Pintura Del Manierismo al siglo XIX



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POSTIMPRESIONISMO
  • CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOLOGÍA
  • El término se refiere a una serie de pintores que, si bien no forman un grupo en el sentido clásico de la palabra, sí contribuyen en las transformaciones del siglo XX.
  • Todos son pintores franceses, excepto el holandés Van Gogh.
  • La vida parisina marca un hito en su obra.
  • Terminan su vida artística en los comienzos del siglo XX (menos van Gogh y Seurat que mueren antes).
  • Extensión de 20 años entre 1886 (última Exposición Impresionista) y 1907 (presentación de Las señoritas de Avignon que significó el lanzamiento del cubismo).
  • Encuentros en cafés, tertulias. Cabarets de Montmartre.
  • Revistas de periodista y críticos de arte.
  • Utopías políticas como el Anarquismo.
  • Influenciados por la vivacidad del colorido impresionista.
  • Sus obras surgieron como una reacción frente al objetivismo visual del Impresionismo.
    • PRETENDIERON
    • MEDIOS EXPRESIVOS
    • RESULTADOS
    • CÉZANNE
    • Una nueva construcción del espacio.
    • Colores puros.
    • Geometría y ciencia.
    • Pinceladas resultado del conocimiento.
    • Técnica metódica y científica.
    • Un nuevo método pictórico. Rigor.
    • Constructivismo.
    • Trasciende en el Cubismo.
    • GAUGUIN
    • Una nueva visión del mundo. Primitivismo. Alejarse del proceso civilizador.
    • Tema de fantasía, no a la copia del natural.
    • Colores puros y planos.
    • Lecturas simbólicas.
    • Técnica científica.
    • -Una nueva visión del mundo.
    • -Profundidad nueva.
    • -Simbolismo.
    • -Ingenuismo.
    • -Primitivismo.
    • VAN GOGH
    • Una expresividad mayor en las figuras. Intensidad en los paisajes.
    • Cromatismo puro.
    • Intensidad de los complementarios.
    • Contornos quebrados.
    • Pinceladas vigorosas, fuertes empastes.
    • Técnica rota por instinto.
    • Vigor en las figuras, en las flores.
    • Vida en los paisajes.
    • Expresionismo exacerbado.
    • Dramatismo.
    • TOULOUSE-LAUTREC
    • La narración de su mundo nocturno, anuncio cartel, movimiento, acción y colorido.
    • Dibujo dinámico y expresivo.
    • Colores planos, masas cromáticas activas.
    • Planismo por ausencia de pinceladas.
    • Técnica instintiva-intuitiva, viva.
    • Canto a la “Belle époque”
    • Cartelismo y colorido en la calle.
    • Caricaturismo.
    • Colorido y vitalidad en las imágenes.
    • PAUL CÉZANNE (1839-1906)
    • Se forma con los impresionistas pero inicia un camino individual que le lleva a la reconstrucción de las formas, de las líneas, de los volúmenes como un escultor.
    • No comprendido por muchos de sus contemporáneos. Se retira a una vida solitaria en Aix-en-Provence.
    • Iconografía: parte de la realidad (paisajes, figuras femeninas, retratos, bodegones). No transmite la apariencia de esta realidad sino su construcción interior.
    • Los paisajes son para él la síntesis del espacio y el tiempo lograda gracias al color y al dibujo que se funden, o se separan, dentro de la construcción plástica de la composición.
    • Busca la simplificación hasta llegar a la esencial construcción de la geometría.
    • Técnica: óleo sobre lienzo. Le permite transmitir el vigor de las formas.
    • Pinceladas: inicialmente impresionista evoluciona hacia geometrizadas manchas de color.
    • Color: contrates de coloridos. Rechaza el negro y sombras son violetas.
    • Línea: resalta el contorno para destacar las estructuras.
    • Composición: clásica. Busca la claridad lógica y la simplicidad de los objetos reducidos a su esencia (cilindros, conos y esferas puestas en perspectiva).
    • Estética: el valor está en las formas que son bellas en sí mismas. No imita la naturaleza. Crea la obra, siguiendo un método como el filósofo que busca las estructuras esenciales de los seres.
