Sensibilizacion al arte: elementos caracteristicos del arte del siglo XX



Descargar 2,47 Mb.
Página2/20
Fecha de conversión07.06.2017
Tamaño2,47 Mb.
1   2   3   4   5   6   7   8   9   ...   20

CONTEXTO HISTORICO

En Alemania, el estallido de la Primera Guerra Mundial se tradujo artísticamente en la expresión de temas como la soledad, la amargura, el horror y la angustia del individuo en la ciudad industrial. Y a nivel filosófico, la corriente existencialista se asentó, incidiendo en la preocupación por la vida y la muerte y la introspección y la sensibilidad humana. Más allá del arte, el Expresionismo era una manera de entender al Hombre.



CARACTERISTICAS

- La independencia del contenido natural de la forma a través de la libre interpretación de la realidad para así expresar el mundo interior.


- Se desproporcionan y distorsionan las formas de acuerdo a un impulso interior, con colores y trazos para subrayar simbólicamente estados de ánimo.
- Se visualiza una destrucción del espacio tridimensional.
- Se resalta la expresiva de las imágenes a través el empleo de formas simples planas o con poco volumen.
- Hay un amontonamiento de formas y figuras con colores fuertes y contrastados.
- Es notable una predilección por temáticas de escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de
la naturaleza.

CUBISMO 1907

El cubismo es un proceso de destrucción de la perspectiva: puesto que el lienzo es plano y sin volumen, la pintura también ha de ser plana. Descompone la figura en planos y reproduce el objeto utilizando planos superpuestos. Se prescinde de las referencias miméticas de la realidad y se sustituyen por referencias autónomas, propias exclusivamente del arte. 



CONTEXTO HISTORICO

  • El Colonialismo.

  •  El nacionalismo, en pleno apogeo, fomenta la creación de imperios; pues cuantas más colonias posea una nación, más poderosa será.

CARACTERISTICAS

Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.



Futurismo 1909

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.



CONTEXTO HISTORICO

  • Se descubren los rayos X.

  • Atraviesan el canal de la mancha en aeroplano.

  • Freud tiene sus primeras publicaciones.

  • Se desencadena la primera guerra mundial.

CARATERISTICAS

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el uso simultáneo de imágenes, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Se desprecian las imitaciones y se exalta y glorifica la originalidad.

Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza interna, etc.


El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos.
Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas

Constructivismo 1914

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917. Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet MondrianTheo van Doesburg y el grupo De Stijl.



CONTEXTO HISTORICO

El constructivismo nace en Rusia imbuido de las ideas de la revolución que, en nombre del proletariado, habían llevado a cabo. Este proceso se salda con una profunda crisis social y económica como consecuencia de la Guerra Mundial y la propia revolución rusa, cerrándose, de esta manera una era de la historia y se abre una nueva época para la humanidad. Aunque la revolución plástica había precedido a la revolución política. El rayonismo y el simultaneísmo se desarrollaron antes de 1918, abriendo el camino del constructivismo.



CARACTERISTICAS

  • La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella. El arte concreto se apoyó en esta premisa.

  • La obra se abre por todas partes hacia el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.

  • Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

  • Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional.

  • Al igual que el futurismo, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las "propuestas" de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo.

  • Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el suprematismo y el dadaismo.

SUPREMATISMO 1915

El Suprematismo fue una tendencia artística que derivó del Cubismo. Formalmente los planteamientos suprematistas están relacionados con el Neoplasticismo y también con alguno de los principios de Kandinsky. Caracterizado por los fondos neutros (principalmente blancos), figuras geométricas (triangulo, cuadrado, círculo, etc.), y la abstracción total del mundo sin objetos, por encima de todo fin materialista o social.

La pintura suprematista se desvinculaba de la naturaleza, creando una realidad totalmente original. Malevich afirmaba que el mundo exterior no era útil para el artista.

CONTEXTO HISTORICO


  • Se desarrolla durante la Primera Guerra Mundial.

  • Se inventan las lámparas de neón.

  • En México se desarrolla el Carrancismo.

  • En México se crea la Nueva Constitución.

  • En Cuba se construye el teatro nacional de la Habana.

CARACTERISTICAS

- Supremacía de la sensibilidad plástica pura por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico.


