John Cage (sel trad notas: Alicia Romero, Marcelo Giménez) John Milton Cage Jr



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John Cage

(sel. trad. notas: Alicia Romero, Marcelo Giménez)


John Milton Cage Jr.

Los Ángeles, 5.9.1912-12.8.1992


Cronología
Realiza sus estudios de preparatoria en Los Angeles.
Asiste a la Universidad de Pomona en Claremont
1930. Hace un viaje por Europa en el que se dedica a estudiar arte, musica y arquitectura. A su regreso a los EUA se dedica a escribir poesia, a pintar, y a estudiar composicion con Richard Buhling.
1933. Va a Nueva York por un año a estudiar con el compositor Adolph Weiss, y atiende a clases de musica folklórica y contemporanea con Henry Cowell en la New School for Social Research".
1934. De regreso en California estudia contrapunto con Arnold Shoenberg. Ya en esta década de los 30 comenzó sus primeros trabajos demostrando talento para ritmos imposibles e invenciones como su sistema de veinticinco tonos. Usó distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar: "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música".
1942 se afinca en Nueva York. Por interés en el zen, Cage utilizó con frecuencia los silencios como un elemento musical, dando a los sonidos una entidad dependiente del tiempo; de esta manera buscó en su música un decageden lógico.
1943. Compone Amores, pieza para “piano preparado”, instrumento al cual Cage había insertado en el encordado una serie de tornillos, tuercas y trozos de goma y madera que lo dotaban de una variedad nueva de posibilidades sonoras.
1946-1948. Sonatas and Interludes es una suite de 69 minutos, quizá una de las más innovadora de entre las que compuso su “piano preparado”. http://www.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso
1951. En Music of Changes, pieza para piano, las combinaciones de tono aparecen en secuencias determinadas por agentes aleatorios.
1952. 4'33' es quizá su trabajo más conocido: los intérpretes se sientan en silencio ante sus intrumentos durante toda la obra; los sonidos inconexos del ambiente constituyen la música; Cage difumina así las fronteras entre la música, el sonido y los fenómenos no musicales. Cage usaba el término "música no-intencional" para este tipo de obras. La primera interpretación de esta pieza estuvo a cargo del pianista David Tudor (otra puesta en acto por Tudor: http://www.youtube.com/watch?v=HypmW4Yd7SY)

Ese año tiene lugar un evento en Black Mountain College dentro del cual se desarrollan una serie de actividades distintas que no tienen conexión alguna entre si (mientras una persona baila, otra persona toca el piano, otra recita subida en una escalera, etc). Cage no se conforma con expresar su idea de la "obra abierta" con sus composiciones, y atraves de su vida va a escribir varios libros acerca de estas ideas. Por obras de este tipo es considerado uno de los iniciadores del "Happening". El fin que Cage perseguía al hacer este evento era involucrar al expectador con una forma de expresión que lo acercara a la vida atravez de su filosofía de la "no intención" (es decir que lo que sucede esta abandonado al azar, y no se pretende comunicar algo determinado). En una entrevista con Daniel Charles, Cage afirma: "Lo que es importante es insertar al individuo en el flujo de todo lo que sucede. Para hacer esto, el muro del ego debe de ser demolido; gustos, memoria y emociones deben ser debilitados. Se puede tener una emocion, simplemente no debemos pensar que es tan importante. Tómala de una manera en que luego la puedas dejar caer. No la reelabores!". De esta manera, Cage espera que el expectador haga a un lado a su ego , para volverse más perceptivo hacia todo lo que sucede a su alrededor. Probablemente uno de los fines mas importantes que él persigue con sus obras, es lograr que abramos nuestros oídos a todos los sonidos exsistentes. "Hay que considerar no solo la musica hermosa sino la musica que tiene vida en si misma".