    • Paul Cézanne, Montañas y colinas en Provenza, 1886-90.
    • National Gallery of Wales
    • Óleo sobre lienzo, 54 x 73 cm.
    • POST-IMPRESIONISMO
    • Las montañas y las colinas de su Provenza natal serán para Cézanne su principal fuente de inspiración. No se interesará especialmente por los paisajes urbanos como harán sus compañeros impresionistas sino que la naturaleza -"quiero pintar como Poussin, pero a partir de la naturaleza" dijo el maestro en una ocasión- le servirá como vehículo para experimentar nuevos valores pictóricos, en su deseo de "convertir el Impresionismo en algo sólido y duradero, como el arte que se conserva en los museos".
    • Cézanne busca alcanzar la forma y el volumen a través del color y para ello nos ofrece una visión arquitectónica de la naturaleza que le rodea. Las tonalidades son aplicadas con pinceladas que forman bloques compactos de color, reduciendo el motivo a sus líneas geométricas elementales, anteponiéndose de esta manera al cubismo. Así, cada uno de los elementos de la composición parece tener autonomía, formando entre todos un armónico conjunto en el que la luz ocupa un papel secundario. El cielo carece de nubes recortándose sobre él la silueta de la montaña Sainte-Victoire, uno de sus temas favoritos.
    • Enriqueció a la pintura con un efecto de profundidad, al modular las tonalidades cromáticas y creando imágenes libres que casi llegan a disolverse en un mosaico de colores.
    • PAUL GAUGUIN (1848-1903)
    • Educación burguesa, crítico de la sociedad en la que vive.
    • Huye de París y trata de encontrar nuevos horizontes : Bretaña, luego Tahití. Acercamiento a las culturas primitivas.
    • Iconografía: cuenta visiones alegóricas (espirituales), mujeres, retratos de amigos y autorretratos, paisajes y vida cotidiana de Tahiti (rinde homenaje a los polinesios como seres libres, tranquilos y acogedores)
    • Técnicas: pintura al óleo, escultura, tapices, grabados, relieves tratados con vidrio.
    • Se apasiona por el arte medieval, las miniaturas, las vidrieras, los esmaltes. También por la cultura oriental donde busca lo exótico y el misterio de lo primitivo y de lo salvaje.
    • Este camino lo lleva a exaltar el color y a simplificar las formas.
    • Pinceladas: inicialmente impresionista evoluciona hacia geometrizadas manchas de color.
    • Color: Extiende los colores puros en campos extensos.
    • Línea: gruesas líneas de contorno.
    • Composición: simplificada. Rechaza la perspectiva y crea nuevos espacios con fondos cerrados en los que sobresalen formas planas y líneas definidas.
    • Estética: en su sentido de belleza transmite todo el sentimiento y la poesía contenidas en el espíritu indígena del buen salvaje. Sus figuras tienen gestos conmovedores, cargados de ternura. En todas sus obras se impone el contenido simbólico.
    • Fue un simbolista porque supo abstraer las lecciones de la naturaleza, transformarlas en su mente y plasmarlas manifestando otras inquietudes.
    • También llamado ingenuista, por la utilización que hace de lo primitivo.
    • Paul Gauguin,
    • Cristo Amarillo, 1889.
    • Albright-Knox Museum
    • Óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm.
    • POST-IMPRESIONISMO
    • Una de las obras más famosas de Gauguin realizada durante el otoño de 1889 en Le Pouldu (Bretaña), donde se había trasladado porque Pont-Aven ya era demasiado turístico.
    • El pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, versionada por un escultor local, que encontró en la iglesia de Trémalo, cerca de Pont-Aven.
    • El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas, siguiendo la técnica del "cloisonné" inspirada en los esmaltes y vidrieras.
    • Junto a Cristo aparecen tres mujeres bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante una nueva visión provocada por la intensa devoción de las mujeres.
    • Al fondo, una figura salta una valla, lo que puede indicar el deseo de evasión, continuamente presente en el ánimo del artista. Lo primitivo, con las mujeres, y lo simbólico, intentando transmitir un mensaje, están presentes en la escena, al igual que lo real y lo imaginario.
