforme

  • Concepción integradora del edificio en el entorno

  • Adecuación del edificio a la función para la que ha sido construido. Si un edificio cumple su función, si resulta agradable estar en él, ese edificio es bello.

Dependiendo a cuales de los principios anteriores den más importancia los arquitectos, se habla de arquitectura racionalista y de arquitectura orgánica.

1.3. ARQUITECTURA RACIONALISTA

Su concepción de los edificios se basa en el empleo de volúmenes geométricos elementales, proporcionados y armónicos. No hay elementos ornamentales porque las proporciones del conjunto y la distribución de los volúmenes que lo componen deben lograr una sensación estética, sin recurrir a los adornos. El racionalismo tiene como grandes representantes al suizo Le Corbusier y a los arquitectos de la Bauhaus.

1.3.1. Le Corbusier

Charles Edouard Jeanneret, conocido como LE CORBUSIER, nació en Suiza pero trabajó fundamentalmente en Francia. Sus opiniones penetraron hondamente en los arquitectos de todo el mundo gracias los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (C.I.A.M.), que creó en 1928, y en los que tuvo una intensa participación.


Las obras teóricas de Le Corbusier, como El Modulor, que trata de las proporciones de los edificios, y Hacia una Arquitectura, alcanzaron gran difusión y tuvieron notable influencia en sus colegas. Su concepción racionalista se impuso en todas partes. En España, seguidores suyos crearon el G.A.T.E.P.A.C., Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea.

  • Características de la arquitectura de Le Corbusier

Su material preferido fue el hormigón armado, ya que le parecía que, por su versatilidad, era el vehículo adecuado de expresión de su concepción arquitectónica.
Resumió sus ideas en los que llamaba cinco puntos para una nueva arquitectura:

  • La estructura del edificio se apoya en pilares de hormigón (a los que denominaba pilotes) que aíslan al edificio del suelo.

  • Terrazas jardín, para aprovechar las azoteas.

  • Ventanas longitudinales que iluminan intensa y uniformemente los interiores.

  • Planta libre, debido al sistema de pilotes, y a la ausencia de muros de carga, lo que hace posible que cada piso pueda ser distribuido con independencia.

  • Fachada libre, ya que no está sujeta a la ordenación regular impuesta por los muros de carga.




  • Obras

  • Primera etapa. Los principios anteriores se ven reflejados de forma arquetípica en la villa Saboya, una casa de campo unifamiliar, y en la Unidad de Habitación, en Marsella, un gran edificio de vivienda colectiva. Es una etapa de gran rigor racionalista, de volúmenes limpios, sin concesiones decorativas.




  • En una segunda etapa las superficies arquitectónicas cobran un sentido más expresionista, escultórico y poético. La obra principal es la iglesia de Nuestra Señora, en Ronchamp, construcción de planta irregular, cuyas blancas superficies recuperan ya el movimiento. Su tejado es como un gran sombrero de hormigón de pesada apariencia, que interiormente parece flotar en la penumbra. Los muros adoptan deformaciones alabeadas y las ventanas son simples tragaluces cuyo cromatismo crea una atmósfera interior de espiritualidad y recogimiento. El púlpito exterior parece inspirarse en la tradición italiana.

1.3.2. La Bauhaus

La Bauhaus (Casa de la Construcción) fue una Escuela de Arquitectura y Diseño, que tuvo una enorme influencia en la arquitectura contemporánea. La fundó Walter Gropius, en el año 1919, en la ciudad alemana de Weimar. Gropius era un arquitecto de sólido prestigio, que había realizado ya algunas obras maestras como la fábrica Fagus (1911).
La intención de la Bauhaus era combinar las actividades formativas de una Academia de Arquitectura y de una Escuela de Artes y Oficios, para así integrar todas las modalidades artísticas. Defendía que el arte debe responder a las necesidades de la sociedad. En la Bauhaus impartieron clases, entre otros artistas, Kandinsky y Klee.
En 1925 la escuela se trasladó a Dessau, donde permaneció hasta 1930; en esta etapa consolidó su prestigio y afirmó su clara voluntad racionalista.
Los principios arquitectónicos que defendía la Bauhaus eran:


  • Dar gran importancia a los volúmenes pero no tanto a la masa global. El edificio se concibe desde dentro, desde su utilidad, desde su espacio.

  • Retorno a la simplicidad ortogonal de las formas (la curva se usa excepcionalmente porque aumenta el costo). Es una arquitectura funcional donde todo ornamento es superfluo.

  • Valoración de todos los campos visuales, abandonando la dictadura de la fachada principal.

  • Aplicación de todos los avances de la técnica: un edificio debe ser agradable en lo estético a la vez que tecnológicamente puntero.

En estos años se llevó a cabo la obra que mejor refleja estas ideas: Walter Gropius construyó el edificio de la Bauhaus, con una planta geométrica pero carente de simetría, formada por varios pabellones y puentes en los pisos altos para enlazarlos, y con grandes ventanales. Los volúmenes correspondientes a las distintas dependencias se articulan siguiendo una directriz quebrada.


En 1927 la Bauhaus pasó a ser dirigida por Meyer. Izquierdista radical, Meyer veía en la arquitectura un medio para mejorar la vida de los obreros. En 1930 fue destituido por motivos políticos.
En su última fase, de 1930 a 1933, la Bauhaus se trasladó a Berlín y tuvo como último director a Van der Rohe. Para Mies Van der Rohe, el poeta de las rectas y de los planos, el hierro y el hormigón deben ir en el interior como un fuerte esqueleto, mientras que el vidrio formaría la piel. Su arquitectura es abierta hacia el exterior, buscando la integración con su entorno, como puede comprobarse en el recientemente reconstruido pabellón alemán de la Exposición de Barcelona, una hermosa planta libre racional, refinada y diáfana, cuyas estructuras se duplican visualmente en un estanque.

