La abstraccion. Las tendencias neofigurativas. El pop-art



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LA ABSTRACCION. LAS TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS. EL POP-ART.-

EVOLUCIÓN DE LA PINTURA Y DE LA ESCULTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX
Después de la Segunda Guerra Mundial la mayor parte de los artistas europeos de la vanguardias se instalan en Estados Unidos o mantienen unas relaciones muy fluidas. En este ambiente se acentúan muchas de las corrientes que se habían iniciado en el período de entreguerras.
Hay una enorme cantidad de corrientes artísticas a partir de la II Guerra Mundial. Cada pintor se siente autónomo y creador y seguidor único de cada tendencia. Resumiendo tal abundancia de corrientes podríamos señalar como las más importantes en lo que se ha denominado como tendencias.
PINTURA ABSTRACTA.
Podemos definir la abstracción en arte como " el prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual". Es cultivar un arte sin tema, donde se busca la belleza con manchas de colores sin contornos precisos. La obra de arte abstracta se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y, por lo tanto, ya no representan hombres, paisajes, casas, flores...sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, la necesidad interior. Es lo que también se denomina pintura no figurativa.
Esta pintura comienza con el pintor ruso WASILLY KANDINSKY (1866-1944). Es un pintor-investigador que tiene diferentes etapas en su carrera (abstracto, cubista, surrealista...) que hacia 1908 comienza a ordenar, a poner, el color libremente a impulsos de la inspiración. Es el principal representante de lo que se ha llamado ABSTRACCIÓN LIRICA. Otro pintor de esta tendencia "lírica " será el suizo PAUL KLEE (1879-1940)
Hay otra tendencia abstracta en lo que se ha dado en denominar PINTURA ABSTRACTA CONSTRUCTIVISTA O CONSTRUCTIVISMO que desarrolla una pintura no figurativa (abstracta) a base de colores primarios (rojo, amarillo, azul) dispuestos en franjas delimitadas por figuras geométricas o por líneas horizontales, verticales o diagonales. El representante más importante de esta variante del abstracismo será el holandés PIET MONDRIAN (1872-1944).
INFORMALISMO ABSTRACTO O EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Esta "escuela" se caracteriza porque añade al surrealismo inicial, otras procedentes de filosofías orientales y justificaban el vacío pictórico, el valor de la mancha y la autoexpresión directa sobre el lienzo sin controlar racionalmente el proceso de ejecución. Suelen ser cuadros de gran tamaño.
Tal vez el representante más importante sea el americano JACKSON POLLOCK (1912-1956) que no utilizaba el pincel sino que hacía chorrear la pintura sobre el lienzo, situado horizontalmente sobre el suelo del estudio. El movimiento del artista durante la ejecución era tan importante como el resultado final, y por eso se llamó a este tipo de trabajos action painting (pintura de acción) o pintura gestual. Es el creador del MANCHISMO.
En otros casos el EXPRESIONISMO ABSTRACTO usa arenas, yeso, arpilleras, alambres, maderas... buscando el volumen, la tercera dimensión de un lienzo, que es plano. Juega con texturas y colores para provocar sensaciones, sin representar objetos o personas. Esta tendencia recibe el nombre de ARTE MATÉRICO. En España destacan Antonio Tapies ( Nacido en 1923) y Manuel Millares (1926-1972). Estos dos pintores tras investigar los efectos de las diferentes materias llegan a elaborar cuadros con volumen o cuadros escultura. Ambos se integrarán en el arte pobre que reutiliza lo abandonado por la sociedad de consumo, las basuras,
Dentro del EXPRESIONISMO ABSTRACTO hay que destacar el grupo madrileño El Paso compuesto por Rafael Canogar, Antonio Saura, Manuel Millares y el escultor Pablo Serrano. Todos ellos partirán desde una abstracción intelectual de origen europea hacia un expresionismo de gran calado español; se fijarán en El Greco, Velázquez, Goya...para transmitir sus emociones y su desesperanza social con trazos violentos de muy pocos colores ( negro, blanco, rojo, gris...). Posteriormente irán evolucionando hacia un cierto figuratismo.
El grito y Dora Maar V de Antonio Saura, Pintura nº 20 y El Arresto de Canogar.

LAS TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS.-
El HIPERREALISMO. Surge en los años 60 y 70 como reacción ante la preponderancia del abstracto y el dominio de Pop Art. (años 60) busca la objetividad de la cámara fotográfica. Está relacionado con el pop en América y con el surrealismo en Europa.

