Las características del pop art son las siguientes



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POP ART
El pop art surge en EEUU hacia 1958 y en Europa a mediados de los años 60. Es una corriente artística cuyos representantes emplean en sus obras formas y motivos tomados de los medios de comunicación de masas, propios de la sociedad de consumo, o bien productos industriales.

Las características del pop art son las siguientes:

1- Es figurativo y realista (este último aspecto había sido olvidado por los vanguardistas desde el Realismo del s.XIX), pero con pleno dominio de todas las técnicas aparecidas entre el siglo anterior a los años 60 del s.XX.

2- Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente) mediante trazados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, inversiones de figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas.

3- Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.

4- Composiciones meticulosamente realizadas.

5- Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.

6- Participación del espectador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

7- Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.

8- Colores planos de contornos netos.

9- Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes.

10- Estilo muy crítico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al hombre. Rechazan el subrrealismo o la abstracción como formas de expresión creativas, pues no unen al autor y al espectador.


Otras características del pop art son:

1- Tienen como base a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone mayor atención a lo que sucede en dichas ciudades. Por lo mismo, está ligado a los medios en el ambiente urbano y a los aspectos especiales de este: comics, publicidad, fotos, Hollywood, parques de diversiones, medios de masas en su faceta más sensacionalista, artículos domésticos.

2- Los motivos no son tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público.
Principales representantes:


  • John Milton Cage, que eliminará la distancia entre arte y vida.

  • David Hockney; pintó “Typhoo Tea”, una de las primeras pinturas que reprodujo la marca comercial de un producto.

  • C. Oldenburg, realizó la primera escultura de plástico con forma de hamburguesa y otras clases de “comida rápida”.

  • Roy Lichtenstein, amplió el campo del pop art con sus enormes pinturas a óleo imitando viñetas de comics.

  • Andy Warhol, fue capaz de comprimir cientos de estampas ideáticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa, y otros objetos representativos de la escultura consumista.

  • Richard Hamilton, su obra fue la primera destacada en el pop art: “¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan simpáticos?”, en esta satírica obra representa 2 absurdas figuras en un salón; se aprecian rasgos del pop art, como provocación o buen humor.

Otros ejemplos importantes fueron George Segal y Wayne Thieband.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El expresionismo abstracto es una tendencia artística surgida a principios del s.XX y que, a diferencia del impresionismo, tiende a imponer la sensibilidad del artista a la representación del mundo exterior. Esta tendencia artística surge en EEUU.
Las características de pintura expresionista son:

1- Ausencia de toda relación con el objeto, con la realidad.

2- Rechazo de todo convencionalismo estético, de las formas clásicas del arte.

3- Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

4- Ejecución totalmente espontánea.

5- Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo o forma de hacer arte.

6- Intensidad de propósito: lo que importa es el acto de pintar, más que el contenido.

7- Predominio del trazo gestual en expresiones de gran dinamismo y virulencia.

8- Empleo de manchas y líneas con ritmo.
Este movimiento pasa por 2 fases: fase mítica, o de formación del movimiento, y la fase gestual, en la que el movimiento queda plenamente configurado.
Fase gestual, es decir, la forma de trabajo de los autores:


  • Abandono del lenguaje figurativo.

  • Utilización de menos métodos de ejecución: pintura de goteo.

  • Expresión del estado psíquico del artista.

  • Utilización de telas de grandes dimensiones.

  • Gran libertad en el color.

  • Variedad de configuraciones estructurales, entre ellas destacan:

    • Composiciones de campo extendido: toda la superficie del lienzo cubierta de cordones de pintura chorreada o goteada.

    • Composiciones de campo de color: grandes superficies planas combinadas de color sin elementos significativos.

    • Composiciones gestuales: líneas ondulantes y rítmicas, empastes, manchas y chorreos sobre fondos dominantes.

    • Composiciones sígnicas: a base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monócromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafías orientales.

Algunos artistas y sus obras:



  • J. Pollock: “Número 2”, “La mujer lunar contra el círculo”, “Eco”.

  • Reinhardt: “Pintura”.

  • F. Kline: “Andes”, “Pintura número 2”.

  • A. Gorky: “Agua del molino florido”.

  • H. Hofmann: “Efervescencia”.

  • W. de Kooning: “Mujer y bicicleta”.

  • B. Newman: “Redención II”.

En España destacó Esteban Vicente


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