    • El colorido es típico del otoño bretón, con unos maravillosos colores amarillos mezclados con naranjas y verdes, en paralelo con el Cristo.
    • Paul Gauguin, El nacimiento de Cristo, hijo de Dios. Te Tamari No Atua, 1896.
    • Gauguin une en esta obra la temática polinesia con la cristiana, recuperando sus temas simbólicos.
    • La figura femenina está tumbada en una cama - elemento típico de la civilización europea - mientras que al fondo observamos a dos mujeres con un niño y un típico establo europeo.
    • De esta manera, el artista alude a las dos civilizaciones - europea y polinesia - en las que ha pasado su vida y que han influido en su personalidad.
    • Algunos especialistas interpretan la composición como un homenaje al nacimiento de una niña habida con Pahura, una indígena de 14 años que convivía con el pintor en 1896. La pequeña falleció al poco tiempo y por eso la sostendría en el lienzo una figura encapuchada de negro. Podría utilizar esa similitud para recordar que Cristo murió para redimir a la Humanidad, apareciendo su destino ligado a su nacimiento.
    • La unión entre la vida y la muerte será una obsesión para Gauguin y más en estos momentos tan bajos en los que se encuentra en el año 1896, pasando tres meses hospitalizado.
    • El vivo colorido sigue entusiasmando al artista, en contraste con la piel tostada de las figuras nativas. La pincelada suelta sería otra de las características de esta imagen así como la silueta marcada de las figuras, inspirada en el "cloisonnisme". Lo primitivo y lo simbólico vuelven a estar presentes en una obra de Gauguin.
    • VINCENT VAN GOGH(1853-1890)
    • Holandés afincado en Francia de existencia atormentada. Primero se dedicó a la vida religiosa. Sólo en los 10 últimos años de su vida se dedica a la pintura.
    • A través de su hermano Theo, marchante, se pone en contacto con el ambiente parisino de los impresionistas. Amigo de Gauguin.
    • Inicialmente admirador de paisajistas holandeses y del colorido Rubens. En París conoce la pintura francesa (paisajes de Millet) y realiza obras impresionistas y puntillistas.
    • Se establece en Arlés (Provenza) en 1888 y se identifica con el colorido de sus campos y su luz. Lucha contra la enfermedad y locura y termina suicidándose.
    • Iconografía: buen observador de la realidad, reproduce cada momento que ve (mineros, figuras en el paisaje, retratos, autorretratos).
    • Será su preocupación por la expresividad de los personajes y de la luz en el paisaje lo que domine su obra.
    • Técnica: óleo sobre lienzo.
    • Pinceladas: inicialmente más menuda (cercano al puntillismo) y después más amplia, más intensa, aplicada con espátula o con la propia mano. Empastes gruesos donde el propósito es la intensidad del Color.
    • Línea: recibe el influjo de las estampas japonesas y dibuja marcando las líneas. Se suele olvidar del tema para transmitir la expresividad de los colores.
    • Su preocupación se centra en la aplicación del colorido y dinamismo de las formas, conseguidas con gruesas pinceladas de pintura pura.
    • Vincent van Gogh
    • Autorretrato con oreja cortada
    • Y pipa, 1889.
    • Colección particular.
    • Óleo sobre lienzo, 51 x 45 cm
    • Estética: cada vez se aleja más de la realidad y con el color y la fuerza expresiva de su pincelada camina hacia la abstracción. Análisis minucioso del cromatismo, los ritmos en el empleo de amarillos y verdes, armonías cromáticas que marcan con fuerza la armonía.
    • Concibe la belleza como un expresionista y con sus obras abre profundos surcos al arte del siglo XX.
    • Sus cuadros se han cotizado como los más caros del mundo.
    • La vida para él fue una agresión y él agredía los lienzos con la misma fuerza. Sus lamentos lo hace con los pinceles.
    • Transformaba la ira o la violencia en bellas y desbordantes imágenes.
    • El significado de su obra se proyecta sobre todo en el expresionismo germánico.
    • Van Gogh, Japonaiserie: Oiran, 1887.
