Pintura Del Manierismo al siglo XIX



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EUGENE DELACROIX (1799-1863) - Fue considerado por sus contemporáneos como el prototipo del artista romántico por sus temas y sus modos de expresión. - Raramente partió de la realidad circundante y, cuando lo hizo, como en La Libertad guiando al pueblo, fue para crear una alegoría. - La imaginación y el exotismo son sus constantes. Sus contemporáneos percibieron sobre todo su ruptura técnica y estilística con respecto a las normas académicas. - Aportó a la pintura francesa un nuevo tratamiento del color y un elemento de libertad y pasión expresivas que, a la larga, se revelarían fundamentales.

  • Eugéne Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1830
  • Museo del Louvre
  • Óleo sobre lienzo, 4,22 x 3,52 m.
  • ROMANTICISMO
  • Tema: relata un acontecimiento contemporáneo
  • El 28 de julio de 1830 los revolucionarios liberales franceses derrocaban al rey Carlos X y provocaban la coronación de Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués (monarca constitucional).
  • Este episodio será el protagonista del cuadro más famoso de Delacroix, la Libertad guiando al pueblo, obra con cierta dosis de alegoría que recoge un hecho contemporáneo.
  • Según Argan tiene un significado político ambiguo: la mujer que ondea la bandera tricolor sobre las barricadas es al mismo tiempo Libertad y Francia. Y, quién combate por la libertad? Gente de pueblo e intelectuales burgueses.
  • ANÁLISIS FORMAL
  • - En la composición el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esa inestabilidad nace y se desarrolla “in crescendo” el movimiento de la composición.
  • - Las figuras forman una masa ascendente que culmina en la figura de la Libertad agitando la bandera.
  • - En el primer plano: muertos.
  • - Las figuras se mueven avanzando en dirección al espectador. - Se perfilan a contraluz sobre el fondo encendido y humeante.
  • - Destacan más las figuras en primer plano con respecto al confusionismo de figuras que hay detrás.
  • - Utiliza pinceladas sueltas y destaca la luz y el color con preferencia por los tonos cálidos.
  • Rompe con el triángulo y la centralidad de los clásicos, a la vez que impulsa a las figuras hacia el espectador.
  • Estética: desaparece el equilibrio clásico, el estatismo marcado por el rigor de la simetría o la tradicional centralidad de los protagonistas.
  • Colores y formas se ponen al servicio de la acción.
  • Personajes:
  • La mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle.
  • Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc. - para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación.
  • A los pies de la Libertad, un moribundo la mira fijamente para señalar que ha merecido la pena luchar.
  • Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo. La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia. La vorágine de la batalla se manifiesta en la polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Los escorzos y el movimiento de la imagen vuelven a recordar el Barroco.
  • - Aportes: exaltación en el tratamiento de los temas, las composiciones dinámicas y el empleo del color con toda su fuerza emotiva.
  • Fue presentado al Salón de 1831 y adquirido por Luis Felipe para el Museo Real.
  • REALISMO
  • CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOLOGÍA
  • Revolución Industrial y la aparición del proletariado cambian la vida europea: llega al poder Luis Felipe de Orleans; el manifiesto comunista; la Revolución de 1848; el II Imperio francés.
  • Realismo: movimiento que significa la plasmación de un compromiso social y la realidad en el tratamiento del paisaje y en el vigor de la figura. Mediados s. XIX. Término adoptado por Courbet en 1855 para referirse al estilo surgido en Francia tras la revolución liberal de 1848.
    • Fue una reacción a:
      • el estilo correcto y académico de los salones oficiales
      • Las visiones subjetivas de la naturaleza y la fantasía exagerada del paisaje romántico.
    • Servirá de base al Impresionismo.
  • Temas: vida cotidiana, trabajo y sufrimiento de las clases proletarias (Daumier), vida de la burguesía (Courbet), austeridad y dureza de la vida campesina (Millet). Retratos y paisajes.
    • Tratamiento del hombre: Los pintores realistas bajaron de su pedestal a los viejos dioses y héroes. Renuncian al mito, a la historia y a la literatura. Convierten en protagonista de sus cuadros al pueblo llano en su vida diaria.
    • Tratamiento del paisaje: renuncian a la subjetividad y fantasía del romanticismo. Sientan los principios básicos del paisaje impresionista (amor por el entorno natural circundante y búsqueda de la fidelidad en la representación).
