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6. Posmodernidad

6.1 Orígenes

La Posmodernidad sólo es una rebelión más, como la de los románticos, en contra de la Ilustración (liberal o dialéctica) y que eso no hace más que evidenciar la salud de nuestra cultura, capaz de volver a recuperar sus viejos encantos. (Habernas, 1989)

El término “moderno” remite al siglo V y significa “actual”. El sentido de “moderno” como nuevo, actual, renovador, sigue vigente. Si bien la modernidad surgió de una oposición a la época clásica, ha conformado modelos perdurables, por esto ya está incluida en lo clásico.

Con Modernidad, nos referimos a un movimiento cultural que surge en occidente en los siglos XVII y XVIII. Comienza una época de innovaciones tecnológicas masivas. No todas las manifestaciones de modernidad surgieron al mismo tiempo, ni en los mismos lugares, pero se expandieron por Europa y América. Unos de los rasgos definitorios de la misma, fueron la noción de sujeto y la idea progresista de la historia. La modernidad concibió la cultura conformada por tres esferas: la ciencia validada por la verdad, la moralidad validada por la rectitud moral, y el arte validado por la belleza. La ideología era de progreso. Mediante la razón gobernada por las acciones humanas, la humanidad se dirigía a la perfección.

El discurso de la Modernidad se refiere a leyes universales con términos como: determinismo, progreso, emancipación, universalidad, verdad y continuidad. La modernidad supone que todo lo dado se expresa en un realidad dual: así separa sujeto y objeto, alma y cuerpo, supraestructura e infraestructura, conciencia e inconsciente, interioridad y exterioridad.

Cuando se habla del Expresionismo como movimiento fundamental de la vanguardia, se acepta la premisa de que los expresionistas eran conscientes de su identidad cultural modera y progresista. Esto se aplicó a Kirchner en Dresde, quien en el manifiesto del grupo El puente en 1906 llamó a todos los jóvenes a encarnar “el futuro” y a liberarse “de los poderes viejos y establecidos”. También se aplicó al Kandinsky que declaró la formación de La nueva asociación en 1909, un grupo que creía que la obra del arte abrazaba “el capullo del futuro y le hacía florecer”. En estas afirmaciones se halla explícitamente la creencia utópica en el poder evolutivo del arte y su habilidad para transformar la sociedad.

El proyecto de la Modernidad apostaba al progreso. Se creía que la ciencia avanzaba hacia la verdad y el arte se expandiría como forma de vida. Sin embargo estos ideales chocaron contra la realidad de los hechos, contra las conmociones sociales y culturales de los últimos decenios. Hechos como Hiroschima, el Nazismo, la Invasión de Hungría, las dictaduras militares se presentarían como la rotunda negación al pretendido progreso racional. Y hechos como la irrupción de armas biológicas o la destrucción de la capa de ozono hicieron sospechar de la excelencia de la ciencia.

Para connotados investigadores actuales hay serios indicios de que la Modernidad ha terminado, ha sido una época transitoria como cualquier otra. El término de la modernidad habría ocurrido en 1970, después de finalizado el movimiento estudiantil de París en 1968, que sería la última de las utopías modernas, pero no hay acuerdo tanto con respecto a eso como a los caracteres definitorios de la Posmodernidad.



6.2 Características

El discurso de la Posmodernidad sostiene contrariamente al de la Modernidad, que sólo puede haber consensos locales o parciales. Algunos de sus términos son: deconstrucción, alternativas, perspectivas, indeterminación, descentralización, disolución y diferencia. La nueva actitud podría resumirse en una especie de descreimiento en el progreso global de la humanidad. La ciencia entra en crisis, produce bienestar pero también destrucción. La herida que ocasiona la Posmodernidad se produce al saber que la historia no dispone para nosotros ni emancipación, ni igualdad, ni sabiduría.

Respecto a la moral, la gestión de la Posmodernidad, tiene como factor fundamental los cambios ocasionados por la Segunda Guerra mundial. Respecto a la ciencia la conmoción se produce con las geometrías no Euclidianas, con la teoría de la relatividad, la mecánica cuántica, la informática y la biogenética.

El artista moderno miraba al futuro y negaba al pasado. El artista posmoderno se fusiona con el pasado y ya no se cree en una continuidad progresiva. El arte se comprende bajo la concepción del bricolaje, como una mezcla y recopilación de estilos. Desaparecen las dicotomías tan representativas de la Modernidad: entre lo culto y lo popular, entre lo distinguido y lo chabacano, etc. La arquitectura responde a los materiales disponibles o a las circunstancias en que se construye. Hay una libre creación. Se toman elementos de estilos anteriores, se construye la deconstrucción. Comienza a verse paredes resquebrajadas, columnas que no sostienen nada, puertas que no conducen a ninguna parte y escaleras sin salida.