    • Museo Nacional de Van Gogh.
    • Óleo sobre lienzo, 105 x 60.5 cm.
    • La atracción existente en Francia hacia lo japonés desde los tiempos de Segundo Imperio - las damas vestían kimonos y usaban abanicos - llevará a Van Gogh a la ejecución de una serie de tres lienzos inspirados en estampas japonesas. Puente bajo la lluvia y Ciruelo en flor son las compañeras de Oiran, inspirada ésta en Kesai Eisen mientras las primeras siguen a Hiroshige. Vincent admirará la planitud de sus colores y lo exótico de sus vestidos, añadiendo a la estampa original - tomada de la portada de un número especial sobre Japón de la revista "París Illustré" editada por la galería de Theo - tiras a su alrededor de tonalidades tremendamente fuertes. El color amarillo domina una composición en la que la línea curva ocupa un papel protagonista.
    • Sprig of Flowering Almond Blossom in a Glass, 1888
    • Vincent van Gogh (1853-1890)
    • Óleo sobre lienzo, 24 X 19 cm
    • Van Gogh Museum, Amsterdam
    • Van Gogh, Dormitorio de van Gogh, 1888. Museo Nacional de Van Gogh.
    • Óleo sobre lienzo, 72 x 91 cm.
    • Van Gogh quiere inspirar tranquilidad y sosiego en este lienzo en el que solamente se observa su austero dormitorio. La espera ante la llegada de Gauguin supone para Vincent un incentivo a la hora de crear imágenes hasta ahora impensables para el mundo artístico académico.
    • La pequeña estancia está vista en perspectiva, marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental.
    • Mezcla de esta manera la tradición europea en la perspectiva con las simplificaciones japonesas, uniendo así sus dos fuentes de inspiración.
    • El contacto con Bernard, aunque sea a través de cartas, motiva la utilización de gruesas líneas oscuras para delimitar los objetos, siguiendo el "cloisonnisme", método inspirado en las vidrieras y los camafeos medievales. A través de estos contornos consigue crear un mayor efecto volumétrico en los elementos presentes en la escena.
    • Los tonos empleados son los más apreciados por Vincent; el amarillo y el azul aparecen en la mayor parte de su producción, convirtiéndose en sus tonalidades emblemáticas. Añade a estos colores pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes. La pincelada suelta a la que recurre el artista se aprecia claramente en algunas partes del lienzo, especialmente en la zona de la izquierda. Pero esa pincelada suelta no implica que olvide el detallismo de los objetos - las telas o el bodegón sobre la mesa - heredero de la tradicional pintura flamenca y holandesa del Barroco que tanto atrajo en su juventud a Vincent.
    • Van Gogh, Noche estrellada, 1889.
    • Museum of Modern Art, New York.
    • Óleo sobre lienzo, 73,7 x 92,1 cm.
    • Esta famosa escena resulta una de las más vigorosas y sugerentes realizadas por Vincent. En pocas obras ha mostrado la naturaleza con tanta fuerza como aquí.
    • Vincent se encuentra recluido en el manicomio de Saint-Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana. La noche le había atraído siempre - Café nocturno o La terraza del café - especialmente porque se trataba de una luz diferente a la que se había empleado hasta esos momentos.
    • Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano, tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa.
    • Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo empleada por Gauguin y Bernard.
    • Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista, aunque da la impresión de predecir la grave recaída que tendrá Vincent en el mes de julio.
    • HENRI TOULOUSE-LAUTREC ( 1864- 1901)
    • Perteneció a una familia de la aristocracia francesa y recibió una esmerada formación.
    • El enanismo marcará su vida y le transforma en un ser difícil, depresivo, que termina ahogando sus penas en alcohol y en la vida nocturna.
    • Gran dibujante desde niño.
    • Iconografía: vida nocturna de París, actores y actrices de los cabarets, las bailarinas. Su visión está tomada desde la óptica de un espectador, cercano y también el público está incluido en su obra.