En 1933, cuando los nazis alcanzaron el poder, la Bauhaus fue clausurada. Meyer marchó a Rusia donde fue profesor en la Academia de Arquitectura de Moscú. Gropius y Mies Van der Rohe emigraron a EEUU. Con ellos se esparció por el mundo la semilla del racionalismo de la Bauhaus.


Gropius dirigió el Departamento de arquitectura de la Universidad de Harward. Van der Rohe, por su parte, impartió clases en Chicago donde encontró el terreno propicio para sus proyectos. Entre sus obras en Estados Unidos destacan las torres de Lake Shore Drive de Chicago y el rascacielos Seagran, en Nueva York, un gigantesco paralelepípedo de pureza racionalista, apoyado en pilares metálicos y con el exterior estructurado a base de pequeños módulos.

1.4. ARQUITECTURA ORGÁNICA



Frank Lloyd Wright, arquitecto norteamericano nacido en Wisconsin, trató de integrar la arquitectura en su entorno natural. Nacía así la arquitectura orgánica según la cuál una construcción no debe destruir la naturaleza, sino integrarse en ella. La forma y los materiales utilizados deben estar adaptados al paisaje pero, a su vez, la forma debe permitir que el ambiente natural penetre en la casa. En él tuvieron influencia la arquitectura japonesa y la tradición anglosajona de las casas de campo.
La casa de la Cascada o casa Kaufmann, en Bear Run, se caracteriza por sus planos horizontales de hormigón adaptados a los desniveles del terreno, por sus muros verticales en piedra de aparejo rústico y por las estructuras voladas sobre la pequeña cascada; es una vivienda de tres plantas escalonadas armónicamente integrada en la naturaleza que la rodea.
Ya en la última etapa de su vida, construyó el Museo Guggenheim de Nueva York. El edificio tiene la forma de un tronco de cono invertido, con una rampa interior en espiral por la que descienden los visitantes y a la que se abren las salas en que se exponen las obras. En el centro se dispone un enorme espacio hueco cubierto por un gran lucernario acristalado. Encontramos aquí una de sus más características formas simbólicas, la espiral, a la que relacionaba con las ideas de eterno retorno y de conjunción entre lo finito y lo infinito.
El representante más importante de la arquitectura orgánica europea es Alvar Aalto. Participó en la reconstrucción de su país, Finlandia, después de la Primera Guerra Mundial y sus trabajos en la capital, Helsinki (Universidad Técnica, por ejemplo), cambiaron por completo el aspecto de la ciudad.
Otros arquitectos prestigiosos fueron el sueco Jorn Utzon, autor de la Ópera de Sydney, y el canadiense Óscar Niemeyer (palacio del Congreso en Brasilia)

2. ARQUITECTURA POSTERIOR AL MOVIMIENTO MODERNO
Desde los años 60 hasta nuestros días, la arquitectura se ha orientado en diversas direcciones.


  • Algunos arquitectos se mantuvieron fieles a los principios de la arquitectura racionalista: conforman el Neorracionalismo, tendencia continuadora del movimiento moderno.




  • Otros adoptaron la vía Posmoderna, una reacción al racionalismo, en la que no se descartan los elementos historicistas y para la que el ornamento no tiene por qué ser malo. Es una vía muy aceptada por el gran público. Les Arcades du Lac y Los espacios de Abraxas, en París, obra de Ricardo Bofill, son un buen ejemplo.




  • Sin embargo, hoy la vía posmoderna está en crisis. No podemos hablar de tendencias muy generalizadas sino más bien de obras destacadas (el Centro Pompidou, construido en París por un equipo de arquitectos, con la característica exteriorización de sus estructuras), y de artistas importantes.

Entre estos nombres propios merecen citarse el canadiense Frank Ghery, arquitecto del Museo Guggenheim de Bilbao, y los españoles Santiago Calatrava, cuyas obras están dotadas de un atractivo dinamismo (estación del aeropuerto de Lyon; ciudad de las Artes y las Ciencias, en construcción en Valencia) y Rafael Moneo, más clásico, autor del museo de Mérida, de la estación de Atocha en Madrid y del Kursaal, en San Sebastián A Moneo le han encargado recientemente la ampliación del Museo del Prado.


PINTURA DEL S. XX

1. LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS
1.1. INTRODUCCIÓN

En el siglo XX los movimientos artísticos no se suceden ordenadamente sino que se atropellan, se superponen, desfallecen y resucitan, por lo que es difícil establecer la secuencia cronológica. Los artistas pasan, a veces, de una tendencia a otra, o las cultivan simultáneamente como hizo Picasso.


1.1.1. Marco histórico

Las primeras vanguardias, llamadas históricas, se desarrollan desde el comienzo del siglo hasta la Segunda Guerra Mundial y su devenir queda condicionado por las cesuras que imponen los enfrentamientos bélicos.


El siglo XX ha sido una etapa de crisis periódicas y de terribles enfrentamientos bélicos, pero también de grandes aportes de la ciencia y del pensamiento. En 1902, Sigmund Freud, publica La interpretación de los sueños que pone las bases del conocimiento del inconsciente humano. Unos años más tarde, en 1907, Albert Einstein define la teoría de la Relatividad, que desmontaba gran parte de la Física tradicional. A partir de ahí se suceden, con ritmo incesante, descubrimientos que han transformado profundamente la vida del hombre y su concepción del mundo.
Desde la óptica artística, los primeros años del siglo, los de la Paz armada, ven surgir las primeras vanguardias, el Fauvismo, el Cubismo, el Futurismo y el Expresionismo.
Durante la Primera Guerra los artistas manifiestan su oposición al hecho bélico a través de la provocación (Dadaísmo) o de la búsqueda de una serenidad perdida (Pintura Metafísica).
Las vanguardias resurgen del caos de la guerra en los Felices veinte, se radicalizan en los años Treinta, en el marco de la crisis económica, y toman partido ante el enfrentamiento ideológico que antecede a la Segunda Guerra Mundial. Es el momento de máxima pujanza del Surrealismo y de la Abstracción.