Imaginary Landscape No. 5 es el primer trabajo de Cage para cinta magnética empleando procedimientos azarosos de manera predeterminada por el uso de notación en bloques (columnas, tortas, etc.). Cada bloque en la partitura representa tres pulgadas de cinta, equivalente a una quinta parte de segundo. Hay un total de ocho bandas simultáneas realizadas a partir de 42 grabaciones fonográficas cualesquiera. La duración y la amplitud (volumen) está notadas para cada una de las 42 grabaciones, pero no hay indicación de cuáles deberían ser las grabaciones. Es el ejecutante quien finalmente determina cuál será el contenido. La contribución básica de Cage es la indicación de cómo deben ser utilizadas las grabaciones. La cinta resultante es un objeto fijo e inalterable. Originalmente este trabajo fue compuesto para acompañar una coreografía de Jean Erdman titulada Retrato de una Dama. Entre otros materiales, Cage acudió a grabaciones de jazz utilizadas por Ms. Erdman en su estudio para ejercicios coreográficos de improvisación. Véase http://www.youtube.com/watch?v=C8b5epOonI8
In an attempt to update the format of this composition for modern day, I used GarageBand and iTunes on my Mac PowerBook G4, instead of using tape and records. I chose forty-two of my favorite tracks from over 5,000 in my iTunes, determined to choose as wide a variety of genres and styles as possible (also including one track from each of my previous recitals, for nostalgia). The tracks I chose are listed on the back of this program. In GarageBand, I created eight channels, dragged in my pre-chosen tracks from iTunes, made "cuts" of the clips (some random, some not), and placed them in the appropriate time markings as indicated in the score. Even though I did not pre-determine where the clips would end up in the score, some of the final outcomes are fairly amusing and some fairly "musical." Although John Cage was highly interested in chance operations, this score is extremely specific about where each musical fragment should be placed, down to the fraction of a second, and at what amplitude each fragment should be played. My final format is an MP3, instead of a tape. Julie Nathanielsz, a graduate student from the UT Dance Department, and Alexa Bourdage, the Longhorn Band Feature Twirler, have choreographed movement to the piece, completing what I consider to be a true twenty-first-century realization of the work.
A Door is Ajar -- Traditional / Kronos Quartet

A Night in Tunisia -- Ella Fitzgerald

Any Way You Want It -- Journey

Aracana -- Edgard Varèse

Bells for Stokowski -- Michael Daugherty

Black Angels -- George Crumb

The Cage -- Charles Ives

The Call of Boromir -- Daniel McCarthy

Chariot -- Gavin DeGraw

Circus Maximus (Symphony No. 3) -- John Corigliano

Dancing Queen -- ABBA

The Danserye -- Tielman Susato

Daphnis et Cloe -- Maurice Ravel

Drumming -- Steve Reich

Einstein on the Beach -- Philip Glass

Escape! -- Justin R. Stolarik

Etude No. 4 in C-sharp minor, Op. 10 -- Frédéric Chopin

The First Circle -- Pat Metheny

Harmonielehre -- John Adams

I Get a Kick Out of You -- Frank Sinatra

I was Looking at the Ceiling and then I Saw the Sky -- John Adams

Judgement Day Blues -- Carolyn Wonderland

Koyaanisqatsi -- Philip Glass

La Suerte de los Tontos -- Stan Kenton

Le Api -- Antonio Pasculli

Lovely Day -- Bill Withers

Magical Mystery Tour -- The Beatles

Morris Brown -- OutKast

Piano Sonata "Pathetique" Op. 13 -- Ludwig van Beethoven

The Pines of Rome -- Ottorino Respighi

The Rite of Spring -- Igor Stravinsky

Shepherd's Hey! -- Percy Grainger

Short Ride in a Fast Machine -- John Adams

Six Marimbas -- Steve Reich

Symphonic Metamorphoses -- Paul Hindemith

Symphony in B-flat -- Paul Hindemith

Symphony No. 3 in E-flat, Op. 55 "Eroica" -- Ludwig van Beethoven

Symphony No. 5 -- Dmitri Shostakovich

Velocities -- Joseph Schwantner

Vertigo (movie soundtrack) -- Bernard Herrman

Without Me -- Eminem

You'll Never Walk Alone -- Rodgers & Hammerstein

Program Note by Justin R. Stolarik

1960. En el programa televisivo Tengo un Secreto ejecuta su performance Water Walk. http://www.youtube.com/watch?v=SSulycqZH-U. Véase también 27 sonidos manufacturados en una cocina: http://www.youtube.com/watch?v=mGrhL49-YQw


