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9.3.2. Camile Rose García

Camille Rose García nació en Los Ángeles y creció en el barrio de Orange County. Visitaba a menudo Disneylandia y acudía a conciertos de punk con el resto de los jóvenes desencantados de su zona. Sus pinturas en la que aparecen tenebrosos niños viviendo desoladores cuentos de hadas son, en realidad, comentarios críticos a los fallos del sistema capitalista. No resulta casual el nombre de uno de sus libros titulado: Tragic Kingdom. Este libro muestra su trabajó que va desde pinturas, dibujos, bosquejos, impresiones hasta muñecas de plástico, etc.




Figura 93: Tapa del libro de arte de Camile Rose García. Tragic Kingdom. Disponible en: http://www.goreydetails.net/images/items/jpeg1181522856.jpg

Las principales influencias de Camille son, entre otros, Phillip K. Dick, William Burroughs, Henry Darger, Walt Disney, así como las bandas The Clash y Dead Kennedys. Sus trabajos se han publicado en medios como Flaunt Magazine, Rolling Stone, Juxtapoz, Paper Magazine… Su obra ha sido expuesta a nivel internacional en países como España – Arco 05 - Alemania e Italia así como en las metrópolis americanas de Los Angeles y New York.



Al igual que en Ryden, el estilo posmodernista de Rose García es evidente. Sus trabajos presentan una extraña combinación de surrealismo y expresionismo. El resultado son mundos sumamente oscuros y eclécticos. Están presentes también las fuentes de la cultura pop. Incluido el mundo de los comics, la animación, y la televisión de los años 1950. No puede reconocerse en Camille Rose García un expresionismo puro, como tampoco podía reconocerse en Ryden. Sin embargo resultan claras las reminiscencias expresionistas, no solo desde el punto de vista de la temática, sino que en esta artista también es posible encontrar los elementos que algún punto remiten al expresionismo abstracto de Kandinsky y Pollock mediante el uso del “dripping”. El clima denso de sus cuadros es logrado con la ayuda de este elemento estético. Cosas que chorrean: sangre, suciedad, lágrimas, pintura o simplemente manchas.


Figura 94: Pintura de Camile Rose Garcia. Emergency transport .2005. Disponible en: http://jonathanlevinegallery.com/blogs/news/uploaded_images/emergency%20transport%20print-765393.jpg

Refiriendo a conceptos desde Blanca nieves, The Matrix, y de Un mundo feliz de Aldous Huxley, Camile Rose Garcia combina referencias del mundo de Disney con teorías sociales fatalistas. Los ambientes son metáforas de una población sedada y controlada por grandes corporaciones mientras el mundo se destruye a nuestro alrededor. Mediante la ausencia de un capitalismo sustentable y la falta de recursos renovables el destino de la sociedad autodestructiva se torna inevitable.




Figura 95: Pintura de Camile Rose Garcia. Orphaned Nihilist Escape Ship. 2005. Disponible en: http://www.sjmusart.org/dynamic_content/eventImages/orphanednihilist

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Camile Rose García presenta una temática social más comprometida que Ryden. Pues el resultado de su arte son mundos oprimidos por la realidad social. En este punto es diametralmente opuesta al los expresionistas de comienzos de siglo, ya que ellos sustentaban un modo progresista. La visión de Camille Rose es tipícamente posmodernista y ecléctica. Su visión de futuro es absolutamente negra. Comparte la misma visión que el movimiento Dark. Camille Rose García usa la narrativa de los cuentos de hadas y explora escenarios donde el mundo es forzado a vivir debajo de la superficie, en forma subterránea forzosamente obligados por el caos y la sobrepoblación.

Mediante sus diversas galerías Camille Rose busca el modo de evadirse de la triste realidad actual y de los fallos y contradicciones del sistema capitalista. Los nombres que le adjudica a sus galerías son: Choque de la muerte subterránea, Plan b, El plan del tiempo de escape y finalmente ultraviolentland. De todos modos, sus mundos alternativos no dejan de lado el dolor, la violencia, la angustia, ni la muerte. Parecieran recordarnos que no hay forma posible de escape.

En su libro The Magic bottle nos topamos con Lulu, una niña preocupada por el medio ambiente que ve como las fábricas realizan vertidos tóxicos y contaminan los mares. Así, entre los residuos Lulu encontrará una botella mágica y dos amigos, una tortuga y un pulpo, que le indicarán qué ha de hacer con ella. En el interior de la botella encontrará un mapa de las Peppermint Islands, lugar donde los piratas llevan centurias escondidos del gran imperio capitalista que lucha por destruir su estirpe. La persecución está encabezada por el terrible Peppermint Man que sabrá de la existencia de Lulu y del mapa y correrá tras de ella para hacerse con él.