En el no-arte, en el no-estilo y en la no- arquitectura, radica justamente el estilo posmodernista. Es estilo del no estilo. Las manifestaciones estéticas son el resultado de renacimientos regionales de Expresionismo, Surrealismo, Clasicismo, estilos regionales, Futurismo o cualquier otro movimiento. Se reproducen los elementos estilísticos del pasado al mismo tiempo que se los desemantiza. Esta desemantización de las formas y los símbolos artísticos es una de las características resultantes de la reducción y el empobrecimiento de la experiencia artística. Según Cornejo Guinassi: “El núcleo de la postura posmoderna está en reconocer que puesto que el pasado no puede destruirse, lo que hay que hacer eso volver a visitarlo, con ironía, sin ingenuidad” (Juego sin fronteras, aproximaciones al rock Contemporáneo, 1994, p.61).

La Posmodernidad tiene como programa descomponer el pasado en fragmentos, sacarlos de su contexto original y su resignificarlos al colocarlos en otros contextos.



6.3 Expresionismo y posmodernidad

El Expresionismo es considerado por algunos autores como uno una fuente fundamental, integrante del posmodernismo. Según Ester Diaz: “Desde un punto de vista estético, es probable que lo que hoy se denomina “posmodernismo” se haya gestado en el seno mismo de las vanguardias modernistas… como explotación extrema de algunos de los principios modernistas” (Posmodernidad, 1999). De todos modos el arte posmoderno ya no va tras la búsqueda desenfrenada de lo nuevo, más bien intenta rescatar lo viejo. Se rescata el pasado sin actitud crítica. Existe una perdida entre obra y entorno. Se mezclan elementos de la escultura o de la pintura tradicional con objetos comunes, fotos con dibujos, artesanía con electrónica.

Según Freddy Quezada: “el único hilo conductor de la Posmodernidad, tal y como hoy la entendemos, eran las escuelas artísticas que fueron conocidas como “vanguardismo” en Europa y América Latina y que tuvieron su punto de partida en el simbolismo baudelariano, anunciando el modernismo estético y separándolo de los otros dos conceptos parecidos pero, al mismo tiempo, tan diferentes: la modernización y la Modernidad” (Las claves del vanguardismo estético en la cosmovisión posmoderna, S/D). El Expresionismo habría sigo el responsable de aportar a la Posmodernidad el nuevo modo de ejercer sobre la realidad una violencia sólo con el objetivo de reconstruirla y plasmarla de nuevo. Los expresionistas dejaron su legado construyendo su mundo desde la subjetividad. “En efecto, bien mirada las cosas, las cinco grandes escuelas ( Simbolismo, Expresionismo, Futurismo, Constructivismo y Surrealismo) que denunciaron, combatieron y pronosticaron la decadencia de la Modernidad, la representación y el Formalismo, lo hicieron con un discurso que se parece mucho al discurso posmodernista. De hecho, el posmodernismo no es más que la crítica del vanguardismo estético a toda la sociedad” (Quezada, F. Las tres fuentes y tres partes integrantes del posmodernismo).

7. Evolución del expresionismo
7.1.
Neoexpresionismo


Vivimos en una sociedad que ya no tiene las imágenes adecuadas, y si no las encontramos, nos extinguiremos como los dinosaurios.
(Werner Herzog, 1979).

El Neoexpresionismo es estilo de post-guerra de gran resonancia en Alemania. Sus integrantes: Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Karl Horst Hödicke, Antonius Höckelmann, Jörg Immendorff, Dieter Krieg, Markus Lüpertz y A. R. Penck Elvira Bach, Walter Dahn, Jiri Georg Dokoupil, Rainer Fetting y Helmut Middendorf. Pertenecientes al período de resurgimiento y consolidación de la pintura en Alemania (1975-1985). Un movimiento que algunos denunciaron como un proyecto burgués, de regreso al orden, y otros como una tentativa de recuperar las imágenes perdidas. Lo cierto es que las escenas (como se llamó a los principales centros creativos del Neoexpresionismo: Düsseldorf, Berlín, Colonia y Hamburgo) encarnaron aquel feroz modo de ver alemán.

El hambre de imágenes, como curiosamente se titularía después un libro fundamental sobre la nueva pintura alemana, llevó a los artistas a rebelarse contra la impersonalidad del Conceptualismo y el Pop, que por entonces se había vuelto el pasaporte diplomático del mundo del arte. Muchos vincularon el renovado interés por la expresividad con cierto espíritu alemán que trazaba un hilo entre las figuras de cuerpos retorcidos de Grünewald y los zombies espectrales de Munch. A lo que se sumó la necesidad germana de recuperar el tiempo perdido tras haber padecido tanto las consecuencias de la retrógrada política cultural nazi.