Theatre Piece es un trabajo en el que músicos, bailarines y mimos actúan al azar según determinadas funciones preseleccionadas, en 4'33''.
1961. Publica su libro Silence: "Nuestra intención debe ser afirmar esta vida, no traer el orden fuera del caos, o sugerir mejoras en la manera de hacer una composición, sino simplemente despertarnos a la vida misma que estamos viviendo. Esto es muy placentero una vez que nuestra mente y nuestros deseos estan fuera del camino, y dejan actuar a la vida libremente". Parte de la razón de esta actitud tan abierta y perceptiva tiene que ver con una gran confianza que tiene Cage hacia la naturaleza, pues cree que solo bastaría con dejarla actuar para que el equilibrio perdido por la injerencia del hombre sobre ella fuera reestablecido. Esta idea la expresa de la siguiente manera: "La musica nunca ha existido como una entidad separada excepto en la imaginación de los músicos profesionales. Siempre se ha abierto a la naturaleza, incluso cuando ha sido estructurada en la dirección opuesta. El problema consistía en que la gente ponía toda su atencion en su construcción. Hoy dia podemos diversificar nuestra atención, y la construcción ya no esconde la ecología". Debido a esta actitud, se ha dicho que la obra de Cage es una especie de "música ecológica". Es claro que éste compositor tiene una clara preocupacion por un mundo enajenado en el que un gran número de seres humanos (sobre todo los que viven en la grandes urbes) estan cada vez mas alienados y no son capaces de abrir sus sentidos y percibir el mundo en el que viven. Para lograr adoptar esta actitud es necesario el poder del olvido: "Si no tuvieramos este poder, estaríamos sumergidos y ahogados bajo aquellas avalanchas de objetos rigurosamente identicos. No debe haber costumbre y habito en un mundo en proceso de devenir. La función del arte en el presente es preservarnos de todas las minimizaciones lógicas que estamos tentados en aplicar al flujo de eventos cotideanos. De acercarnos al proceso que es el mundo en que vivimos".
1962. La obra 0'0'' es ejemplo de la manera en que, para el entonces, Cage necesita romper con toda distinción entre vida y arte, ya que su misión como compositor es hacer que su auditorio se vuelva mas conciente del mundo en el que vive. La pieza consiste en preparar y cortar vegetales, introducirlos a una licuadora, y luego beberse el jugo. Los sonidos de todas estas acciones son amplificados y reproducidos atraves de bocinas distribuidas en un auditorio.
1965. Variations V es un trabajo realizado para la Merce Cunningham Dance Company. Cage y David Tudor instalaron dos sistemas por los cuales era posible registrar la manera en que el movimiento afecta al sonido. En el primero de ellos, Billy Klüver y sus colegas alistaron un sistema de fotocélulas direccionales conectadas a las luces escénicas, de manera tal que los bailarines ejecutaban sonidos cuando sus movimientos interferían en los haces de luz. El segundo sistema utilizaba una serie de antenas: cuando un bailarín entraba a un perímetro de cuatro pies (aprox. 1,35 m.) ejecutaba un sonido. Diez fotocélulas fueron conectadas de manera tal que activasen grbadores de cinta y radios de onda corta. Cecil Coker diseñó un circuito de control que fue construido por el asistente de Cage, Witt Wittnebert. El trabajo se completaba con proyecciones en pantallas como fondo de los bailarines, en las que podían verse rodajes fílmicos realizados por Stan VanDerBeek e imágenes televisivas manipuladas por Nam June Paik. La partitura fue creada arrojando monedas para determinar cada elemento, y consistía en treinta y cinco “subrayados” que delineaban la estructura, los componentes y la metodología. La banda sonora específica cambiaría en cada performance en tanto estaba creada por antenas de radio que respondían a los movimientos de los bailarines. Una de las performances de Variations V fue realizada para una sesión de grabación televisiva en Hamburgo. Las fotocélulas fueron ubicadas en la base de antenas de cinco pies ubicadas alrededor del escenario. Cage, Tudor y Gordon Mumma operaron el equipamiento para modificar y determinar los sonidos finales. El proyecto también fue presentado en el Philharmonic Hall de New York en 1965. http://www.youtube.com/watch?v=NLOWy3ys8Ag
1967. Musicircus se estrena en la Universidad de Illinois.
1969. Reunión fue una performance en la que la partitura musical quedó determinada por el decurso de un certamen de ajedrez celebrado en el Ryerson Theatre en Toronto por unas diecisiete horas y del que participaron como jugadores Marcel Duchamp y su esposa Teeny. http://www.youtube.com/watch?v=9yysZTaaFQM
1979. Publica el libro Empty Words
1983. Publica el libro X
1989. Recibe el Premio Kyoto (Premio de la Fundación Inamori, Kyoto).
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Musicircus
La 7 ª Bienal do Mercosul convida a los artistas de todas las disciplinas a participar de la actualizacion de la performance Musicircus creada en 1967 por John Cage.