Es curioso como Camille pone del lado del mal al capitalismo con todas sus letras, no utiliza metáforas o alegorías, sino que quiere mandar un mensaje claro. Y por otra parte los buenos son los piratas, los que viven al margen de la ley, los perseguidos por el capitalismo, los que para ella son libres pero que tienen que vivir escondidos. Además pone de relieve el tema del medio ambiente que también la preocupa de sobremanera, con toda la temática sobre los vertidos contaminantes.


Figura 96: Pintura de Camile Rose García. More Blood for the Castle. 2004. Disponible en: http://www.camillerosegarcia.com/Pages/galleries/ultra/images/blood.jpg

9.4. Conclusiones

Es posible seguir la evolución del expresionismo desde su nacimiento en Alemania a hasta la actualidad. Desde su nacimiento, el Expresionismo jamás fue un movimiento realmente homogéneo..., de hecho una de sus características fundamentales era la multiplicidad.. Coexistían grupos con diversos estilos y técnicas. Lo que siempre unió a todos estos artistas fue el espíritu de protesta. El deseo de resaltar los sentimientos individuales en las obras dejando atrás la mimesis, para otorgarle una mirada completamente personal al modo de representar el mundo. Desde los comienzos del siglo XX, ya era notoria la diferencia entre los dos grupos fundadores: El Puente y El Jinete Azul.

El Jinete Azul, en comparativa con El Puente, resultó ser más intelectual...menos temperamental e impulsivo. Con declaraciones por escrito, sus pintores reflexionaban sobre su propio quehacer y sus metas artísticas. Los rasgos más destacados fueron sus fuertes individualidades y la ausencia de un estilo homogéneo. El Puente, en cambio, buscaba la unión de artistas y enfocaba sus expectativas en la resultante de esa unión: Para ello trabajaron y vivieron en comunidad, temporalmente. Cuando se trasladaron a Berlín, el foco dejó de colocarse en la unión y terminaron disolviéndose como grupo y como vanguardia.

No hay rasgos estilísticos homogéneos del Expresionismo. Basta con observar las diferencias en literatura, pintura y cine. No son comparables tampoco los pintores entre sí. Hay diferencias crasas en el seno del Expresionismo. Los rasgos estilísticos más fuertes se presentan en el cine.

En la pintura, tras la segregación de diversos estilos, falta de verdaderos manifiestos (Hacían declaraciones escritas u orales, pero estas no alcanzaban a tener un carácter real de manifiesto como en otros movimientos vanguardisticos), escasa centralización con una notoria dispersión en el espacio por multiplicidad de centros (Dresde, Munich, Berlín, Viena, Praga, etc.), no se puede reconocer claramente un estilo expresionista único. Cuando pensamos en esta vanguardia, lo primero que se nos viene a la mente es la iconografía de las luces y las sombras, con una arquitectura asimétrica, con distorsiones, angulaciones imposibles y mundos oprimidos. No es frecuente que la primera relación que se haga con “Expresionismo” sea justamente con cuadros de colores estridentes y de temáticas tales como calles inmersas en el ajetreo de la ciudad; tampoco desnudos y mucho menos caballos azules. Sin embargo, éstas fueron las temáticas que representaron los expresionistas en la concepción del movimiento. Por lo tanto, puede afirmarse que la estética expresionista más arraigada en el inconsciente colectivo, fue la perteneciente al cine alemán de posguerra. La iconografía de cine expresionista es más fuerte que la iconografía que representó la pintura. Desde luego que se trata de dos lenguajes completamente diferentes. De todos modos, es posible reconocer un estilo más homogéneo en la cinematografía que en el arte pictórico.

Esta iconografía expresionista cinematográfica, tan relacionada desde un primer momento con la literatura gótica, fue la que marcó e influenció a múltiples artistas y movimientos posmodernos. Entre ellos el Dark: La imagen de Robert Smith, cantante de The Cure, con el rostro pintado de blanco (cual máscara), con uñas negras y con cabellos parados, recuerda inmediatamente al Cesare, el personaje sonámbulo de El Gabinete del doctor Caligari. El Expresionismo y el Dark también tienen en común la esencia de la protesta y la exaltación de los sentimientos, aunque puede decirse que el Dark en este sentido fue mucho más extremista: Ubicaba a los sentimientos en un lugar más preponderante del que ya le habían asignado los expresionistas, y lejos estaban de tener una visión progresista de la historia. Se sentían muertos en vida, asesinados por la sociedad. Aquí radica la diferencia fundamental entre ambos movimientos, ya que los expresionistas creían que mediante la expansión del arte se llegaría a una sociedad perfecta....ideal (ver Superhombre, concepto de Nietzsche) Los dark creían en el futuro, pero éste solamente podía ser negro.

