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2.4. Expresionismo en Viena

En el ambiente artístico vienés, regido a comienzos de siglo por la arquitectura y las actividades configurativas de los talleres vieneses, sobresalía en al campo de la pintura únicamente Gustav Klint. Oskar Kokoschka y Egon Schiele lo reconocían como su maestro. A su vez, Klint apreciaba el trabajo de sus jóvenes colegas. De todos modos, Kokoschka y Schiele querían renunciar al uso en su pintura del lenguaje formal utilizado por Klint: A los elementos ornamentales, a la línea armónica, al colorido con pan de oro. En su lugar buscaron un arte mediante la expresión directa y radical. A pesar de este distanciamiento desde el punto de vista formal, sigue habiendo una continuidad desde el punto de vista temático. El tratamiento casi obsesivo de los temas existenciales del ser humano, de la sexualidad, de la enfermedad y de la muerte, se encuentran tanto en Klint como en Schiele y Kokoschka.



Los retratos de Kokoschka, fueron en muchos aspectos únicos dentro del Expresionismo. Ningún otro artista se dedicó tanto a este género como él. En sus retratos buscaba, una penetración psicológica; buscaba en la fisonomía, en los gestos y en aplicación de la pintura, otorgar una expresión pictórica a los estados interiores de sus modelos. Elegía para sus retratos, por lo general, la forma del busto o medio cuerpo. Por eso, aparte del la expresión del rostro, la gesticulación de las manos se vuelve un elemento con el que el artista caracterizaba a los modelos. Las manos eran reproducidas por lo general, desproporcionadamente.
Toda la superficie permanece en una tonalidad opaca y sin notorios contrastes. Kokoschka aplicaba el color muy diluido, con el pincel o directamente con la mano. Los contarnos de las figuras resultaban imprecisos y se fundían con el fondo del cuadro.


Figura 25: Pintura de Kokoschka. Adolf Loos. 1909. Disponible en: http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/kokoschka4.jpg



Figura 26: Pintura de Kokoschka. Herwarth Walden, 1910. Disponible en: http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/Fcalvo_kokoschka2.jpg

En las figuras 25 y 26 puede apreciarse el retrato como tema en obra de Kokoschka. Los retratos coparon gran parte de su producción y acapararon buena parte de sus reflexiones artísticas, hasta el punto de convertirse en  su principal interés temático. Con esta práctica consiguió crear un lenguaje completamente personal fundamentado en el deseo de lograr captar la esencia de los personajes representados, hasta el punto de querer retratarles el alma, basándose para ello en la profundización en sus aspectos psicológicos.

En 1911 Kokoschka comenzó a pintar una serie de óleos en gran formato de temas bíblicos. Comenzó a interesarse por el color, entendido como única vía válida tanto para definir espacios como para lograr la máxima carga e intensidad expresiva, reflexiones que fueron confirmadas tras el viaje a Italia que realizó en 1913 en el que descubrió el tratamiento y usos que del color hicieron los grandes maestros venecianos.

Cuando su estilo estaba completamente definido realizó su obra más emblemática: La esposa del viento, síntesis y manifiesto de sus principales características artísticas, surgida, en 1914,  como reflejo de las emociones más intensamente dramáticas experimentadas por el propio artista como consecuencia de la tormentosa relación.

La Primera Guerra Mundial como para el resto de los expresionistas resultó un episodio traumático en la vida de Kokoschka, sobre todo por el hecho de que al poco tiempo de alistarse como voluntario resultó gravemente herido, lo que motivó su establecimiento, en 1917, en Dresde para recuperarse de las heridas sufridas. La desolación, el dolor y, en definitiva, el horror experimentado durante el conflicto le sumió en una grave crisis emocional que tuvo un inmediato reflejo en su obra. Sus creaciones, a partir de entonces, manifestaron una visión más pesimista, angustiosa de los temas encarados, reflejo de la experiencia traumática que le tocó vivir, como es claramente visible en el retrato que realizó a sus amigos Los emigrantes, inquietud que se acentuó aún más por el empleo de una pincelada mucho más nerviosa.




Figura 27. Pintura de Schiele. Autorretrato con planta de lámpara china (1912). Disponible en: http://bp2.blogger.com/_hj0El9WLCKA/R-L8JrEg0uI/AAAAAAAAAls/XwYwzxxfsxI/s400/Egon+Schiele+autorretrato.jpg
Egon Schiele fue junto con Kokoschka, la segunda personalidad sobresaliente del Expresionismo en Viena. Su tratamiento de las figuras desnudas sugiere un espíritu atormentado por la sexualidad. Influenciado primero por Gustav Klimt, con quien se encontró en 1907, luego adquirió un estilo independiente y anticlásico cuyas líneas surgen más de conflictos psicológicos y espirituales que de consideraciones estéticas.

Para 1910, las obras de Schiele gozaron de autonomía. A pesar que pintó numerosos cuadros, fue el dibujo su medio expresivo propio. En él redujo su cosmos pictórico a pocos motivos, en cuyo centro se encuentran los desnudos en múltiples variaciones. A su vez, creó retratos y autorretratos en los que buscaba captar el contenido fisonómico, no sólo del rostro de sus modelos. Luego surgen impresionantes estudios de retratos de amigos y también algunos paisajes. Schiele sólo pintó paisajes marinos, reflejos de su propio estado. Los autorretratos y las reproducciones de sus modelos parecen estar más cerca de la muerte que de la vida. Los cuerpos aparecen desnutridos y enfermos. El pintor, a menudo escoge un punto de vista extremo, de manera que la deformación en perspectiva incrementa aún más la fuerza expresiva.


Schiele fue perseguido por su arte del sexo explícito y sentenciado a prisión. Murió, depresivo y denigrado, a la edad de 28 años.

Figura 28: Pintura de Schiele. Eros. 1911. Disponible en: http://images.artnet.com/artwork_images_322_19624_egon-schiele.jpg


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