1.1.2. Concepto de vanguardia

Etimológicamente, el término procede del francés avant-garde, que designa, en el contexto militar, a un pelotón avanzado que realizaba acciones de extrema dificultad. Las artes adoptaron este término para designar aquellas tendencias innovadoras que se oponían al academicismo establecido. Las Vanguardias artísticas tienen los siguientes rasgos característicos:


  • Proclaman sus ideas e intenciones mediante manifiestos escritos.

  • Pretenden destruir la imagen pictórica tradicional. Por eso rechazan las formas anteriores de representación y sus valores de perspectiva, modelado y claroscuro. Niegan que exista un modelo universal de belleza.

  • Crean nuevos lenguajes artísticos alternativos.

  • Estos nuevos lenguajes son difícilmente inteligibles y hasta herméticos lo que provoca el divorcio con el gran público, pues exigen de éste un importante esfuerzo intelectual.

  • Proclaman la autonomía del arte frente a la naturaleza.

  • Tienen vida efímera pero su influencia pervive en movimientos posteriores.

1.2. FAUVISMO

Su más claro precedente es Gauguin, debido a su gusto por el color y las superficies planas. El término fauve (fiera) fue empleado despectivamente por el crítico Luis Vauxcelles, para describir la obra de pintores como Matisse, Derain y Vlaminck, que habían expuesto en el Salón de Otoño de 1905.
El Fauvismo tuvo una vida efímera, pues tres años más tarde los componentes siguieron caminos individuales, aunque su huella fue extraordinaria. Defendían que la pintura debía seguir el instinto del artista, expresando sus sentimientos, reivindicando de esta manera la autonomía absoluta de la obra del arte.
Las características del Fauvismo son:


  • Afán decorativo, al que supeditan la línea y el color.

  • Violencia cromática, utilizando los tonos de forma arbitraria. Son capaces de pintar, por ejemplo, un rostro verde o un árbol rojo.

  • Color aplicado en manchas planas, y desinterés por la apariencia tridimensional.

  • Composiciones sencillas, formas poco cuidadas, de apariencia un tanto primitiva, y frecuentemente de tono amable y optimista.

Como obras destacadas se pueden citar Madame Matisse; Armonía en rojo; La danza; Odaliscas y la Mujer del sillón, pintadas por Matisse; El puente de Waterloo, de Derain; y Arboles rojos de Vlaminck.

1.3. EXPRESIONISMO

El Expresionismo, entendiendo como tal la tendencia a representar intensamente lo subjetivo del pintor, ha sido una actitud recurrente en el arte. Toda obra que expresa el sentimiento íntimo, el estado de ánimo de su autor, es antecedente del movimiento expresionista, como las pinturas negras de Goya o la obra de Van Gogh.


El Expresionismo no constituye, en sentido estricto un movimiento de vanguardia, pues sus límites cronológicos y geográficos son imprecisos. Carece de un centro unitario aunque su ubicación principal es en Alemania, país cuya tradición expresionista arranca en la Edad Media.
Junto al mundo germánico, aportan su contribución al Expresionismo pintores de procedencia flamenca como Ensor (autor de grotescas máscaras de carnaval), el francés Rouault (obras religiosas: Ecce Homo), los españoles Nonell y Solana (temas de muerte o de toros), el excelente retratista austríaco Kokoschka (retrato de Adolf Loos) y, sobre todo, el noruego Munch, cuya obra El grito (1893) es la que influyó más directamente en el expresionismo germánico.
1.3.1. Características

  • Primacía de la expresión subjetiva del pintor. El arte deja de considerarse una representación para convertirse en manifestación primaria del estado de ánimo, del instinto, de la voluntad.

  • Manierismo formal que lleva a la deformación, a la exageración, a la distorsión.

  • Primacía de lo cromático, pero no con afán decorativo sino expresivo, tanto utilizando colores intensos y estridentes, como con colores oscuros, pardos o grises.

  • Pincelada violenta, empastada, agresiva.

  • La temática tiende hacia lo prohibido, lo morboso, lo pervertido, lo sexual, lo agobiante… Consideran que la sociedad está enferma y corrompida, y denuncian la alienación dramática que produce en el ser humano el entorno agresivo.

1.3.2. El expresionismo alemán



  • El primer grupo expresionista se constituyó en Dresde en 1905, bajo la denominación Die Brücke (El Puente), influido por Munch. Lo constituían un grupo de estudiantes de arquitectura, sin formación académica pictórica, entre los que destacaban:

  • Kirchner, jefe del grupo, tiene un estilo agresivo, con escenas urbanas agobiantes, sensación de aislamiento, figuras alargadas, trazos angulosos... (Cinco mujeres; Retrato de Franzi; Bañistas bajo los árboles).

  • Nolde, autor de obras religiosas de intensa expresividad, como La Cena; Heckel, etc.