La John Cage Database1 provee la siguiente ficha técnica de este trabajo del artista:

Categoría: composición musical

Datación: 1967

Instrumentación: para cualquier número de músicos, preparados para actuar2 en el mismo lugar (evento).

Duración: indeterminada

Estreno y performer(s): 17 de noviembre de 1967 en el University Stock Pavillion de la University of Illinois

Dedicado a: -----

Coreografía: -----

Publicado: -----

Manuscrito: realización (holografía, firmada, en tinta negra y azul, 4 p.) en la New York Public Library.

La descripción que acompaña la ficha sostiene que “La idea de esta composición es tan sólo una invitación a un número de músicos, quienes interpretarían simulteamente cualquier cosa y de la forma en que deseasen hacerlo. El manuscrito es una lista de músicos con varias piezas musicales de Cage y Satie y algunos números no musicales, incluyendo un diagrama de posiciones de varios individuos.”



Musicircus reune muchos de los principales conceptos de Cage. Su primera edición fue realizada con una selección de músicos, compositores, bailarines, poetas y plásticos; reunido con ellos en un gran espacio, el público tenía libertad de circulación. Un espacio henchido de luz, proyecciones de imagen y sonido, complementado por bebidas y bocadillos, como en un circo.

El objetivo de Cage era provocar una situación en la que tanto la creación artística como la experiencia del público pudiesen ser compartidas, sin dictar una estética única o superior a otras. Su preocupación principal fue demostrar, en un contexto efectivamente espectacular, que tanto la producción como la experiencia de la música deben ser procesos colaborativos y enteramente democráticos que no pueden ser regidos por un ego dominante. En este caso, el recultado fue un ambiente de improvisación simultánea tanto de los intérpretes como del público, en el que cada individuo presente poseía autonomía dentro de una composición global de múltiples estimulos.

Por otra parte, Musicircus es también un ejemplo de cómo Cage estimulaba la recreación, con la esperanza de que este evento, como otros, pudiese realizarse en cualquier tiempo y lugar, sin su presencia, apenas siguiendo el principio básico que dejó establecido durante su primera manifestación. Desde entonces, esta performance fue realizada muchas veces –el Chicago Cultural Center (2007)3 y el Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile (Santiago, 2008)4 son algunas de sus actualizaciones más recientes- tanto antes como después de la desaparición de Cage.