    • Capta el rasgo definitorio, a veces caricaturesco y crítico, hasta dotar a sus figuras de gracia, vida y picardía. No le preocupa el paisaje ni el aire libre. Sus temas se desarrollan en los interiores de los cafés-teatro y cabarets, con luz artificial.
    • Técnica: litografías, óleos, gouaches, acuarelas. Para el dibujo utiliza mina de plomo o pluma. Los soportes son diversos: lienzos, sedas, papel o estraza. Los carteles que se reproducen por técnica litográfica son su gran aportación al arte posterior. Se le considera el primer gran ilustrador de carteles publicitarios fieles a la estética modernista, el gran vigor expresivo y fuerte colorido.
    • Pinceladas: aplica el óleo de forma original, diluido con trementina lo que le da una consistencia similar a la acuarela.
    • Color: los utiliza planos y crea campos cromáticos amplios avivados por la luz artificial.
    • Composiciones: asimétricas, sin más reglas que las impuestas por la visión del espectador. Las figuras están recortadas o partidas y a veces con la parte central del cuadro vacío. Su concepto del espacio resulta cerrado y plano. Sólo las figuras aportan la expresividad de la vida, el gesto, susurro o fuerte movimiento.
    • Estética: nueva visión dinámica y ondulante de las figuras que bailan, se contornean. Vínculos con las estampas japonesas (lo simple, la síntesis).
    • Aparece la expresividad de lo feo y deforme, el gesto tosco, la tristeza real de las figuras de los clubes nocturnos que el pintor llena de poesía y efectos líricos.
    • Se lo considera un maestro de la captación de ambientes, silenciosos o ruidosos, de personas que viven, sufren, disfrutan y mueren.
    • Su obra abre caminos al arte del siglo XX.
    • Toulouse Lautrec, Aristide Bruant
    • Ambassadeurs, 1892.
    • Art Museum, San Diego.
    • Grabado, 137 x 95 cm.
    • Uno de los personajes más emblemáticos de Montmartre era Aristide Bruant, un cantautor famoso por sus letras desgarradas sobre la lucha de los obreros y los marginados. A pesar de su temática proletaria tuvo un enorme éxito lo que le permitió arrendar uno de los templos nocturnos de París: Le Chat Noir, al que cambió el nombre por Le Mirliton, convirtiéndose en el nuevo centro de reunión de los artistas bohemios.
    • En Le Mirliton expuso Toulouse-Lautrec al público por primera vez y en la revista del mismo nombre publicó algunas litografías. Este cartel lo realizó Henri con motivo de la actuación de Bruant en el Ambassadeurs, el mejor café-concert al aire libre de París - situado en los Campos Elíseos.
    • Toda la ciudad fue empapelada con los carteles, lo que contribuyó al éxito de Lautrec. Bruant era un hombre duro, de actitud violenta, siempre envuelto en un traje de terciopelo negro, con sombrero de fieltro y bufanda roja.
    • La dureza del cantautor ha sido perfectamente interpretada por Henri en esta imagen donde se pone de manifiesto su relación con los grabados japoneses a los que tanto debían los pintores impresionistas y post-impresionistas.
    • Toulouse Lautrec, Diván Japonés,
    • 1892.
    • Art Museum, San Diego.
    • Grabado, 78,6 x 59,5 cm.
    • Toulouse-Lautrec conseguirá bastante fama como cartelista, anunciando especialmente los locales nocturnos que frecuentaba. En este caso se trata del café-concert Divan Japonais, lugar en el que se intentaba crear un ambiente pseudo-oriental cuando todo lo que procedía de Oriente llamaba la atención.
    • En primer plano están Jane Avril - famosa bailarina del Moulin Rouge - y el crítico simbolista Edouard du Jardin.
    • Tras ellos aparecen los cuellos de los contrabajos, los brazos del director de orquesta y, sobre el escenario, la silueta inconfundible de Yvette Guilbert, la cantante del local que se convertiría en la obsesión del pintor.
    • La influencia de la fotografía es muy marcada, como observamos al cortar los planos pictóricos - e incluso la cabeza de Yvette -.
    • El agobio espacial, con los planos muy unidos entre sí, es otra de las características de este excelente cartel en el que apreciamos cierta deuda con Degas.
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