  • Un segundo grupo expresionista surgió en Munich en 1911, con un planteamiento menos agresivo pero más cromático y simbólico: es el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), bajo la dirección del ruso Kandinsky (que por aquellos años derivó ya hacia la Abstracción expresiva). Otros miembros de El Jinete Azul fueron Marc (El sueño), que pintó temas de animales, con colores simbólicos que le aproximan al Fauvismo, y Klee que, a veces, practicó la abstracción y que, una vez disuelto el grupo, perteneció como Kandinsky a la Bauhaus, donde desarrollaron su actividad pedagógica.

1.4. PICASSO Y EL CUBISMO

1.4.1. Cubismo

Casi a la vez que el Fauvismo, surgía otra vanguardia que crea un lenguaje radicalmente diferente. Los cubistas se basan en la línea, la forma, el intelecto y el orden. Como antecedentes podemos aludir al puntillismo de Seurat y al racionalismo de Cezanne, integrantes ambos en la tendencia metódica y ordenada del postimpresionismo.


El punto de partida suele situarse en 1907, cuando Picasso acaba Las señoritas de Avignón, en que sienta las bases del nuevo lenguaje, y Braque pinta una serie de paisajes (Casas en l’Estaque), inspirados en Cezanne. El término Cubismo, procede del crítico Luis Vauxcelles que decía, refiriéndose a la obra de Braque, que parecían cubos.
Las características del Cubismo son:

  • Es una pintura racional que trata de plasmar las cosas no como las vemos sino como sabemos que son, con su esencia geométrica, olvidando emociones y sentimientos.

  • Reduce formas y volúmenes a sus esquemas geométricos básicos. Para ello, primero descompone los objetos, para después representarlos en una visión simultánea, desde distintos puntos de vista.

  • Recupera la línea y los planos y elimina la perspectiva renunciando al espacio y al modelado.

  • En un primer momento simplifican el color en una visión casi monócroma, de tonos neutros castaños, grises y pardos. A partir de 1912, recuperan el color y comienzan a utilizar otros materiales, como periódicos o etiquetas, insólitos para un cuadro: los collages.

Los creadores del Cubismo son Picasso y Braque, pero otros pintores y escultores incorporan sus ideas artísticas. El madrileño Juan Gris desarrolla el Cubismo de forma más estricta e intelectual que sus propios creadores, en obras (varias naturalezas muertas) en que resulta muy difícil reconocer los objetos. El Francés Delaunay (La torre Eiffel) crea el Cubismo Órfico recuperando el color en obras próximas a la abstracción. Otro francés, Ferdinad Leger, se especializa en la pintura de obreros y máquinas (Los constructores, La ciudad) en un estilo que combina cubismo y realismo; simplifica las formas al modo cubista pero las recompone con una apariencia volumétrica, tridimensional, que acentúa empleando colores brillantes. El ruso Archipenko y el español Gargallo (El profeta), aplican los principios cubistas a la escultura.

1.4.2. Picasso (1881-1973)

Pablo Ruiz PICASSO nació en Málaga, hijo de un profesor de dibujo. A los 15 años dominaba la pintura académica. En 1895 se establece con su familia en Barcelona y allí se une a un grupo de poetas, pintores (Nonell, Regoyos…) y periodistas en el café Els Quatre Gats, centro de la vanguardia artística de la ciudad. Sus primeros cuadros de esta época reflejan su asimilación del Postimpresionismo y del Modernismo. En estos años realiza su primer viaje a París, donde estableció su residencia, a partir de 1904, de forma casi permanente. Su obra pasa por diversas etapas:




  • Periodo azul (1901-1904). Es una etapa expresionista, en que mediante figuras estilizadas de dibujo expresivo y factura magnífica, envueltas en una entonación azulada, eterniza la melancolía y la tristeza; podríamos decir que, más que crítica social, hace reflexión metafísica sobre la miseria. La vida; El guitarrista ciego; La planchadora; Maternidad




  • El Periodo rosa (1904-1906) es también expresionista pero de tonos más ligeros y variados (rosas, azules), más alegre, más sentimental, con tiernas representaciones de arlequines, acróbatas, payasos… como en La familia de saltimbanquis.




  • LAS SEÑORITAS DE AVIGNON (Les demoiselles D’Avignon) fueron pintadas en 1907, aunque no se expusieron en público hasta 1916. Picasso admiraba el arte egipcio, los relieves ibéricos y la estatuaria africana. Todas estas formas están en la base de su fase cubista, iniciada con Las Señoritas de Avignon, un cuadro que recuerda algunas versiones de Las bañistas de Cezanne. Picasso rompe ya con la belleza tradicional: las figuras femeninas, realizadas mediante tonos uniformes, pierden su volumen y se articulan en una serie de planos que se cortan en ángulos, como cuerpos tallados a la manera de la estatuaria negra. Parece seguir en algunas figuras la ley de la frontalidad, la doble proyección egipcia. No hay perspectiva sino que personajes y fondo se fusionan. Dominan la geometría y la línea. Podemos afirmar que en esta obra está sintetizada la esencia del Cubismo.




  • Cubismo analítico o de facetas (1908-1912). Durante los años siguientes Picasso, en colaboración con Braque y Juan Gris, entró en el Cubismo analítico. Analizan la realidad y la descomponen en múltiples elementos geométricos. Construyen las figuras yuxtaponiendo o superponiendo en visión plana, pequeñas facetas vistas desde puntos diferentes, de modo que un personaje es la síntesis de visiones por delante y por detrás, desde arriba y desde abajo, desde cualquier ángulo. De este periodo tenemos obras como La fábrica de Horta de Ebro, ejecutada con líneas y planos de color que, como es corriente en esta fase analítica, son preferentemente grises y ocres. En sus paisajes Picasso utiliza a veces, como en este cuadro, una perspectiva divergente. Las formas se reducen a lo esencial y la composición está dominada por la geometría y el estatismo. Otras obras son Hombre con clarinete; Desnudo femenino; Retrato de Vollard y numerosas Naturalezas muertas.




