Pintura Gótica La Anunciación Partes de un retablo Lamento sobre Cristo Muerto



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Pintura Gótica

La Anunciación


Partes de un retablo


Lamento sobre Cristo Muerto

1.- IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA:

Título: Lamentación por la muerte de Cristo.

Autor: Giotto di Bondone

Fecha: 1267-1337.

Tipo de obra: Pintura al fresco: 200 x 185 cm.

Lugar: Capilla Scrovegni. Padua. Italia


2.- ANÁLISIS FORMAL:

Se trata de una obra pictórica que reproduce el dolor de un grupo de personas ante el cuerpo muerto de Cristo. Se trata de una pintura mural al fresco puesto que es parte de una capilla totalmente decorada por el autor. No se aprecian restos de pinceladas y la

textura parece tersa y mate.

Las figuras están bien contorneadas por líneas nítidas y precisas y en el modelado se ven claramente gradaciones de color que producen un volumen muy real. La luz, de procedencia ambiental, reside en la obra y ayuda a crear volumen. La gama cromática es cálida, con colores vivos y matizados y con un acercamiento al naturalismo.

No hay un interés claro y deliberado por el espacio. No hay profundidad en el paisaje, el cual aparece o muy cercano o demasiado lejano, haciendo que todo el interés se concentre en la escena del primer plano. La composición de las figuras es sencilla, agrupando a los personajes: dos en la derecha, tres figuras femeninas

en el centro, otras tres rodeando el cuerpo de Cristo y otro grupo indefinido en la izquierda. Es original porque esta composición no es simétrica y desplaza la escena principal ligeramente hacia la izquierda, dándole mayor naturalismo y credibilidad.

El fresco de Giotto representa la deposición de Cristo muerto. En la parte inferior, el cuerpo inerte del Salvador es recibido por María, que lo besa amorosamente. Acompañan a la Madre las tres Marías –María Salomé, María de Cleofás y María Magdalena, distinguibles del resto del cortejo femenino por las aureolas doradas que nimban sus cabezas, al igual que el resto de las figuras santas: San Juan, el discípulo amado que abre los brazos en patética actitud y San José de Arimatea y Nicodemo, que contemplan la escena en contenida emoción.

El montículo en pendiente refuerza el centro de atención de la obra ya que se pierde de vista justo detrás del acompañamiento de mujeres que rodean a la Virgen. En su cúspide un árbol seco viene a simbolizar el luto de la naturaleza por la muerte de Cristo. En la parte superior de la pintura, entre saliendo de un cielo azul intenso, una decena de ángeles llorosos y gestos de dolor acompañan a los tristes personajes en la luctuosa escena.

3.- COMENTARIO

La capilla decorada con las pinturas de Giotto fue mandada edificar por Arso Scrovegni, señor de Padua, Los frescos forman un conjunto de treinta y ocho escenas que recogen momentos de la vida de San Joaquín, Santa Ana, la Virgen y Jesucristo, así como una representación del Juicio Final

Lo que resulta más visible, en primera instancia, es el sentimentalismo que reflejan sus figuras, en las que detectamos su capacidad de amar y sufrir. Esta intensidad expresiva, este sentido dramático, son tanto más valiosos cuanto que se alcanzan sin concesiones a lo convencional o estereotipado. Todo en Giotto es naturalismo aprendido en la calle, entre sus vecinos, del que su clarividencia extrae lo esencial de las emociones para trasladarlas a los rostros y cuerpos de sus personajes. Nunca fueron reproducidos estos temas bajo la óptica de su dimensión puramente humana. Es él quien lo hará por primera vez, quien dignifica la naturaleza sin cambiarla, quien hace santos a los hombres y humaniza lo divino.

Este volver la espalda a la solemnidad, hieratismo y convencionalismos del estilo bizantino sería un paso decisivo en la evolución de la historia del arte. La cuestión ha suscitado polémica. Para algunos autores la incorporación de la naturaleza y las vibraciones del alma humana al arte no es sino un reflejo de las enseñanzas de San Francisco de Asís (muerto en 1226). Para otros el cambio responde a un concepto que el Renacimiento se encargará de afirmar y difundir: el humanismo, que devuelve al hombre su protagonismo en la Historia y lo hace centro de la creación. Desde esta óptica los frescos de la Capilla Scrovegni serían la expresión del gusto burgués y antiseñorial del patriciado de Italia

Pero las aportaciones de Giotto a la evolución del arte van más allá. En primer lugar, descubre el cuerpo humano en su volumen y en su relación con el espacio, tal y como ocurre en la realidad terrena. Sus temas están representados dentro de un paisaje o un interior con valor intrínseco, no como insinuaciones abstractas, tal cual se había hecho y se seguía haciendo por sus contemporáneos. De esta forma, abrió el camino que pondría fin al fondo de oro como símbolo celestial.

De otro lado, el brillante colorido, aquí sí deudor del bizantino, y tan característico de la escuela florentina, junto con los hábiles efectos lumínicos y cromáticos, hacen táctiles los volúmenes. Del estilo de Giotto se ha dicho que viene definido por la grandeza y la verdad, que en él convergen la tradición romana y la aportación gótica, y que sus personajes prefiguran las grandiosas figuras de Masaccio y Miguel Ángel, es decir, el Renacimiento.



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