  • La pintura realista, impregnada de un carácter socializador y humanitario, en ocasiones comprometido, no recibió una buena acogida ni por parte del público ni por parte del entorno vinculado al arte oficial del II Imperio que, al tiempo que negaba el reto que el realismo suponía para la pintura historicista, calificaba a todas sus creaciones de vulgares.
  • Características generales.
  • Grandes formatos: antes usado para la pintura histórica, se utiliza para representar escenas de la vida cotidiana. Esto les permitió dar prestigio a temas considerados secundarios dentro de la jerarquía clásica de los géneros artísticos.
  • Otorgaron un valor expresivo al dibujo, basado en la simplificación y estilización .
  • Iluminaron los cuadros a partir de una fuente luminosa del taller situada, en general, en la esquina superior izquierda.
  • Construcción del cuadro: según la tradición. Se parte de los tonos oscuros y se vira hacia los más claros. Así se impregna de sombras densas y elaborados claroscuros que quedaron plasmados en un colorido ocre y entremezclado.
  • Pintura: empaste generoso, espeso.
  • FRANCOIS MILLET (1814-1875)
  • Hijo de campesinos de la Normandía francesa, plasmó la vida dura del campo con gran franqueza y lirismo (llega a emocionar a algunos críticos).
  • Trabajó el pequeño formato típico de la pintura costumbrista para reflejar una vida campesina de carácter intemporal.
  • En 1849 se instaló en el pueblo de Barbizon (bosque de Fontainebleau).
  • Escuela de Barbizon:
    • Ilustra un importante periodo del paisaje francés entre 1830-1860.
    • La mecanización y el auge de grandes ciudades (infrahumanas condiciones de vida) llevaron a los pintores a evadirse de la civilización.
    • Muchos se reunieron en una pequeña aldea de Barbizon donde plasmaron los primeros fragmentos de naturaleza de la pintura paisajística francesa, rompiendo con el tradicional paisaje histórico y recuperando los paisajes holandeses del siglo XVII.
    • Se puede apreciar en sus obras la huella romántica, especialmente la carga emocional de las escenas.
    • Características: trabajan al aire libre a partir de bocetos que luego transferían en sus talleres a lienzos de pequeño formato con la concienzuda y rigurosa técnica de la superposición de capas de pintura. Atención a las rocas, tierra, árboles, vida campestre. Plasmaron en su obra la luz real (lograda con capas de pintura) y los reflejos efímeros de la luz solar y los valores atmosféricos (brumas o cielos despejados) . Igual su paleta se mantuvo firmemente anclada en los valores tradicionales de los tonos y las gamas cromáticas (ocres, tonos parduzcos, combinados con amarillos y verdes oscuros). No hay simbolismo en el paisaje (distancia del Romanticismo).
  • Temas: Vida de los campesinos. “Es el lado humano lo que me interesa más en el arte”.
  • Millet percibía en el paisaje algo más que lo que se percibe por los sentidos.
  • Pinta al campesinado, aún ligado a la tierra, a la naturaleza, a las formas de vida tradicionales, a lo moral y religión de sus padres. No pinta a los obreros porque éstos son arrancados de su ambiente natural, devorados por el sistema.
  • Esto le gusta mucho a la burguesía porque pinta a trabajadores buenos, ignorantes, que no plantean reivindicaciones salariales.
  • Francois Millet, El Ángelus, 1859-60
  • Museo de Orsay
  • Óleo sobre lienzo, 55,5 x 66 cm.
  • -El Angelus es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al Realismo.
  • Tema: dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días.
  • Figuras:
    • El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho.
    • A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor.
    • Son verticales y aparecen sobre la horizontalidad del paisaje.
    • Son cilíndricas con cabezas elípticas y formas esféricas. Construcción escultórica.
    • No hay rostros, sólo recogimiento. Soportan el calor del mediodía. Son herméticas, expresivas en su concentración. El trabajador en actitud resignada y paciente.
  • Luz: La escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra respectivamente, en un contraste lumínico de gran belleza. Este interés por la luz natural acerca a Millet al Impresionismo.
  • Pincelada: es firme y segura al igual que el dibujo. Son menudas y vitales. Destacan los detalles de hierbas, plantas, ovejas, etc.
  • Colores: suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones. La temática empleada por el maestro hizo que los críticos le tacharan de socialista; si Millet tiene algo de socialista es del tipo evangélico al transmitir la espiritualidad de los trabajadores en su faceta más realista, alejada de tópicos.