  • Cubismo sintético (1912-1920). La descomposición analítica había llegado a tal hermetismo, que resultaba cada vez más difícil identificar referencias concretas. Pero Picasso no se atreve o no quiere dar el paso definitivo hacia la abstracción y recupera de nuevo la apariencia de los objetos. Los planos geométricos se simplifican, el color se hace más rico. Los elementos se sintetizan y se unen. Toda la superficie es ocupada por formas planas, pintadas o pegadas (collages). Mujer sentada en un sillón; Los tres músicos; Violín.




  • Etapa clásica. Aunque a lo largo de toda su vida Picasso siempre recurrió en mayor o menor medida a las experiencias del Cubismo, al final de la Primera Guerra inicia una etapa nueva, el periodo Neoclásico, que dura hasta 1925. Su interés por lo clásico surge de su estancia en Italia, donde preparaba los decorados para una obra teatral de Cocteau. Las pinturas de esta época (Arlequín; Los amantes; La flauta de Pan) se caracterizan por el predominio del dibujo que recuerda los perfiles de la cerámica griega, por los suaves tonos pastel y por la apariencia escultórica de las figuras.




  • A partir de 1925 mantuvo amistad con los pintores surrealistas. Aun sin caer en un surrealismo decidido, el contacto se manifiesta en las tendencias deformantes que aplica a las figuras aunque nunca dejó de atender a la realidad (Mujer al borde del mar; Metamorfosis).




  • En la década de los 30 se imponen en su obra las formas expresionistas. Las figuras adquieren trazos angulosos y violentos, se deforman y se rompen, a la vez que el dibujo acentúa una intensa expresividad (Minotauros). En 1937 sus experiencias culminan en el GUERNICA, un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones en que denuncia el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica, y que pintó, por encargo del gobierno de la República, para el pabellón de España en la Exposición Universal del París. Es un documento artístico y social, una metáfora del horror dentro de los presupuestos del expresionismo. El predominio de lo lineal es absoluto, con un dibujo preciso y ausencia de color, sólo el blanco y el negro. Los cuerpos son planos, apenas el caballo posee una ligera sensación volumétrica. Las lámparas no proporcionan luminosidad, son los cuerpos los que parecen desprender luz. Las figuras están distorsionadas, y en los rostros podemos observar planteamientos cubistas. Aunque a primera vista no lo parezca la composición es ordenada, en forma de pirámide pero también a manera de tríptico. Aparece una intensa línea de fuerza que atraviesa diagonalmente el cuadro en la dirección de las miradas de las figuras, pues todas ellas, menos las dos mujeres, dirigen su rostro hacia la izquierda.




  • Últimas obras. Tras la Segunda Guerra Mundial, en la época de Antibes recupera los temas alegres: balcones abiertos, palomas… un mundo amable de colorido brillante y ornamental. En los años 50, etapa de Corea significa la vuelta al expresionismo, como se ve en Matanza en Corea, que nos remite, por su composición, a los Fusilamientos de la Moncloa, de Goya. En los últimos años reinterpretó obras clásicas, como el Almuerzo campestre o la serie de estudios sobre Las Meninas, y cultivó con intensidad el grabado y la cerámica.

Picasso encarna al arquetipo de artista del s. XX. fue un creador genial, social y políticamente comprometido con el tiempo en que vivió, buscador incansable de caminos y soluciones artísticas.

1.5. FUTURISMO

En 1909, el poeta italiano Marinetti publicó en Le Figaro, el primer manifiesto futurista donde afirmaba: queremos exaltar el movimiento agresivo, el febril insomnio, el salto peligroso, el bofetón, el desafío a las estrellas (…) glorificar la guerra (…) y el desprecio de la mujer.


Esta agresividad le llevaría, andando el tiempo, hasta el fascismo. Es también famosa su afirmación de que un automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de Samotracia.
Los pintores futuristas, como Boccioni (Dinamismo del ciclista), Severini (Bailarina azul), Carra y Balla (Manifestación patriótica), embriagados por el movimiento, buscan representar la velocidad captando el objeto en como si se tratara de una secuencia crono-fotográfica; para ello analizan y descomponen las formas como los cubistas, y las construyen multiplicando líneas y detalles para dar la sensación de movimiento simultáneo.
El Futurismo muere con la Primera Guerra Mundial y, después de él, surge en Italia un movimiento antitético, la Pintura Metafísica. Artistas como De Chirico pintan plazas y calles desiertas y silenciosas, de inacabables perspectivas, pobladas por escasos personajes que parecen maniquíes, y en las que impera la calma y el vacío.

1.6. ABSTRACCIÓN

La búsqueda incesante de un nuevo lenguaje conduce a la pintura del siglo XX a la abstracción. La Abstracción es una lucha para terminar radicalmente con el arte imitativo y las referencias concretas a los objetos, al espacio y al tiempo. Defienden que una obra de arte no tiene necesariamente que hacer referencia a la realidad concreta. En consecuencia, ponen en crisis todos los valores establecidos sobre la visión estética y cultural de la realidad.
La abstracción encontró, en el plano filosófico, un adalid en la figura del historiador alemán Worringer, que la justificó como el síntoma más evidente del desacuerdo entre el hombre moderno y la naturaleza, del temor que el hombre tiene ante ella. Se ha señalado como sintomático que en 1907, Albert Einstein publicara la teoría de la relatividad con la cual cambió el concepto físico del universo; en este contexto escribió Kandinsky que la desintegración del átomo fue para mí como la desintegración del mundo entero.
La marcha hacia la abstracción transcurrió por dos caminos diferentes, basados en concepciones opuestas, una intuitiva, expresiva y sensorial, la otra racional y geométrica.
1.6.1. Expresionismo abstracto

También se denomina, en ocasiones, Abstracción lírica. Responde al predominio de lo intuitivo que se manifiesta en un aparente caos compositivo y cromático; se basa en improvisaciones o formas de apariencia misteriosa, llenas de color y de ritmo, que parecen concretarse en un marco informal. Son el resultado de la libre expresión de las emociones del artista que las deja fluir sin pretender racionalizarlas.