- Abstracción de las formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo).
- Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas.
- Empleo de colores planos contrastantes (en general primarios y también gamas intermedias, blanco y el negro).
- Gama de colores reducida (rojo, negro, azul, blanco y verde) o a veces carente de color.
- Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.
- El punto de fuga no se ubica sobre el horizonte, sino sobre el infinito.
- Sensaciones de movimiento y velocidad.

DADAISMO 1916

El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una ideología o una forma de vivir.

Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

CONTEXTO HISTORICO

El movimiento surge durante la Guerra Mundial, como un acto de rebeldía, de contestación de los valores que habían llevado al caos bélico.



CARACTERISTICAS

- Protesta continua contra las convenciones de su época.


- Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.
- Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.
- Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte, lo fantasioso, etc.
- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.
- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.
- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.
- Quieren volver a la infancia.
- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.
- Libertad del subconsciente en la creación.
- Nihilismo, esto es, negación absoluta. No hay verdades eternas o indiscutibles.

SURREALISMO 1924

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

CONTEXTO HISTORICO


  • A partir del estallido en la guerra de Marruecos (1925), el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas.

  • Finalmente con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de la posguerra es decir el Expresionismo abstracto y Pop art.

CARACTERISTICAS

- Formas abstractas o figurativas simbólicas  que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.


- Animación de lo inanimado.
- Aislamiento de fragmentos anatómicos.
- Elementos incongruentes.
- Metamorfosis.
- Máquinas fantásticas.
- Relaciones entre desnudos y maquinaria.
- Evocación del caos.
- Universos figurativos propios.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO 1944

Fue un movimiento pictórico de mediados del siglo XX, cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.



CONTEXTO HISTORICO

Este movimiento artístico se contextualizo en un ambiente de post-guerra, es decir, a solo 2 años de haber finalizado la segunda guerra mundial, la cual comenzó en el año 1939 con invasión de Alemania hacia Polonia. Estas circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos.

Surgió en los años 40 en Estados Unidos, convirtiéndose en el primer movimiento del arte moderno plenamente gestado en esta nación, para ser difundido décadas después, por todo el mundo. Es también considerado el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la inicialmente mencionada Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.

CARACTERISTICAS

- Ausencia de toda relación con lo objetivo.

- Rechazo de todo convencionalismo estético.

- Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

- Ejecución totalmente espontánea.

- Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

- Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

- Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

- Empleo de manchas y líneas con ritmo.

GRUPO CoBrA 1948

El grupo Cobra se forma en París en 1948 por artistas provenientes de los Países Bajos y Escandinavia, siendo sus principales representantes: Karel AppelAsger Jorn y Pierre Corneille, a los cuáles se sumaron: Jean Atlan, Pierre Alechinsky,Constant, Noiret y Dotremont, inventor del nombre del grupo (acrónimo de las ciudades de sus principales representantes Copenhague, Bruselas y Ámsterdam) y redactor de su manifiesto.


La causa estaba clara; se marcan como objetivo aprovechar la libre expresión del inconsciente sin la interferencia ni el control del intelecto. Estas premisas hunden sus raíces en el surrealismo, así como la violencia cromática, el dinamismo y el acento en el proceso. Este interés por el gesto inconsciente también pone al grupo en relación con el action painting americano. Su búsqueda de lo primitivo y al alejamiento del arte oficial de la época les acerca a Dubuffet. En Bruselas editaron Cobra Revue, que sólo alcanzó ocho números. Sus miembros participaron conjuntamente en las exposiciones de Copenhagen (1948), Ámsterdam (1949) y Lieja (1951). Sin embargo, muchos de ellos comienzan enseguida a tomar distintos caminos, lo que supone la disgregación definitiva del grupo en 1951.



CONTEXTO HISTORICO

Cobra nació en una Europa recién liberada de la Segunda Guerra Mundial, que se despertaba de una larga y dolorosa noche. El conflicto impedía viajar de un país a otro, limitando así los intercambios entre artistas e intelectuales. De modo que para los impulsores de Cobra, la recuperación de la libertad era una situación que querían aprovechar para crear algo nuevo, que cristalizó en un movimiento a la vez transnacional y pluridisciplinario.