  • Paisaje: lleno de connotaciones luminosas (entronca con los paisajistas holandeses y con la dura realidad de lo cotidiano).
  • Aportación a la historia de la pintura: está en él el germen del expresionismo.
  • Fuerte y vigorosa línea del contorno cierra los cuerpos en ellos mismos, pero cromáticamente los incluye en el paisaje (símbolo de la misma vida de trabajo a la que pertenecen sus protagonistas).
  • La figura es cerrada mientras que el horizonte es abierto hacia la inmensidad.
  • Sentido de la belleza: el mismo sentido de la vida. - Es un innovador en la percepción: traduce una nueva visión del mundo (precedente de los impresionistas).
  • La mayoría de sus obras son al aire libre, sus figuras se ocultan en el anonimato. Los tiempos atmosféricos vienen marcados por el trabajo y por el descanso.
  • Según Berger:
  • su aporte a la historia de las formas iconográficas de integración de las figuras en el paisaje:
    • Figuras distantes: notas de color
    • Figuras mitológicas: diosas entrelazadas con la naturaleza.
    • Retratos: los paisajes se utilizan como telón de fondo.
    • Figuras dramáticas: pasiones se reflejan e ilustran en la naturaleza.
    • El visitante o espectador solitario: contempla la escena.
  • Pero no había una forma de representar la fisicalidad profunda, violenta, paciente, del trabajo campesino en la tierra y no delante de ella. E inventar una hubiera significado la destrucción del lenguaje tradicionalmente utilizado para describir el paisaje escénico.
  • Así Millet da un paso en la nueva visión, inspiradora de pintores posteriores como Van Gogh. En él está el germen del Expresionismo.
  • IMPRESIONISMO
  • CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIOLOGÍA
  • Surge en París en el último cuarto del siglo XIX. El nombre procede de una composición de Claude Monet Impresión, Amanecer, que se expuso en 1874. Al comienzo él mismo cuenta que lo utilizaba de modo despectivo.
  • No son un grupo o movimiento pictórico con estilo homogéneo. Son amigos que se reúnen y discuten en los cafés, bulevares, pintan juntos. A veces trabajan los mismo temas, pero cada uno con su estilo.
  • No son revolucionarios. Pero aunque rechazan la sociedad de la época y la pintura de los salones oficiales (fieles al academicismo), aspiran a que su pintura sea reconocida y valorada por el público entendido.
  • Grandes cambios culturales del siglo XIX debido al desarrollo de las ciudades y a la importancia de la burguesía: difusión de la prensa y revistas especializadas, creación de los museos, aparición de los mercados del arte (con marchantes) que sustituyen a los salones oficiales en la difusión de las obras artísticas.
  • Aparición de la fotografía (Daguerre, 1839) y su reconocimiento en 1862 como forma artística: rivaliza con la pintura. Ésta debe buscar nuevos temas y nuevas formas estéticas. Si la fotografía incide en la visión objetiva con todos los detalles, la pintura buscará su originalidad en las sensaciones de lo impreciso, impresiones momentáneas captadas con gran rapidez.
  • Claude Monet, Impresión, Sol Naciente, 1870.
  • Museo Marmottan de París
  • Óleo sobre lienzo, 47 x 64 cm.
  • “He enviado [a la exposición del Boulevard des Capucines en abril de 1874] algo que hice en El Havre, desde mi ventana, con el sol en la niebla y, en primer plano, algunos mástiles de barco que se elevan… Me han preguntado el título para el catálogo, el cuadro no puede pasar por un vista de El Havre; así es que les dije: “Poned Impresión”. De ahí se pasó a impresionismo y se extendieron las bromas.”
  • Claude Monet, De Orbis, p. 3.
  • Este cuadro fue provocador porque se presentó en una exposición alternativa al Salón Oficial (en el estudio de Nadar).
  • El único canal de exposición con que contaban los pintores en la Francia del siglo XIX era el Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. El escándalo de 1863 - con la presentación del Desayuno en la hierba de Manet - motivó la creación del Salón de los Rechazados, que tenía más éxito entre los jóvenes creadores que el oficial al exhibir obras más modernas. Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta imagen que contemplamos ya que fue la que dio nombre al grupo. El crítico Louis Leroy denominó a la muestra Exposición de los Impresionistas en referencia a este cuadro y de manera totalmente despectiva. Sin embargo, los integrantes de la sociedad admitieron ese nombre como denominador del grupo. Impresión, sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.
