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3.6. Vestuario

El vestuario será siempre una especie de factor dramático para el cinematógrafo alemán. También suele acompañar al vestuario un exagerado maquillaje. Es muy común encontrar entre los personajes masculinos, excesivo maquillaje como ojos y labios pintados de negros como por ejemplo en el sonámbulo Cesare o en el personaje del conde Orlock.

La vestimenta del Dr. Caligari, una amplia capa flotante que le confiere aspecto de murciélago. La vestimenta de Cesare es un ceñido atuendo negro que parece restringir aún más sus movimientos de sonámbulo.

El científico de Metrópolis encarnó por primera vez, lo que luego se convertiría en el arquetipo de científico loco. Pelos blancos encrespados, mirada desencajada y lo que resulta más extraño de todo, el uso de un sobretodo para trabajar cómodamente en la intimidad de su laboratorio.



4. Regimenes totalitarios en Europa/ Arte degenerado.

Durante 1933, ya con el régimen Nazi en el poder se obtuvo la dimisión de numerosos profesores de la Academia y directores de Museos. Muchos pintores y cineastas expresionistas (entre otros artistas) debieron huir de Europa y se refugiaron en Estados Unidos.


Las obras de las vanguardias habían sido impugnadas por Hitler, tras un saqueo sistemático de los museos catalogando las obras como “arte de tontos, mentirosos o criminales que debían estar en manicomios o prisiones”. Algunas de las obras saqueadas pertenecían a pintores de la talla de Klee, Kokoschka, Picasso, Beckmann, Ernst y Kandinsky. Todas ellas fueron catalogadas por el Führer como “Arte degenerado”.
Hitler y Goebbels, su ministro de instrucción pública, comenzaron a definir la orientación que darían a su política estética. El saqueo de las obras fue el acto final de un camino inquisitorial para lograr la supremacía del régimen sobre las artes visuales. Pero un simple acto de negación no bastaba, había que vestir de iconos nacionalistas el arte. En su discurso Hitler afirmaba:

“Ese torrente de cieno y basura que el año 1918 arrojó a nuestras vidas, no fue producto de la guerra perdida, sino que esa calamidad fue la que liberó el ímpetu de ese torrente hacia la superficie. A través de la derrota, un cuerpo ya profundamente enfermo experimentó el impacto total de su descomposición interna. Ahora, tras el colapso de los patrones sociales, económicos, y culturales que continuaron funcionando sólo en apariencia, triunfó la infamia ya subyacente en ellos por un largo periodo, y esto fue efectivamente así en todos los estratos de nuestra vida”.


(Hitler cit por Romero, A. ).

Europa se opacaba en un clima dominante autoritario entre 1930 y 1945. Regimenes fascistas y comunistas reinaron en aquellos tiempos. Lideres absolutos comandaban importantes naciones. El genocidio nazi con la virtual conformidad de los ciudadanos llevó adelante la tarea de domesticación de las vanguardias. Sobre las vanguarías Hitler decía:

“...como un hecho, el arte y las actividades artísticas son agrupadas junto al trabajo manual de nuestras modernas tiendas de sastrería e industrias de la moda. Y, para estar seguros, siguiendo la máxima “cada año algo nuevo”, un día impresionismo, luego futurismo, cubismo, quizás incluso dadaísmo, etc. Un resultado nuevo de ello es que, incluso para las más insanas y necias monstruosidades, deben buscarse miles de lemas para rotularlas, e incluso han sido hallados. Si en un sentido no fuese tan triste, sería casi una gran diversión hacer un listado de todos los lemas y clichés con los que los llamados “iniciados en arte” han descrito y explicado sus miserables productos en lo años recientes…”

(Hitler cit por Romero, A.).

Tras este tremendo clima que se vivía en Europa muchos artistas se refugiaron en Estados Unidos. Muchos expresionistas comenzaron a desarrolla allí su obras. Como resultado de esto, nace el Cine negro americano, con una innegable influencia del Expresionismo cinematográfico alemán, y por otro lado, en lo que refiere a la rama de la pintura nace el Expresionismo Abstracto.