CARACTERISTICAS

COBRA camina a caballo entre la figuración y la abstracción. Muchos de los pintores decían que la frescura y espontaneidad de la acción de pintar era fruto de una sensibilidad inherente al hombre y a su naturaleza intrínseca y que no debía ser considerada abstracta por cuanto procede directamente de nosotros mismos. Como sus contemporáneos norteamericanos, los artistas de COBRA prestaron mucha atención al proceso pictórico, a la propia acción de pintar.  



POP ART 1950

El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales.

El término “Pop Art” es acreditado al crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art.

CONTEXTO HISTORICO

Sin duda el nacimiento de este movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos. Lógicamente, producto de este periodo (Guerra Fría) nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre.

Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.

CARACTERISTICAS


  • Es figurativo y realista.

  • Creación de efectos visuales mediante trazados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, inversiones de figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas.

  • Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.

  • Composiciones meticulosamente realizadas.

  • Colores planos de contornos netos

  • Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.

MINIMALISMO 1960

El arte, según los artistas minimalistas es una fuerza mediante la cual la mente podía imponer su orden racional sobre las cosas y nunca debe ser la expresión de uno mismo, sujeto a subjetividad y emotividad (principios de la generación anterior de artistas expresionistas abstractos).

Adquieren, durante la década de los 60, un compromiso de claridad, rigor conceptual y simplicidad transmitiendo una sensación de equilibrio perfecto y simetría plástica.

En numerosas ocasiones trabajan con la repetición de unidades en sistemas modulares en oposición a los sistemas compositivos habituales.



CONTEXTO HISTORICO

La descolonización:



La debilidad de las potencias europeas tras la Segunda Guerra Mundial, unida al auge de los movimientos nacionalistas en los países del tercer mundo, favoreció la emancipación de las antiguas colonias y su constitución como estados independientes.

Este proceso fue llevado a cabo de muy diversas maneras según los países.



CARACTERISTICAS

- Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato.


- Economía de lenguaje y medios.
- Producción y estandarización industrial.
- Uso literal de los materiales.
- Austeridad con ausencia de ornamentos.
- Purismo estructural y funcional.
- Orden.
- Geometría Elemental Rectilínea.
- Precisión en los acabados.
- Reducción y Síntesis.
- Máxima sencillez.

ARTE CONCEPTUAL 1960 - 1980

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

CONTEXTO HISTORICO

En el último tercio de siglo, sin embargo, aunque los artistas y la crítica americana siguen conservando su importancia, hemos asistido a una «globalización» de los fenómenos artísticos, semejante a la que se ha producido en otras facetas de la economía, la cultura o la política. En estos años se han visto cumplidas muchas de las aspiraciones originarias de la vanguardia, tales como la valoración absoluta del pensamiento como parte esencial de la creación, que propone el arte conceptual, o los esfuerzos por superar los límites de la percepción de lo artístico, que se manifiestan en el arte con el cuerpo y el arte de acción o por medio de la apropiación de las fronteras más lejanas del espacio o de la naturaleza.

CARACTERISTICAS

Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?

GRAFFITI 1970

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal. El grafiti se realiza de manera espontánea, veloz, en lugares públicos, y en algunas ocasiones se mantiene el anonimato.

El grafiti, además, es catalogado como uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop.

CONTEXTO HISTORICO

El contexto socio-histórico, el lugar y el soporte pueden variar, sin embargo los grafitis están presentes en todas las culturas a lo largo de su historia.




CARACTERISTICAS

  • Anonimato: Por lo general el autor nunca deja su firma, pero si se trata de grupos u organizaciones, estos dejan rastros que pueden ser identificables.

  • Marginalidad: Son sectores de minorías sociales y sus mensajes implican una ruptura con el sistema establecido.

  • Espontaneidad: Las inscripciones surgen en un momento de manera imprevista y como una forma de expresarse.

  • Escenicidad: Se realizan en lugares públicos a manera de que los lean la mayor cantidad posible de personas y produzcan el efecto deseado.

  • Velocidad: El objetico de realizar un grafiti es no ser descubierto, por seguridad y por anonimato.

  • Precariedad: Los medios utilizados son de fácil acceso para los grafiteros.

  • Fugacidad: Su duración es poca puesto que corren el peligro de ser borrados.