En sintonía con estas ideas, la 7ª Bienal del Mercosur actualizará nuevamente Musicircus en los Muelles del Puerto de Porto Alegre el 17 de octubre de 2009, con el asesoramiento de Laura Kuhn, directora ejecutiva de la John Cage Trust de Nueva York.

Los artistas que desen participar pueden inscribirse entre el 21 de agosto y el 10 de septiembre. Se invita a participar a todos los artistas radicados en Porto Alegre, a los artistas que ya han sido seleccionados para formar parte de la 7ª Bienal y a todos aquellos interesados en la vida y el trabajo de John Cage donde quiera que estén.

Los seleccionados ejecutarán sus trabajos en simultáneo con otros artistas en diferentes lugares del Almacén 7 de los Muelles del Puerto. Su ubicación específica dentro del almacén y el horario de cada presentación será establecido siguiendo el principio del I Ching, escrito que Cage utilizó constantemente en su vida y su trabajo para ayudarse a percibir un orden en el azar de la eventualidad, basándose en la manera en que esta filosofía se centra en la idea de balance dinámico de los opuestos, la evolución de los acontecimientos como procesos y la aceptación de la inevitabilidad del cambio.5. Cada interesado enviará entre diez y doce propuestas de trabajo para ser realizadas en cualquier formato o disciplina artística a musicircus@bienalmercosul.art.br o por correo a la Fundación. Cada propuesta, individual o grupal, será comunicada a través de los siguientes datos:



  • Título del trabajo o una frase con la descripción de la actividad propuesta.

  • Instrumentación

  • Duración

  • Requisitos técnicos o equipamiento necesario si los hubiese.

Los artistas deberán proveerse sus propios instrumentos y/o materiales de trabajo; la Bienal puede contribuir abasteciendo algunos equipamientos y soporte técnico que informará tras la selección. No todas las propuestas serán ejecutadas, siguiendo con el recurso de Cage al I Ching para determinar cuáles obras postuladas por cada artista o grupo serán concretadas.

Esa primera performance incluía bandas de jazz, pianistas, bailarines, mimos, vocalistas, proyecciones fílmicas y fotográficas, luces negras, globos, sidra y pochoclo. Las palabras que se funden en su nombre expresan varias ideas fundamentales de Cage acerca de la creacióny la ejecución artísticas. Por ejemplo, su insistencia en la “multiplicidad de centros”, la insistencia en la autonomía de cada componente individual al interior del trabajo, siendo cada uno uno foco legítimo para la atención del espectador en cualquier momento del desarrollo. Musicircus fusiona formas artísticas diversas en un único evento de gran escala que las celebra a todas a la vez. Quizá lo más importante es el hecho de que este trabajo da cuenta de la fascinación de Cage por la teoría anárquica y la filosofía social: el resultado de la pieza no está “dictado” por el compositor, no requiere a los performers desplegar sus actividades en relación unos a otros (lo que sugeriría un poder estructural interno entre ellos). Por el contraro, de manera anárquica, cada performer o conjunto contribuye a lo que deviene una gran mezcla de sonidos e imágenes. La idea subyacente en este trabajo –algo bien diverso de lo que podría ser una notación compositiva- es también la base de otros trabajos de Cage que destacan eventos en los que concurren independientemente medios diversos. Musicircus es considerado el primero de ellos.

Como señala David Patterson6, para la audiencia asistente a este tipo de trabajos, se trata de no discernir claramente la individualidad de cada elemento concurrente, cuyo inicio y su conclusión se pierden y su decurso se mixtura. De tal manera, nadie puede experienciar actualización aguna del Musicircus en su íntegra totalidad: cada quien creará su propia versión individual de este trabajo, determinado no sólo por su situación de área en determinado momento sino también por los elementos sobre los que escoge enfocarse momento a momento.