En España destaca Antonio López García con sus numerosas obras que tienen como protagonista a Madrid


EL EXPRESIONISMO NEOFIGURACIONISTA O NEOEXPRESIONISMO.

A pesar del auge alcanzado por la abstracción durante la posguerra de la II Guerra Mundial, nunca desapareció del todo el arte representativo. Hubo artistas figurativos muy estimables que se mantuvieron próximos al espíritu trágico peculiar del informalismo, como el caso del británico FRANCIS BACON (1909-1992) enamorado de la pintura barroca española que partiendo de la descomposición de la figura y del espacio va creando atmósferas de inquietud y desasosiego ( Inocencio VII, Autorretrato).


SANDRO CHIA partiendo de un origen abstracto y de influencia cubista termina desarrollando un arte colorista de crítica social donde el color de convierte en expresión de sus emociones.
EL POP ART.-
Este estilo es una vuelta a la figuración de una forma apoteósica. Se originó en Londres durante los años 1950-60. Fue una revisión de la cultura de masas recuperando con ironía y marcado sentido crítico estereotipos visualizados y comunes de la vida diaria del hombre-medio. El pop-art alcanzó su momento cumbre en los años sesenta en los Estado Unidos, país donde la publicidad, televisión, cine...había llegado a lo máximo en la iconografía y en las técnicas de los medios de masas, mostrando el interés estético de productos habitualmente despreciados por la "alta cultura". Utilizaba las imágenes y los diseños de la sociedad de masas para darles otro significado. Los pintores más importantes fueron:
ROY LICHTENSTEIN (1923-1998). Cuyos cuadros son como ampliaciones desmesuradas de viñetas. Desvelaba los estereotipos de los géneros menos complicados en sus vivencias más primarias y simples (asuntos sentimentales para las chicas y bélicos para los chicos). Estos cuadros descubrían el gran valor decorativo que tenían. Utiliza pintura plástica.
ANDY WARHOL (1930-1987) Tal vez el artista más importante de aquella generación. Se inspira en el cartel publicitario y en la fotografía de consumo. De este modo, las imágenes de los medios de masas adquieren una significación estética e ideológica completamente nueva. Utilizará la serigrafía para repetir el mito popular repetidas veces ( rostro de Marilyn, bote de sopas Campbell, botellas de Coca-Cola )
EL GRUPO CRÓNICA ( Manolo Valdés y Rafael Solbes) en España, nace del surrealismoy del informalismo abstracto para caer en collages y parodias de los retratos reales y obras de Velázquez o Goya con una intención crítica hacia el franquismo. Se inspiró en obras clásicas como el Guernica de Picasso o Las meninas de Velázquez. Su mezcla es única: un poco realista, un poco crítica, bastante pop, con citas pictóricas, surrealistas, anacronismos y pastiches agridulces. Todo ello con bastante entusiasmo, pero poca alegría, dado que la sombra del franquismo está presente en toda su obra.
Las meninas, El Guernica, Felipe IV, Escuela de París, Que se escapan...
EL MINIMALISMO MAXIMA SIMPLICIDAD Y SENCILLEZ.
Frente al auge de la cultura de masas, la sociedad del consumo y el éxito del pop art, surge durante la década de los 60 del siglo XX, una corriente estética que recurre a colores puros, figuras geométricas y otros elementos básicos para plantear un arte preconcebido, de ejecución anónima y carácter reduccionista.
Los minimalistas reducen a la mínima expresión los elementos de su arte. Superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores apenas modificados con líneas y puntos casi imperceptibles, por marcas cerca del borde o por pincelazos.

Carácter opaco (negación de cualquier efecto ilusionístico) y literal (conforme a su verdadera naturaleza, la pintura es sólo pigmento específico sobre una superficie específica).


Aplicación de la pintura empastada con efectos de jaspeado o a base de gruesas pinceladas paralelas, a fin de acentuar el carácter literal. Creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino.
Composiciones geométricas; sobre una superficie de color diferentes líneas de un color puro creando líneas, cuadrados o figuras geométricas.
Destacan entre los pintores Art Reinhardt, Robert Ryman, Frank Stella, R Agnes Martin.