El creador de la Abstracción fue Kandinsky. En 1910, poco antes de fundar el grupo expresionista El Jinete Azul, pintó su Primera acuarela abstracta. Kandinsky llegó a la abstracción a través del expresionismo, concentrándose en las impresiones que la naturaleza le producía y tratando, a partir de ellas, de intensificar lo expresivo. Fue un proceso que desarrolló de forma consciente a través múltiples ensayos, en muchos de los cuales todavía se pueden apreciar algunas referencias concretas (Batalla; Impresión nº 5). Trataba de liberar al color de toda connotación objetiva o descriptiva. Tal independencia y autonomía le permitieron ensayar una concepción de la pintura cercana a la pureza musical. Para él, el arte debe expresar el espíritu, su realidad interior. Desarrolló estas ideas en uno de sus más célebres ensayos De lo Espiritual en el Arte, publicado en 1912. En sus páginas nos dice que el color es el medio más poderoso para llevar a cabo el cambio de rumbo espiritual. Los colores aparecen vinculados a vibraciones musicales; a cada color corresponde un tono espiritual, una vibración interna.
Agrupó la extensa producción artística de esta época bajo las denominaciones de Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.
1.6.2. Abstracción geométrica

Para otros pintores el camino de lo abstracto discurrirá entre formas regulares, determinadas por la línea y color plano, regido por la reflexión, el orden y el criterio racional. Hay varias tendencias:



  • Suprematismo, encabezado por Malevich, en la Rusia prerrevolucionaria, que tomaba como base el cubismo. Se expresaban por medio de formas geométricas sencillas, cuadrados, rectángulos, triángulos, círculos…, pretendiendo que no evocaran ni sensaciones ni sentimientos. La impresión que domina en sus obras es la de vacío, como resultado de la renuncia a la imagen.




  • Neoplasticismo (Geometrismo holandés). Surge durante la Primera Guerra Mundial, por obra de Piet Mondrian quien, junto a Van Doesburg, fundó la revista De Stijl (El estilo). Esta publicación sirvió como medio teórico de expresión de las propuestas plásticas de un grupo de artistas que pretendía crear una estética nueva, al margen del mundo concreto, elaborada con elementos extraordinariamente simples. El lenguaje pictórico del Mondrian neoplasticista se basa en el empleo exclusivo de los colores primarios, rojo, amarillo y azul, que alcanzan su esencia más pura entre el blanco y el negro. Color, línea y escala de proporciones se combinan mediante formas planas que se disponen en ángulos rectos. Es autor de varias Composiciones en rojo, amarillo y azul.




  • La Bauhaus era la Escuela de arquitectura, arte y diseño fundada por Walter Gropius, en 1919, en Weimar. La Bauhaus supone la confluencia de la mayor parte de los grupos de abstracción surgidos en los años anteriores. Allí acuden Kandinsky, Klee, Van Doesburg y otros, para crear un arte racional y ordenado. Kandisnky y Klee tuvieron una importante actividad pedagógica en la Bauhaus.


Klee (Pequeño puerto; Senecio…) concebía el arte como la posibilidad de crear una nueva naturaleza, no como una imitación de la misma. Su actividad docente se basó en la enseñanza de un lenguaje plástico expresivo, que enlazó con la teoría del punto y las formas de Kandinsky.
Kandisnky llegó a la Bauhaus en 1922 cuando era ya un pintor prestigioso. En estos años dio forma a su teoría de los colores y de las formas, que plasmó en numerosas obras (Puntas en arco; Varios círculos; Líneas y rayos…) y en el libro Punto y línea sobre el plano (1926). El color es la manifestación del espíritu puro. Los colores poseen efectos que atraen o alejan, según sean cálidos o fríos, y crean sensaciones de movimiento (el amarillo es centrífugo; el azul, centrípeto…). Estudió el punto (indivisible, inmaterial), la línea (cada línea tiene unas connotaciones características: la horizontal es fría, la vertical caliente…), el plano (posee cuatro campos de fuerza, a cada uno de los cuales le corresponde una sensación, un sentimiento: arriba, sensación de libertad, ligereza; abajo, represión, pesadez, etc.).

1.7. DADAÍSMO

La Primera Guerra Mundial despertó en muchos artistas la repugnancia y el horror que provoca en toda persona libre la brutalidad camuflada bajo grandes ideales. Son estos ideales lo primero que atacó el movimiento Dadá.
Este movimiento se funda en Zurich, en 1916, en el café cabaret Voltaire donde se reunía una tertulia literaria y artística de refugiados de varios países, que huían de la guerra. Entre ellos estaban el poeta Tzara y el pintor y escultor Arp. Casi al mismo tiempo Duchamp, Ray y Picabia fundaron en Nueva York un grupo similar. Conjuntamente elaboraron un manifiesto (1918). El nombre se escogió al azar abriendo un diccionario, con la pretensión de dar un nombre absurdo a un movimiento deliberadamente absurdo. Más que un estilo artístico es un movimiento de protesta y de condena de la guerra. Adoptan una actitud destructiva de los valores establecidos (patria, religión, cultura…) y alardean de agresividad, incluso hacia quienes visitaban sus exposiciones.
El Dadaísmo se caracteriza por:


  • Negación del arte mismo, porque el arte forma parte del orden social.