Acerca de Musicircus, Cage escribía en una carta datada el 6.6.1973: “Usted oirá una cosa; oirá todo”7. “No he efectuado directivas detalladas para Musicircus. Simplemente ponga juntos bajo un mismo techo tanta música (tantos grupos musicales y solistas) como sea posible a las circunstancias. Permanecerán allí junto por más tiempo que el habitual para un concierto, comenzando a las 7 u 8 de la noche y continuando, digamos, hasta la medianoche. Disponga a los performers en plataformas o dentro de áreas acordonadas. Debe haber la suficiente plenitud espacial como para que la audiencia pueda desplazarse a su alrededor. Si tiene más grupos que espacio, realice una agenda: Grupo 1 en el Espacio A de 7:00 a 9:30, Grupo 23 en el Espacio A de 9:45 a 00:00 hs., etc. Deberá haber alimentos a la venta y bebidas (como en un circo). Bailarines y acróbatas”.

En otra misiva (esta del 23.12.1979), refiere: “Un elemento importante es que debe haber en todo momento gente actuando (performing) simultáneamente. Lo siguiente es que, si bien ninguno de los músico es pago, habiendo tantos, el evento debe ser gratuito para el público... En armonia con la separación de este trabajo respecto de la economía convencional, no he realizado una partitura (score) ni he publicado una, por supuesto”.

Finalmente, en una tercera esquela del 17.2.1979, Cage recuerda: “Hace algunos años... dí un Musicircus... en un gran gimnasio. Simplemente tuvimos aconteciendo al mismo tiempo tanto como pudimos convocar. Y ejercitamos el no prejuicio estético... Hay que dejar que cada cosa que sucede suceda desde su propio centro, sea música o danza. No ir en dirección de una cosa ‘usando’ otra. Entonces, todos iríamos juntos bellamente (como los hacen los pájaros, los aviones, los camiones, las radios, etc.)”.


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Acerca de John Cage8

John Cage es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo, no solo por sus inovaciones en el campo de la música sino como pensador, escritor y filósofo. Hijo de un inventor, este compositor e instrumentista estadounidense, revolucionó la música contemporánea dotándola de un lenguaje caótico, continuando la trayectoria de Edgar Varèse y Charles Ives. Se interesó en el Zen, el cual le condujo en lo musical a usar silencios interminables, sonidos desconectados, casuales y atonales con un volumen, duración y timbre aleatorios. En ocasiones dejaba que el azar eligiera sus composiciones. Por ejemplo, llegó a usar un método según el cual se perforaba una hoja de papel en los lugares en los que se encontraba alguna imperfección, para luego mediante un papel transparente iba calcando estas marcas sobre un pentagrama. Para Cage el mundo y la realidad no son un objeto sino un proceso. Esta idea tan importante la va a articular a partir del pensamiento del Budismo Zen, en el que sólo el presente es importante (en esta filosofía oriental, pasado presente y futro existen en un mismo tiempo ya que la vida se encuentra en un constante devenir).

La faceta mas particular que va a convertir a John Cage en uno de los grandes inovadores musicales de este siglo y que lo va a apartar de la tradición europea, es la búsqueda de la "obra abierta". Para Cage la obra de arte se tiene que abrir a la vida, y esto trae como consecuencia la creación de obras en las que el artista se hace a un lado y deja que los acontecimientos que existen en ellas tengan lugar simultaneamente, sin que interfieran unos con otros. Para lograr esto él compone su música usando técnicas de azar que determinan cada nota, cada rítmo y cada silencio de sus obras. De esta manera, ninguna opinión personal del artista altera a la obra, pues toda decisión es efectuada de manera aleatoria. Cage afirma que para componer de esta manera es necesario que el artista aniquile su ego, ocacionando de esta manera que las obras se vuelvan menos "expresivas" con el fin de que las emociones surgan no de ellas, sino de la gente que las escucha.