LA ESCULTURA EN EL SIGLO XX.
La escultura tuvo una evolución menos señalada que la pintura y la arquitectura. No obstante los escultores estuvieron unidos a los fenómenos del expresionismo, del cubismo, del dadaismo, del surrealismo, del futurismo y del expresionismo abstracto. Algunos pintores fueron a la vez grandes innovadores en la escultura.
Pablo Gargallo (1881-1934). Aragonés formado en Cataluña. Trabajo con los arquitectos modernistas y colaboró en la decoración del Palau de la Música de Montaner. En 1904 viajó a París y muy pronto comenzó a trabajar en el estudio de Picasso y Juan Gris en Montparnasse. Junto con Julio González intento aplicar a la escultura los principios del cubismo buscando hacer las figuras con los mínimos elementos y descubrir el vacío. Hizo una serie de diferentes caretas de Greta Garbo donde aparecen unos pocos planos. Su obra más importante es El Profeta. En su diseño es una obra cubista, estudio de planos, del efecto del vacio, pero a la vez es una obra expresionista por su actitud y su colosalismo.
Julio González ( 1876-1942). Amigo personal de Pablo Ruiz Picasso se dedicó sobre todo a la escultura en metal, a la forja y soldadura. Casi toda su obra está basada en el cubismo que a fuerza de reducir a figuras geométricas y a líneas puras se convierte casi en una escultura abstracta. Hombre cactus, la gran maternidad, cabeza llamada El conejo, Montse gritando
Alberto Giacometi (1901-1966). Fue a estudiar a la escuela de Bellas Artes de París. Coincidió con Picasso, Gargallo, Max Ernst y con Miró. A pesar de que se rodeó de amigos que se habían incorporado a la tendencia cubista, Giacometi se vio más influido por el surrealismo y el expresionismo. Le preocupó el estudio de la textura de la escultura, del metal que se transforma en un barro primigenio. Para expresar el abandono y la soledad del hombre alargó sus figuras hasta la indecible. Viajo a España y conoció a El Greco. El Caminante, Diego, el perro, Lotario III
Constantín Brancusi (1876-1957).Escultor rumano de familia muy pobre. Fue pastor a partir de los 7 años. Aprendió a leer el solo mientras trabajaba de dependiente. Le gustaba hacer pequeñas esculturas en madera representando temas populares bajo una óptica geométrica. Un mecenas le pagó los primeros estudios y acabó llegando a París en 1904 cuando ya tenía casi 30 años. Brancusi lleva a la escultura a la geometría puro, es un escultor abstracto. El descubrimiento de la escultura ibérica y africana le llevo a desarrollar figuras de formas naturales, huevos, prismas, conos. Esculpió en mármol, madera, piedra y metal bruñido. El beso, sueño, pájaro en el aire, columna de la eternidad. Sintió un especial interés por el diseño industrial de muebles y objetos que lo acercarán a los planteamientos de Bauhaus.
Henry Moore (1898-1986). Escultor inglés de formación romántica. Estudio con mucho detalle la escultura del renacimiento italiano. Viajó a México y Centroamérica donde descubrió la escultura maya y azteca que le marcó para toda su vida. A partir de 1950 su escultura evoluciona hacia la abstracción y el puro diseño. Influido por la realizaciones de Picasso y Matisse descompone la figura en los trazos más simples ( primitivismo), vacía el espacio interior. Sus grupos adquieren formas redondeadas con efectos táctiles. Familia de The Barclay School, la modelo, mujer
Pablo Serrano (1908-1985). Escultor aragonés de amplia formación académica. Inicio su obra creadora con un planteamiento constructivista realizando figuras y grupos geometrizados, de aristas vivas realizados en bronce o en cemento armado. Vivió muchos años en Argentina y el cono sur americano. Fundo el grupo expresionista El Paso junto a pintores reconocidos con Antonio Saura y Millares. Su escultura evoluciona hacia la búsqueda de formas más complejas totalmente abstractas. Realizó muchos monumentos conmemorativos a figuras históricas.

Monumento a Indalecio Prieto, a Ramón y Cajal, Bóveda para el hombre, Unidad-Yunta…
Eduardo Chillida (1924-2002). Escultor vasco. Era arquitecto y estudió diseño industrial. En París entró en contacto con el otro gran escultor vasco, Jorge Oteiza. Se definió como escultor abstracto y constructivista. Utilizó la madera, el hierro y el hormigón armado. Búsqueda del espacio interior en las figuras. El peine de los vientos en San Sebastián, Elogio del horizonte en Gijón.
Fernando Botero ( 1932). Pintor y escultor colombiano. Está reactivando el valor de la figura en la escultura. Utiliza fundamentalmente metal bruñido para dar a sus figuras sensaciones táctiles. Su figuras son obesas, de dimensiones colosales. El caballo de Medellín, el dictador, el pajarito


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