Al producirse en Estados Unidos el crack del 29, y con la posterior llegada del sonido. Las películas de terror (que en buena medida, interpretan el clima de la época como habían ocurrido en la Alemania de Weimar) tuvieron una gran acogida por el público norteamericano. Directores como James Whale y Tod Browing de la Universal Films, imprimieron a sus films un sello inequívocamente expresionista.

Cuando varios de los grandes cineastas expresionistas (Lang, Siodamack y Preminger ) llegaron a América, se sorprendieron del alma norteamericana y abordaron la interpretación de las zonas más oscuras de la personalidad de aquel país. Y fueron de gran influencia para los cineastas americanos. El propio Orson Welles, recupera la temática de Caligari en su primera película datada en 1934. Incluso su Ciudadano Kane
(1941)
incluye una amplia panoplia de métodos expresionistas. Posteriormente Hitchcock insistira en temas que mantiene una relación con el expresionismo a lo largo de toda su obra.
5. Expresionismo Abstracto

Kandinsky trató de compensar el sentimiento desbocado que los expresionistas exhibían por bandera, y para ello geometrizó sus formas. Intentó razonar la expresión de los elementos básicos de la pintura (la forma y el color, el punto, la línea y el plano) adjudicándoles valores psicológicos o emocionales.


Este alejamiento de lo figurativo y de la narratividad pictórica es lo que convirtió a Kandinsky en el primer expresionista abstracto, ya desde 1919. Sin embargo, tal tendencia abstraizante no se concretó en unos objetivos comunes para una serie de pintores diferentes hasta los inicios de la década de 1940.

En los Estados Unidos, a principios de los cuarenta del pasado siglo veinte, surge la Escuela de Nueva York. Después de que los artistas integrantes de la misma se presentasen con diferentes denominaciones o rechazasen todo denominador común, se adopta en el año 1943 el término Expresionismo Abstracto, como denominación común para la nueva pintura neoyorquina basado en el gesto y en la expresión. Los principales pintores de esta tendencia trataron de aunar forma y emoción y utilizaron, además del clásico pincel, diferentes y novedosos procedimientos de aplicar la pintura afirmando con ello la importancia de la superficie pintada.

Con el nacimiento del Expresionismo abstracto el centro mundial del arte se desplaza de París a Nueva York, y es el primer movimiento artístico en la historia del arte que viene de América a Europa en un viaje inverso al que se había hecho hasta entonces.

El término de Expresionismo Abstracto se debe al crítico de arte del The New Yorker, Robert Coates, para referirse a la forma que toma la abstracción en este país, y más concretamente en torno a la ciudad de Nueva York.

Se trata de una pintura no figurativa y que se aparta de referencias del mundo material del que los artistas han quedado desengañados después de la Segunda Guerra Mundial.

La II Guerra Mundial estalla en Europa en 1939. Frente a la realidad de libertad y progreso de un país que sitúa a la entrada de Nueva York, su ciudad más importante, La estatua de La libertad, en Europa el acoso y persecución del nacionalsocialismo al “Arte degenerado” de los años previos a la contienda exilian a las últimas vanguardias históricas.

Van llegando a Nueva York: en 1933 Joseph Albers, en 1939 Salvador Dalí, Yves Tanguy y Roberto Matta, en 1940 Piet Mondrian, Man Ray y Fernand Leger, en 1941 Max Ernest, André Breton, Marc Chagall y Wifredo Lam.

Los que se quedaron en Europa son perseguidos. Ernst Lwdwig Kirchner se suicida en 1938, Robert Delaunay se refugia en Montpelier donde muere en 1941, a Emil Nolde se le prohíbe pintar aunque hace sus “Imágenes no pintadas” con acuarelas y del tamaño de una mano, y Pablo Picasso que se quedó en París trabaja en secreto y en peligro muchas veces, agudizando el ingenio por la falta de materiales. 