  • Lenguaje: Se interesan en que sea directo y que sea expresivo.

STREET ART 1995

El término arte urbano, proviene del inglés street art , y  describe todo el arte expresado en la calle, normalmente de manera ilegal.

Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales….), que se alejan del famoso grafiti.

Sin lugar a dudas esta forma de expresión que ha llegado a nuestras ciudades y que en muchas ocasiones está llena de colorido y mensajes duramente dirigidos a la sociedad, es la forma perfecta de hacerse sentir cuando elevamos en son de lucha nuestra voz, pensamientos y algo de humor.



CARACTERISTICAS

Hay 2 características principales de esta evolución del graffiti; una es el cambio de materiales empleados en la intervención urbana, el abanico de posibilidades se amplia y los graffiteros comienzan a usar stikers, estenciles, fomi, vinil, madera, vinilos, y unos cambiaron el aerosol por brochas.


Y la segunda característica es la apertura de su conceptualización, la manera en que se crean los discursos y a partir de este, integrarlo al espacio público.

Conclusiones: El que en el siglo XX las obras de arte (hablando de aquellas cuya catalogación como arte nos sorprende) posean un sentido artístico, no significa que posean un valor artístico. Por eso, desde un punto de vista, el del contenido, negamos que sean arte, mientras que desde otro, como necesidad de expresar una determinada forma de pensamiento, afirmamos que lo son. En el siglo XX hay obras de arte intrascendentes porque, a diferencia de tiempos precedentes en los que el artista mostraba el conocimiento del hombre a través de sus sentimientos, este siglo ha mostrado conocimientos científicos sobre el arte. Por eso, se habla del arte como objeto del arte, porque el ojo que todo lo ve se ha querido ver él mismo. Como confirmación de esta exposición recordamos que muchos artistas negaban que sus obras fueran arte y que otros muchos no deseaban que su labor llegase a los museos ni a las galerías. Como decimos, los artistas eran honestos en lo que hacían y en lo que decían sobre su trabajo. La teoría moderna ha trasladado la cuestión artística a la social, la cual dominan. Sus argumentaciones han consistido en convencernos de que toda evolución es un progreso, tomando este término como perfeccionamiento. Entonces, el arte más tardío debía ser superior al anterior. En cuanto a la técnica es cierto, pues el progreso la ha perfeccionado, en cuanto al contenido que expresan, no. Éste ha sido el error de apreciación del arte del siglo XX, suponer que se habían superado las creaciones anteriores. En torno a esta idea se han generado las teorías de arte. Pero, si observamos la vida individual, pronto nos percatamos de que la existencia se permite un perfeccionamiento en las primeras etapas del crecimiento y que todo lo demás es reducción. En la misma cultura, el arte griego, del cual procede toda otra forma de la cultura en el mundo occidental, fue superior a todo lo que le sucedió, lo cual es visto como decadencia de la cultura griega.

El último aspecto referido del arte del siglo XX, el del anonimato, es otra postura del artista honesta y coherente con la labor realizada, la de ofrecer un catálogo de elementos de construcción artística; labor absolutamente aséptica, carente de individualidad y sin mérito alguno que pueda reclamar su autor.



Los artistas del siglo XX realizaron una labor necesaria. Estaban, pues, obligados a ejecutarla, les gustara o no. Nadie les ha pedido su opinión, como nadie se la pidió a los griegos. La causa, el desarrollo del principio generador, existe, luego, es necesario que se produzca su efecto, es decir, resultaba inevitable que, en ese preciso momento, el arte se trasformara en ciencia. No existe efecto sin causa. Dando la vuelta a la expresión (toda causa produce un efecto), se entenderá cómo es que nosotros hemos podido realizar la interpretación de las obras científicas de los artistas del siglo XX mediante la aplicación de los Principios de Razón Suficiente.

Exámenes:



Unidad Cuajimalpa




Materia: Sensibilización al Arte

Examen Parcial

Nombre del Estudiante: ______________________________________________

Profesor: Mtra. Elena Segurajáuregui



Compartir con tus amigos:
1   2   3   4   5   6   7   8   9   ...   20


La base de datos está protegida por derechos de autor ©absta.info 2019
enviar mensaje

    Página principal