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7.3. Los nuevos salvajes (Die Neue Tilden)

La generación más joven de Alemania denominada Nuevos Salvajes: Elvira Bach, Walter Dahn, el Jiri Georg Dokoupil, Rainer Fetting , Anseln Kiefer y Helmut Middendorf, .

Y como en todo mar revuelto, a la primera ola siguió una segunda, estrepitosa y arrasadora: una generación integrada por lo que los slogans periodísticos calificaron como los Nuevos Salvajes. Un rejunte de artistas con menos mochila, con el fantasma del nazismo un poco más a la distancia, que tomó los pinceles para revolver en el presente y en lo personal.

Ya no se trataba de una remake del Expresionismo histórico de Der Brücke o Die Blaue Reiter, plagado de intenciones trascendentales e intentos de renovación del individuo y la sociedad. Los Nuevos Salvajes parecían ser a la pintura de los ochenta lo que los Punks a la música; si bien les reconocían a las vanguardias el haber abierto las puertas hacia la subjetividad, estaban bien lejos de los sueños utópicos. Eran puro escepticismo y acidez.

Las características de este grupo pueden resumirse:

- Retorno a las imágenes de tipo expresionista.

- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.


- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.

- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.

- Ejecución de trazos amplios.

- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).

- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).

- Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.

- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).


7.3.1.Rainer Fetting:

Rainer Fetting (Wilhelmshaven, 31 de diciembre de 1949) es un pintor y escultor neoexpresionista alemán.

Estudió en Berlín, entre 1972 y 1978. En 1977 fundó la Galerie am Moritzplatz de Berlín, junto con Middendorf, Salomé y Bernd Zimmer. Tras un viaje a Nueva York en 1978 empieza a emplear colores más brillantes, con una pincelada más dinámica. Su obra, profundamente emocional, está influida por Kirchner y Van Gogh.

Fetting se inspira en la realidad cotidiana que lo envuelve, aunque sin reproducirla fielmente. Sólo le interesan determinados elementos figurativos (sobre todo el cuerpo humano, destacando los rostros, con abundancia de desnudos), que le sirven como vehículo para transmitir su estado emocional. Estas escenas quedan enfatizadas por el fuerte cromatismo que utiliza, con colores vivos, frecuentemente ácidos.



Figura 45: Pintura de Rainer Fetting, Indianer, 1982. Disponible en: http://www.artfacts.net/exhibpics/13039.jpg



Como se muestra en la figuras 45 y 46 del pintor Fetting, el uso de los colores estridentes de Fetting, recuerdan al expresionismo inicial de pintores tales como Ensor o Kirchner. La paleta trasmite el estado emocional del artista. De este modo, nos topamos con pieles viradas al azul intenso o hacia el color verde. No se busca representar en absoluto la realidad objetiva.



Figura 46: Pintura de Rainer Fetting, 2 Mädchen am Meer. Disponible en: http://images.artnet.com/artwork_images_115227_402336_rainer-fetting.jpg

7.3.2. Anselm Kiefer:

En los 70 y tempranos 80. Kiefer cambió el mundo tanto como un artista puede. En sus trabajos se fusionan la pintura, la escultura o la fotografía mediante técnicas como el collage y el asamblage. Su pincelada se caracteriza por se violenta, su paleta de colores es casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza, polvo, flores, plantas reales, plomo o alquitrán. Sus pinturas alcanzan tamaños enormes y al ser complementadas con otros materiales, como los mencionados anteriormente recobran otro significado. Todas ellas son una denuncia a la historia negra alemana cuyo máximo exponente fue el nazismo. En algunas otras obras tiene alusiones a la mitología nórdica, a la cabala, a los simbolismos ocultos y a la espiritualidad. En realidad, no es hasta comienzos de los años noventa que Kiefer, tras una serie de viajes por el mundo, comienza a explorar temáticas más universales, todavía basadas en la religión, los simbolismos ocultos, los mitos y la historia, pero centrándose más en el destino global del arte y de la cultura.

Su maestro fue Joseph Beuys, a quien tuvo de profesor en la Staatiche Kunstakademie de Dusseldorf desde el año 1970 hasta 1972.

La obra de Kiefer se inserta claramente dentro del posmodernismo. De hecho su obra se caracteriza por poseer la ironía tan representativa del posmodernismo. Respecto a ella el artista en una entrevista dice:

“ ...la ironía es indispensable. Son palabras pronunciadas por seres humanos, así que sólo pueden ser irónicamente, pues siempre resultan incompletas. Los que hablan sin ironía son fanáticos y no verdaderos humanos…Yo también busco poner algo de humor en el trabajo. Para que una broma sea buena, tiene que producir un sentimiento de abismo. El humor coloca al espectador en el borde del foso y lo hace temblar”
(Kiefer, 1996)

En muchos de los cuadros de Kiefer aparece la escritura como parte integral de la obra. Según el autor la escritura sirve para irritar al espectador y abre otra capa de la memoria. Con el texto se puede hacer todo, se puede inflar el cuadro con otro sentido. Kiefer rememora: “ Hice un cuadro que representaba un hermoso paisaje, casi romántico, y puse encima manchas rojas, como eczemas, después escribí Krakekunst: arte degenerado. Eso desviaba el sentido”



Figura 47. Obra de Anselm Kiefer. Un hombre contempla la obra de Kiefer el Guggenheim. Disponible en: http://bp3.blogger.com/_-RECjJksv7M/RgmtLvGSHWI/AAAAAAAABOw/xGk9VyjKSsk


Kiefer cometió un acto salvaje con la enorme colección de sus propias obras, digna de millones. Hizo una pila con ellas cubierta de suciedad y de vegetación seca. Titulo a la pila: 20 años de soledad, y objetivo es que nunca sea desarmada.

Dado a que la obra de Kiefer está hecha de brea, papel, grapas, telas, chapa, arena, pan de oro, alambre de cobre, virutas de madera y trozos de cerámica rota, es poco probable que a excepción de unas pocas, estas pinturas vayan a sobrevivir en el tiempo. Kiefer lleva su despreocupación por la permanencia de sus materiales hasta el extremo, puesto que el plomo no se aguantará en su sitio, y la paja en algunas telas, ya se está pudriendo.



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