El Expresionismo nació como un movimiento moderno. Los artistas eran consientes de su identidad cultural progresista. Buscaban en su arte una expansión del mismo como forma de vida. Creían que la ciencia avanzaba hacia la Verdad. De hecho el advenimiento de la Primera Guerra Mundial se convirtió para el movimiento expresionista en una experiencia crucial. Los artistas le adjudicaban a la guerra una fuerza catártica que destruiría el orden anterior y que levantaría de las ruinas una nueva y mejor sociedad. Hasta aquí, los expresionistas sostenían su visión progresista. Sin embargo, varios artistas del movimiento se enrolaron en el ejército y muchos no soportaron el horror de las trincheras. Algunos fueron dados de baja y otros cayeron en combate. Fue en ese punto, cuando la idea progresista de la historia comenzó a chocarse contra la realidad.

El cine expresionista en cambio, surgió con posterioridad, ya terminada la Primera Guerra. La realidad comenzaba a cambiar, se vivía una crisis social y un malestar existencial. El cine expresionista ya no buscaba simplemente reflejar el estado interno individual como en los movimientos de El jinete azul y El puente, sino que logró plasmar en la pantalla metáforas de la inestabilidad y la crisis moral imperantes en la época. El tema de la muerte cobró preponderancia tras los evidentes horrores que había arrojado la guerra.

En 1940 nace en Estados Unidos el Expresionismo Abstracto, basado en el gesto y en la expresión. Los principales pintores de esta tendencia trataron de aunar forma y emoción. Este movimiento nace de la mano de una generación de artistas que desligados del compromiso de la década anterior, unen a los legados de la vanguardia europea otros legados tales como el surrealista y el racionalista. Concibiendo de esta forma el gesto y la expresión en una pintura individualista, moderna y genuinamente americana.

Con el correr de los años, las distintas agrupaciones expresionistas que surgen van perdiendo paulatinamente su idea progresista de la historia, su mirada positiva hacia la ciencia y su espíritu de ruptura. Sin embargo conservan intacta la búsqueda de la expresión interna. Es justamente esto lo que tienen en común todas diversas manifestaciones expresionistas que van surgiendo a lo largo de los últimos cien años. No hay entre ellas un rasgo estilístico constante, ni homogéneo, pero sí está presente siempre la incesante búsqueda de la manifestación de la emoción y los sentimientos.

Los Neoexpresionistas se manifiestan con un discurso nuevo, completamente posmoderno. Se hace evidente la influencia de la Posmodernidad en las creaciones de estos artistas. Los lenguajes y las técnicas se hacen multifacéticas. Se combinan varios estilos, hay un reciclaje de imágenes provenientes de muy diversas tradiciones pictóricas, como el Impresionismo, el Fauvismo, el Expresionismo y el Surrealismo, con todas sus variantes. Hay una restitución de la pintura figurativa, se deja atrás lo abstracto, una neofiguración. Sigue absolutamente vivo el eclecticismo inicial. Es justamente este eclecticismo lo que puede observarse en pintores actuales como Mark Ryden y Camile Rose García. En estos dos exponentes, el lenguaje posmoderno está llevado a su máxima expresión, mediante la pluralidad de estilos. Encontramos una extraña combinación de elementos pertenecientes al Surrealismo, al Pop Art, al Cómic e inclusive a mundo de los tatuajes, etc. Sin embargo no puede negarse que el espíritu de sus obras es el mismo que tenían los creadores del Expresionismo. Buscan representar los sentimientos. Generalmente de repulsión: muerte, angustia, tortura y sufrimientos.