  • Los impresionistas parten del realismo y es difícil establecer su momento de quiebre.
  • Tratan de representar la realidad dinámica en los aspectos cambiantes de la imagen, aquellos que la cámara no podía captar, aspectos de una realidad borrosa. Ese efecto que se produce en la retina y que viene de fuera adentro, se nos escapa porque es sólo una impresión instantánea. Por eso el tema pierde importancia.
  • Temas:
    • Se preocupan por la captación del paisaje al aire libre (urbano y rural).
    • Pintan exteriores, interiores, estaciones, catedrales, cafés, romerías, parques, fiestas, playas, teatros, circos, hipódromos, etc.
    • Todos temas que les permiten reflejar la fugacidad, el movimiento, la fluidez del ambiente que les rodea.
  • Su aporte no es su tema, sino la visión del devenir, del cambio que se produce en la naturaleza tratada como algo dinámico. Ejs: visión del paisaje desde el tren, humo de la estación Saint-Lazare, efectos cambiantes de la luz en el agua, con los barcos, puentes, carreras de caballos, piruetas de las bailarinas, cafés que se esconden a la luz del día.
  • Retratos y autorretratos: reflejos de la luz sobre los rostros. Estudian la psicología de los personajes a través de la expresión del rostro. No les preocupa tanto representar los rasgos de la fisonomía como transmitir la personalidad.
  • Pintan con plena libertad porque no se someten al dictado de clientes. Retratan amigos, familiares, modelos contratados o a sí mismos.
  • Importancia de los adelantos científicos y técnicos son fundamentales
  • Importancia de los adelantos científicos y técnicos son fundamentales para comprender los avances pictóricos de los impresionistas:
    • Óleo sobre lienzo sigue dominando. Pero aumenta la importancia de la acuarela y el pastel.
    • Los grabados (aguafuertes y litografías) constituyen manifestaciones frecuentes en los trabajos impresionistas.
    • Tampoco desdeñan el dibujo.
    • Avances de la química: mejoran colores y consiguen pigmentos más variados y de mejor calidad (introducen matices y tonos precisos en la captación de las visiones instantáneas).
    • Aplican las teorías físicas de descomposición de la luz en un espacio prismático dadas a conocer por Newton a finales del siglo XVII.
    • La teoría del color se fundamentaba en los siete colores del espectro: 3 colores primarios (amarillo, rojo y azul), 3 binarios (naranja, verde y violeta) y el añil. Los complementarios, formados por la asociación de un binario con el primario que no entra en su composición (naranja con azul, verde con rojo, violeta con amarillo), producen juntos estridencia cromática y mezclados se destruyen. Los pintores extendían sobre el lienzo los pigmentos sin mezclarlos (pincel, espátula, dedos o con el tubo). Las manchas de pigmentos próximas conseguían la mezcla óptica de los colores en la retina del espectador si el cuadro se contemplaba a distancia.
  • Luz y color son elementos interrelacionados.
  • Los colores son divisiones de la luz: objetos, figuras y paisajes se ven gracias a la iluminación que incide sobre ellos y que cambia con las condiciones atmosféricas. La labor del pintor es recomponer esas divisiones por medio de la disposición en el lienzo de colores puros yuxtapuestos y agrupados con toques sueltos y manchas pastosas que desmaterializan las formas y crean un mosaico colorista.
  • La percepción visual integrada se consigue gracias a la mirada del espectador desde la lejanía, que reúne en su retina cada pincelada y reconstruye los objetos reflejados por la luz.
  • Esta luz crea a la vez las sombras que son también espacios de relación con los colores complementarios.
  • Desaparece el negro considerado “no color”(sólo lo utiliza Renoir).
  • Las composiciones no mantienen un punto de fuga único.
  • Líneas convergentes, divergentes y paralelas, crean recorridos sucesivos de la mirada que llevan a puntos de vista múltiples.
  • Masas y vacíos se distribuyen con total libertad sin seguir esquemas de orden previo.
  • Así la obra impresionista se completa en la comunicación que establece con el público, con los espectadores que se ven obligados a tomar parte activa en la visión que ocultan las brumas, las nieblas o el humo.
  • Impresionismo abrió un mundo nuevo de experiencia óptica de la luz y el color.
  • Heredó del:
    • Romanticismo: la creencia en la supremacía del color.