  • Libertad absoluta de creación, para provocar la reacción y el rechazo del público.

  • Cualquier objeto cotidiano, incluso de desecho, puede ser artístico. Por eso realizan collages, hacen fotomontajes, mezclan color con objetos tridimensionales pegados, etc.


Duchamp, que antes había pasado por una etapa cubista/futurista, con obras como Desnudo bajando una escalera, es quien mejor ejemplifica la actitud del movimiento. Empleó los Ready-made (objetos encontrados) como ruedas de bicicleta (Rueda de bicicleta), tazas de urinario (La fuente); pintó bigotes a una reproducción de la Gioconda, etc. Es la aceptación de lo absurdo, de lo irracional. Su obra más importante (1923), que él sólo consideró acabada cuando el azar quebró el cristal en que la había pintado, fue el Gran Vidrio, una de las pinturas más influyentes en el arte contemporáneo.
A partir de 1921 Dadá empezó a declinar pero su semilla tuvo continuidad inmediata en el Surrealismo.

1.8. SURREALISMO

Surge como una corriente literaria dirigida por los poetas franceses Aragon, Eluard y, sobre todo, Breton. Fue éste quien publicó el Manifiesto del Surrealismo en 1924. Al año siguiente se celebró la primera exposición de pintura. Igual que Dadá, el Surrealismo es más que un movimiento artístico y literario; tiene un componente ético, que se opone a los principios morales de la sociedad establecida.
Características


  • Propugnan la teoría de lo irracional en el arte. Reivindican la autonomía de la imaginación y el mundo de lo inconsciente.

  • No tuvieron un lenguaje artístico formal unitario. Así encontramos, por ejemplo, autores figurativos que emplean la perspectiva tradicional junto a otros próximos a la abstracción.

  • Reivindican el automatismo, es decir, dejar correr la mano o la mente al flujo de lo inconsciente.

  • Usan el collage, el frottage (frotar un lápiz sobre papel colocado sobre una superficie dura con irregularidades), objetos tridimensionales

  • Tuvieron desde el primer momento una actitud provocadora contra la tradición y las represiones morales o culturales establecidas, que se manifiesta en la selección de temas: lo incongruente, lo insólito, lo físicamente contradictorio, lo onírico, lo perverso, lo absurdo, lo inquietante…

  • Como antecedentes remotos del Surrealimo se puede citar a pintores como El Bosco, Archimboldo o algunas obras de Goya; precedentes más inmediatos los encontramos en artistas expresionistas como Munch; pero es la Pintura Metafísica (De Chirico) la que les influye de manera más directa.

Entre los artistas surrealistas, algunos como Magritte (La condición humana; La llave de los campos), Delvaux (La Visita) y Dalí, realizan obras plenamente figurativas; Ernst crea los frottages (Árbol solitario y árboles conyugales); otros como Miró, con su estilo basado en el automatismo, bordea la abstracción; Dalí realiza, también, objetos tridimensionales (Sofá-labios de Mae West); Giacometti y Arp son escultores.


Salvador Dalí . Nacido en Figueras (1904), tuvo, como él mismo escribió, un carácter extraño, egocéntrico e irascible desde su niñez. En la Escuela de Bellas Artes de Madrid, cuando se le pidió copiar una Virgen gótica, pintó una balanza. Era, dijo, lo que él veía.
Formado en la Residencia de Estudiantes, amigo íntimo de Lorca, colaborador de Buñuel en las películas surrealistas, Un perro andaluz y La edad de oro, tras un pasajero interés por el futurismo, el cubismo y la pintura metafísica, irrumpió en 1929 en el grupo surrealista parisino que estaba, en aquellos años, en plena crisis. Su llegada les proporcionó nuevos bríos tanto en el plano teórico como en el pictórico, hasta que en 1942 fue expulsado por Breton.
En París desarrolló su método paranoico: decía tener las mismas alucinaciones, visiones y obsesiones que los psicópatas paranoicos, pero a diferencia de éstos, que creen que sus fantasías delirantes son realidad, Dalí se manifestaba consciente de la diferencia entre el mundo de las visiones y el mundo real. Al trasladar estas fantasías personales a sus cuadros se propone ponerlas en contacto con la realidad, materializarlas, convertirlas en reales.
Su pintura es de un asombroso dibujo, iluminada por una luz clara y transparente. Emplea una técnica minuciosa que recuerda a los pintores del Renacimiento o a los barrocos Velázquez y Vermeer.
Sus obras surrealistas más importantes fueron La persistencia de la memoria (con los relojes blandos), Premonición de la Guerra civil (un distorsionado hombre monumento de manos y pies putrefactos, cuyas extremidades se agreden dramáticamente), El gran masturbador, etc. Pintó también Muchacha en la ventana y el Cristo de San Juan de la Cruz, en original escorzo envuelto en luz tenebrista.
Joan Miró. Aunque él decía que la forma no es nunca algo abstracto, Miró es, con Masson, el pintor surrealista más próximo a la abstracción. Recorrió un largo camino desde sus obras iniciales, mediterráneas, pasando por el fauvismo, el cubismo, hasta que en 1924 conoció a Bretón en París y entró en contacto con los surrealistas.
Con Miró desaparecieron las imágenes reales y en su lugar surge un mundo metafísico y sugerente de apariencia biomórfica, de colores intensos y puros (rojo, azul, amarillo y negro), de formas estilizadas, de vigorosos contornos y con un encantador tono infantil y poético.
Son obras de Miro el Carnaval del Arlequín; Interior holandés; Perro ladrando a la luna y Mujer, pájaro, estrella. En 1950 realiza, en cerámica vidriada, los murales del sol y de la Luna para la sede de la UNESCO, en París.