Mark Ryden logra mediante la representación de un niño andando en triciclo (Pintura llamada Little Boy Blue), mostrarnos las contradicciones de la vida y de la humanidad. Este cuadro se destaca por mostrar a un niño inocente, de tierna mirada llevando esvásticas en su vestimenta. La dualidad que produce este cuadro es tan fuerte que deja perplejo al espectador. Sin embargo, para causar este efecto, Ryden se abastece de una paleta de colores fríos y tonalidades altas, una iluminación general homogénea, y las pinceladas son imperceptibles. Desde el punto de vista estético, Ryden no parece tener conexión evidente con el Expresionismo. Sin embargo sus obras tienen como objetivo final, lograr el mismo efecto que buscaban los expresionistas fundacionales. Ryden, explota al máximo las dicotomías modernas con un cinismo propio de la Posmodernidad. Juega morbosamente con la dicotomía de la inocencia y la maldad, lo bello y lo horrible. De hecho, utiliza una paleta de colores de tonos frios, para plasmar cuadros cargados de un valor semítico violento. Lejos está de utilizar colores saturados como lo hacían los primeros expresionistas. Y el color negro no es utilizado tampoco para semantizar sus creaciones. Sin embargo el impacto emocional que genera es idéntico al generado mediante la contemplación de un cuadro de Munch o Ensor. Más de cien años separan a estos artistas entre sí, pero la búsqueda interior de estos artistas resulta ser evidentemente idéntica.

Ryden es completamente posmodernista, ya que si para las vanguardias como el Expresionismo, el espiritu era de provocación, de choque y ruptura, para la Posmodernidad el equivalente de esa búsqueda es la ironía y el cinismo. Ryden ironiza las dicotomías modernas al máximo, con un cinismo no visto antes en ningún otro pintor. Esto es lo que provoca un asombro desconcertante ante la obra de Ryden.

Ya no es posible, encontrar al Expresionismo como un movimiento, donde se aglutinan varios artistas. Los expresionistas actuales son talentos aislados diseminados en diversos países con manejo de diversos lenguajes tales como pintura, animación, comic, cine, intervenciones, instalaciones, etc. Estos artistas, mantienen vivo ciertos aspectos filosóficos o estilísticos del Expresionismo inicial, pero no hay casos en que ambas cosas se den a la vez, y si lo hay, son los menos. Podríamos decir que el cine actual refleja más claramente los aspectos estilísticos del expresionismo inicial, mientras que en cambio la pintura actual refleja los rasgos filosóficos. Vale aclarar con esto, que la similitud entre los expresionistas de la pintura actual y los fundacionales, no está dada ni mediante el uso de la misma paleta de colores, ni similares técnicas en las pinceladas, ni incluso mediante el uso de los mismo materiales. La similitud se da en la temática, en la búsqueda interna, y en el impacto producido sobre el espectador.

En el cine en cambio, los rasgos estilísticos de los expresionistas fundacionales se mantienen intactos. Los rasgos heredados del teatro de Max Reinhard, los juegos de luces y sombras, las falsas perspectivas, las sobreactuaciones de los actores, los contraluces, etc. , siguen siendo utilizados por los cineastas expresionistas actuales, casi de manera idéntica a la del cine del los años veinte. En muchas ocasiones incluso a modo de homenaje a los maestros del cine alemán. Y en otras ocasiones, estos rasgos son mixturados con elementos de otras corrientes, tales como el Pop Art, el Surrealismo y otras influencias, como en el caso del cineasta Tim Burton. Tal vez esto se deba a que el cine expresionista, desde su concepción, poseía rasgos estilísticos más homogéneos que la pintura. Claro está también, que se trata de dos lenguajes diferentes. Sin embargo, en otros movimientos vanguardísticos tales como la Bauhaus o el Surrealismo, los rasgos estilísticos lograron tener una gran homogeneidad, pero no se dio así en el Expresionismo.

En el Expresionismo actual, hay una pérdida del sentido vanguardístico de ruptura. Ya no se busca en lo absoluto lograr mediante el arte una sociedad ideal, como lo hacían los expresionistas de comienzos de siglo XX. Lo que reina en el Expresionismo Contemporáneo es gran cinismo e ironía. Esto es una clara evidencia del avance de la Posmodernidad. Ya nada queda de aquella compulsiva necesidad de reinventar las formas que empujaba el desarrollo de las vanguardias. Aquel utópico anhelo de los artistas de construir un mundo autosuficiente, ha quedado atrás. El Expresionismo surgió con la firme convicción del poder transformador del arte, con fe en el progreso con un bienestar alcanzable mediante la conquista del arte. Sin embargo en el expresionismo actual la búsqueda es distinta. El arte conserva su carácter de protesta, y sigue intacta la búsqueda de la exaltación de los sentimientos y los mundos internos. Pero el paso de la historia ha dejado en claro que la sociedad ideal ya no es alcanzable. Bajo esta nueva visión, los actuales artistas expresionistas plasman la inmensidad de sus obras.



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