    • Realismo: su convicción de la esencial validez del mundo visible.
    • Neoclasicismo: seguridad en el dibujo. (en el caso de Degas, Rodin: periféricos)
  • Sustituyó el momento de la experiencia óptica por el objeto mismo (disolución de todos los valores hasta ahora aceptados en tradición occidental).
  • Tanto Delacroix como los Impresionistas pretendieron dar al color el máximo brillo posible.
  • Medios
  • Resultados
  • DELACROIX
  • 1.Paleta compuesta de colores puros y de colores rebajados.
  • 2. Mezcla sobre la paleta y mezcla óptica.
  • 3. Rasgos.
  • 4. Técnica metódica y científica.
  • Gracias a la degradación, al contraste y a la mezcla óptica, consiguió un gran brillo cuya armonía está garantizada por la aplicación sistemática de las leyes que rigen el color.
  • EL IMPRESIONISMO
  • 1. Paleta compuesta únicamente de colores puros y muy parecidos al espectro solar.
  • 2. Mezcla sobre la paleta y mezcla óptica.
  • 3. Trazos en forma de coma o de barrido.
  • 4. Técnica instintiva y de inspiración.
  • Paleta de colores puros logra un resultado más luminoso y más colorista, pero disminuye el brillo debido a las sucias mezclas de pigmentos, y la armonía, al aplicar sólo intermitentemente y de forma irregular las leyes que rigen el color.
  • CLAUDE MONET (1840-1926)
  • Nació en París y creció en Le Havre.
  • 1859 se fue a París y estudió pintura en el estudio de Gleyre.
  • Permaneció fiel al principio de la fidelidad a la sensación visual.
  • Últimas pinturas: lirios de agua. La forma está casi disuelta en charcos de color, anticipándose al arte abstracto.
  • Muere en Giverny.
  • Consideró que no existe ningún color en la naturaleza porque todos se transforman en función de la luz.
  • Hay dos dependencias: 1) relación luz-color, 2) relación forma-calidad/densidad del aire. Ambos dependen de los cambios atmosféricos.
  • Tema: pretexto sobre el cual actúan la luz y el color. Representa el mismo tema muchas veces.
  • Pincelada: valor expresivo de la mancha (único medio para representar las formas). Ésta es un estímulo para la retina del espectador que toma parte activa en la recomposición de las figuras.
  • Formas: libres de la línea, de todo contorno, se hacen dinámicas.
  • Ritmo: en forma de coma y de pequeños puntos (átomos en los que se descompone el cuadro).
  • Sombras: participan del color del objeto que las produce (no existe el negro en la naturaleza.
  • Pinta fuera del taller: con toques rápidos, no detallistas, preocupándose más por el conjunto que por el detalle, porque todo es fugitivo (las nubes, el sol y el viento modifica el objeto).
  • Claude Monet, Catedral de Rouen a pleno sol, 1894.
  • Museo de Orsay
  • Óleo sobre lienzo, 103 x 73 cm.
  • La serie sobre la catedral de Rouen refuerza las teorías de Monet iniciadas años antes. Según éstas, los objetos varían dependiendo de la luz que se les aplique. No es lo mismo una iluminación matutina que vespertina cuando incide sobre un mismo elemento.
  • Aquí observamos la fachada de la catedral a pleno sol por lo que las líneas de sus contornos se difuminan y casi desaparecen.
  • Los arcos de las portadas, el rosetón o la decoración gótica son absorbidos por el sol, provocando profundos contrastes de luz y sombra, sombra que ahora es más oscura aunque dominan en ella las tonalidades malvas.
  • La rapidez del trazo refuerza la idea de inmediatez y especialmente la impresión que causa esta magnífica catedral gótica a Claude.
  • Entre las principales características del impresionismo tenemos:
  • El uso de la luz sobre los objetos.
  • La pintura se realizó al aire libre.
  • La eliminación de todo simbolismo.
  • El uso de colores puros.
  • La abolición del color negro.
  • Los temas seleccionados son de la vida real.
  • Los impresionistas aplicaron la teoría científica, donde los colores no son más que una emanación de luz blanca (solar), que al incidir sobre el objeto, se descompone y se convierte en color. Para estos artistas, era importante considerar tanto las estaciones del año como la hora del día, como el buen o mal tiempo, pues esto era fundamental para el aspecto del color.
  • Los más importantes representantes de este movimiento fueron: Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley, Berthe Morisot y Edouard Manet.
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