El Neoexpresionismo alemán agrupó a dos generaciones: La nueva figuración y Los nuevos salvajes. En la Bienal de Venecia de 1975 participaron 12 artistas neoexpresionistas pertenecientes tanto a La nueva figuración como a Los nuevos salvajes. La característica de todos ellos, es el eclecticismo que resulta de la asimilación y reciclaje de imágenes provenientes de muy diversas tradiciones pictóricas, como el Impresionismo, el Fauvismo, el Expresionismo y el Surrealismo, con todas sus variantes. Tras una década en la que predominó el arte conceptual de fundamento intelectual y una fuerte tendencia hacia la incorporación de los medios tecnológicos en el terreno de las artes visuales, estos artistas restituyeron la pintura de contenido para ocuparse de las tribulaciones existenciales de su momento, utilizando lenguajes plenamente posmodernos. La pluralidad de estilos es el sello distintivo de estos creadores que eligieron la figuración como una reacción contraria a la abstracción imperante en los años sesenta, especialmente al Informalismo y al Minimalismo.

El desarrollo de esta nueva corriente alemana coincidió cronológicamente con otros movimientos de espíritu similar surgidos en diferentes ámbitos: la Transvanguardia en Italia; la Figuración libre en Francia; la pintura de la Nueva imagen en Estados Unidos.

El trabajo de los Neoexpresionistas alemanes tiene como común denominador un ímpetu subjetivo cuya característica principal es la gestualidad libre y agresiva en el trazo y en la elección de colores estridentes que nos remiten a las obras más estremecedoras de los expresionistas alemanes de Die Brücke y Der Blaue Reiter. Sin embargo, la irreverencia de los jóvenes se manifiesta a partir de un humor ácido y demoledor que es reflejo de su profundo escepticismo y desencanto ante la época que les tocó vivir.



7.2. La nueva figuración

La primera, sacudida por una guerra devastadora, comenzó a mediados de los sesenta a abandonar una postura neutral frente a la historia y a mirar hacia atrás, alentando una pintura más cercana a la tradición germana. Pero el “retorno” era sólo aparente: en realidad, la nueva pintura surgía de la necesidad de cuestionar el medio como un ejercicio complaciente.

Los artistas que participaron eran: Karl Horst Hödicke, Jörg Immendorf, Georg Baselitz.

7.2.1. Georg Baselitz

Georg Baselitz (Hans George Kern, nacido en 1938 en el pueblo que le da nombre artístico) es uno de los grandes artistas europeos de la segunda mitad del siglo XX, tanto en la pintura como en la escultura. Desde 1969, intentando escapar del impasse de los informalismos y de los nuevos realismos, el pintor Georg Baselitz da la vuelta a los motivos que activan o constituyen el tema de su pintura. A partir de 1968 decide pintar los personajes al revés, cabeza abajo. De este modo, lo que primero percibe el espectador al contemplar la obra es el color y la textura, para en un segundo estadio reparar en la composición y el motivo representado.

Baselitz inaugura una estética de la paradoja: sus cuadros parecen colgar del revés.

Frente al Expresionismo Abstracto, frente a la retórica del mundo de la publicidad del pop, y frente al calvinismo del Minimal, para Baselitz la libertad formal surge a través de la destrucción de la forma, en un intento de reivindicación de la materia. Con ello nos enseña a ver las cosas en su con-formación, haciéndonos desprender no de la forma simbólica, sino de la tradición del punto de vista de mirar de arriba a abajo.

Baselitz escribió en 1984:"La jerarquía según la cual el cielo está arriba y la tierra abajo no deja de ser una convención, un acuerdo al que todos nos hemos habituado, pero en el que no hay que creer necesariamente".

Como podemos ver en las figuras 42, 43 y 44 la obra de Baselitz recobran nuevo sentido al ser colgados al revés. Baselitz se opone a la tradición del punto de vista de arriba hacía abajo, rompiendo con las convenciones que hasta el momento, jamás había roto ni el más vanguardista de los artistas.


Figura 42: Retrato de Georg Baselitz. Disponible en : http://www.wdr.de/themen/kultur/ausstellungen_2/art_cologne_2006/infobox/data/artcologne40/baselitz72akgplaten



Figura 43: Georg Baselitz. Ohne Titel 1980 . Disponible en: http://www.voelcker.de/bilder/baselitz.jpg


Figura 44: Georg Baselitz. Akt Elke 2 (Nude Elke 2). 1976 . Disponible en: http://www.albrightknox.org/acquisitions/acq_2001/artworks/2001_10.jpg
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