2. ÚLTIMAS TENDENCIAS DEL SIGLO XX. SEGUNDAS VANGUARDIAS
La fecha aceptada para establecer la línea divisoria entre la época de las vanguardias históricas y la proliferación de múltiples tendencias post vanguardistas es la de 1945, el término de la Segunda Guerra Mundial. Es alrededor de esta fecha cuando las artes visuales parecen tomar un nuevo rumbo. Sin embargo, no se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias del periodo de entreguerras, aunque los artistas harán más radicales aún sus posturas produciendo así un mayor divorcio entre el arte y el gran público.
Los nuevos artistas dependerán, cada vez más, del sistema de las galerías de arte y de los críticos, que les crearán su propio público. El arte será, también, impulsado por las nuevas instituciones creadas ex profeso (museos, galerías, exposiciones…)

2.1. INFORMALISMO

Bajo este epígrafe se agrupan una serie de tendencias, más o menos afines como la Action Painting, la Pintura sígnica, la Pintura matérica, etc., que tanto en Norteamérica como en Europa se extienden hasta principios de los sesenta. Por informal se entiende la ausencia total de formas reconocibles figurativas o geométricas.
Action Painting se desarrolla en Estados Unidos. No es un movimiento pictórico en sentido estricto ya que es posible distinguir varias direcciones como la gestual o de acción, representada por Pollock y De Kooning, la del campo de color (colour field, basada en la saturación cromática) en que se integra Rothko, y la sígnica o caligráfica (grafismos que recuerdan la escritura) a la que pertenece Tobey.
Jackson Pollock (Uno; Senderos ondulados) es el artista más representativo. Aplicó en sus enormes lienzos la técnica del goteo y rociado de pintura (dripping), creando así una maraña continua de líneas informes y manchas. La reducción cromática casi al blanco y negro es otra característica de esta pintura.
Expresionista abstracto es, también, Mark Rothko (Rojo claro sobre negro), pero su enfoque es diferente. Sus pinturas están cuidadosamente elaboradas; casi siempre son superficies cromáticas simples, generalmente rectangulares, de suaves gradaciones luminosas, y que parecen suspendidas o emerger de fondos espaciales coloreados. Nos transmiten la sensación de contener un simbolismo próximo al sentimiento religioso.
El Informalismo en España tuvo dos vertientes que pretendieron romper radicalmente con la tradición academicista tras la Guerra civil:


  • La vertiente catalana de Dau al Set (1948), cuyos artistas desarrollaron varias técnicas, tachista (de mancha), sígnica (caligráfica) y matérica (texturas). El máximo representante de la pintura matérica es Antoni Tapies (Gran óvalo) que utiliza texturas de arena, papel, cemento, superficies corroídas y grumosas, incisiones…, así como colores oscuros, cenicientos y sombríos.




  • El grupo El Paso, lo formaron, en 1957 en Madrid, Millares, Saura, Viola, etc. Eran un grupo de artistas que reunieron sus esfuerzos para vigorizar el arte contemporáneo español. Millares está próximo a la pintura matérica. Saura (Retrato imaginario de Felipe II; El grito) adopta un lenguaje intermedio entre la abstracción y la figuración, basado en trazos violentos en blanco y negro, con un tremendismo caricaturesco y expresivo.

2.2. NEOFIGURACIÓN



  • Reacciona contra la Abstracción, pero creando un nuevo lenguaje de estrategia distorsionada, expresionista y gesticulante. Sus representantes son Francis Bacon (Inocencio X) y Dubuffet (Barba de incierto retorno).

2.3. POP ART

Se desarrolla en los Estados Unidos a partir de la década de los sesenta, vinculado a los medios de comunicación de masas, con un sentido crítico y desmitificador. Se vale de elementos tomados de la moderna civilización mecánica, sobre todo los producidos en serie (botellas, latas…).
Andy Warhol es, quizás, la personalidad más enigmática de los miembros del pop americano. Las series realizadas sobre imágenes de objetos de consumo y de grandes mitos de la sociedad americana (Coca cola; Sopas Campbell; Marilin Monroe; Elvis Presley) constituyen su aportación mas conocida. Su técnica de representación múltiple no era más que un método para intensificar y magnificar las propias imágenes. Lichtenstein se especializó en temas sacados de tiras cómicas (Joven al piano).

2.4. HIPERREALISMO

Se afianza en los años sesenta en Nueva York por una serie de pintores obsesionados por la reproducción casi literal de la realidad, con el mismo objetivismo de una cámara fotográfica. En España su más interesante representante es Antonio López (La Gran vía madrileña).

2.5. ARTE CONCEPTUAL

En los años setenta y ochenta, algunos artistas reaccionan contra el Pop Art y el Hiperrealismo, para centrar su atención en el mensaje, investigando la esencia del hecho estético por encima de su realización material. Son muy significativas las obras del búlgaro Christo, el cual envuelve y empaqueta objetos, obras de arte o grandes monumentos. Dichas obras hacen referencia al progresivo anonimato de los objetos de la civilización de consumo así como al aspecto de alusión y misterio que presenta la exhibición de un objeto envuelto.

2.6. OP ART



Es una forma de arte abstracto que crea la impresión de movimiento, mediante el recurso de la ilusión óptica. La obra parece expandirse y contraerse, avanzar y retroceder. Víctor Vasarelly es el creador del Op Art en Europa. Sus efectos de movimiento están logrados mediante la regularidad de las estructuras geométricas y el fuerte contraste cromático.

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