Con el Expresionismo Abstracto nace de la mano de una generación de artistas que desenganchados del compromiso de la década anterior unen a dos de los legados de la vanguardia europea, el surrealista y el racionalista, el gesto y la expresión en una pintura individualista, moderna y genuinamente americana.

Estos pintores tuvieron como sede de sus actividades artísticas la galería neoyorkina Art of This Century. Esta galería fue abierta en 1942 por la coleccionista Peggy Guggenheim para que los artistas exiliados tuvieran un centro donde mostrar su obra.

Esta presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció una gran influencia entre los pintores norteamericanos de la década de 1930-1940, muchos de los cuales expondrían con el tiempo en la galería de Peggy Guggenheim (Pollock llegó a ser la estrella de esta galería).

Florece así en los Estados Unidos, a fines de 1940 y principios de 1950, una pintura "subjetiva" de gran libertad expresiva, que si bien al principio contiene elementos figurativos (fase mítica), acabará por prescindir totalmente de ellos (fase gestual).

El término de Expresionismo abstracto como mencionamos anteriormente, se debe al crítico de arte Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo-plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952 el crítico Harold Rosenberg utiliza el término de Action painting (pintura de acción) para definir mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas, la importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del contenido. Su principal intención era el enfrentamiento brutal y descarnado contra esa sociedad que les daba su beneplácito. Los pintores del Expresionismo Abstracto contribuyeron además a renovar el panorama técnico de la pintura norteamericana hasta ese momento, pues para llevar a la práctica sus ideales de espontaneidad y rebeldía hubieron de reinventar los métodos pictóricos: así, desde su desarrollo se consideran como medios estéticos de gran impacto visual y emocional el Action Painting, el Dripping, el Color Field Painting o el American Type Painting.

5.1. Action Painting

Esta técnica consiste en arrojar a salpicones la pintura sobre el soporte, ya sea lienzo u otro material, y se la deja chorrear al azar para que de esta manera el cuadro no responda a ningún condicionamiento figurativo o formal que parta de su autor. El resultado es por completo abstracto y espontáneo, sin tener que recurrir a la geometrización de la forma sino tan sólo al azar de la salpicadura. La aplicación de la técnica puede observarse en la figura 41, donde vemos a Pollock en plena acción, y los resultados de la misma, pueden verse en la figura 40.




Figura 40: Jackson Pollock, Blue Poles: Number II, 1952. Disponible en: http://jacksorridente.files.wordpress.com/2008/08/g001b_pollock_blue-poles.jpg

Era la expresión de la personalidad, de las emociones del creador de una manera muy primaria y básica. En el artículo The American Action Painters (ARTnews, diciembre 1952), en el que se utilizaba por primera vez la expresión Action Painting, Rosenberg describía tal actitud en los siguientes términos: “En un momento dado, un pintor estadounidense tras otro comenzaron a contemplar el lienzo como un campo de juego en el que actuar, más que un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o `expresar' un objeto, real o imaginario. Lo que había que plasmar en el lienzo no era una imagen sino un suceso”. Consecuentemente, tales obras se entendieron a menudo en términos muy formalistas como el mero resultado del encuentro entre un artista y sus materiales. Forzosamente, el Action Painting convirtió en redundantes ciertas prácticas artísticas tradicionales: por ejemplo, la idea de un boceto dejó de tener sentido ya que podría sugerir que el artista intentaba transferir una cierta imagen predeterminada a la obra final y definitiva.

El primero en usarlo fue Jakson Pollock, pero la técnica pronto halló su eco en otros expresionistas europeos, o en los informalistas, que le dieron el nombre de Tachisme, del francés, tache (mancha).

Otros representantes de este arte son: Arshile Gorky, Hans Hofmann, Robert Motherwell, Franz Kline y Willem de Kooning, que fue el único que esbozó figuras.

Figura 41. Jackson Pollock desarrollando la técnica de Action painting. Disponible en: http://ladridos.files.wordpress.com/2007/12/pollock.jpg

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