Para Cage, en un "proceso musical" el compositor no debe intentar interferir con los sonidos: "Ellos existen, y yo estoy interesado en que ellos estan ahí, y no en la voluntad del compositor. En un proceso musical no existe un "entendimiento correcto" y consecuentemente no puede haber nungun malentendido con respecto a la comprensión de este proceso. Entonces, un objeto musical (es decir una obra musical) por si mismo es un mal entendido, y los sonidos no controlados por el compositor en cambio, no se preocupan si hacen sentido o si van en la direccion correcta. Ellos no necesitan esa direccion o no direccion para "ser" ellos mismos. Ellos simplemente "son", y eso es suficientemente bueno para ellos y para mi tambien". De esta manera Cage justifica la utilización de métodos de azar que determinan absolutamente todas las notas, los silencios, los rítmos, y la instrumentación de sus obras.

La idea de la música como proceso va a tener su génesis en el rechazo del compositor en cuestión hacia la música tonal (la música tonal es la música que conocemos en occidente, con reglas muy específicas que nos limitan a la utilización de ciertos sonidos y escalas). Como Cage introduce el mundo del "ruido" en su música, se va a tener que mover en un espacio totalmente distinto, el mundo de la temporalidad. Cage se va a oponer entonces a la repetición y a la variación (dos de los recursos que más se han usado en la historia de la música para la composición musical) valiéndose del uso del azar, ya que con la utilización de éste van a existir eventos en el tiempo que no tienen ninguna conección entre sí.

Por otro lado Cage va a ser uno de los primeros compositores que le van a dar una gran importancia al silencio en la música. El se da cuenta que lo que concibe como silencio en realidad no lo es, ya que durante los silencios musicales en un concierto continúan sucediendo eventos sonoros (la tos del publico, los ruidos en el exterior del auditorio, etc...). Entonces, sonido y silencio van a ser lo mismo. Cage va a eliminar la dualidad con la que estamos acostumbrados a percibir el mundo (sonido-silencio, bueno-malo, bello-feo, etc...). Así, él deja de prescindir de la estructura y se deshace de ella. El sonido deja de ser un obstáculo para el silencio, y el silencio deja de ser una red protectiva contra el sonido. La eliminación de esta dualidad va a traer como consecuencia que cada cosa y sonido tengan su propio centro. Esta es la base con la cual Cage se justifica para no establecer conexión entre varios eventos sonoros, y esto va a permitir que una enorme cantidad de sonidos entren en un solo evento singular y complejo sin que exista ningun tipo de discriminación. Así, Cage opondrá al principio repetición-variación que ha sido la base escencial en la música, un nuevo principio en el que cada elemento, por pequeño que sea, es igual de importante que cualquier otro. En este nuevo campo, conceptos como "desarrollo de ideas" no tienen sentido, ya que cualquier tipo de juicio o fin, han sido destruidos por obra del azar.

Cage niega la existencia del silencio, pero nos habla de la existencia de una nada o vacío entre los sonidos que hace que no se obstruyan entre si. Esta nada debe concebirse fuera de la oposición ser-no ser. "Tenemos una tendencia por olvidar el espacio que hay entre las cosas. Nos movemos atraves de él para establecer nuestras relaciones y conecciones, creyendo que podemos pasar instantaneamente de un sonido al próximo, de un pensamiento al proximo. En realidad, nos caemos, y nisiquiera nos damos cuenta. Nosotros vivimos, pero vivir significa cruzar atraves del mundo de las relaciones o representaciones. Sin embargo, nunca nos vemos en el acto de cruzar ese mundo, y nunca hacemos otra cosa que eso!".

Esto nos lleva hacia una concepción bastante profunda de lo que sería la nada en la música . "La poesia aparece tan pronto nos damos cuenta de que poseemos "la nada". Cage Adora el tipo de situaciones en que el arte va desapareciendo poco a poco y se va sumirgiendo en la vida (esta concepcion de "la nada" surge de la filosofía Zen). A pesar de la existencia de esta nada, Cage no niega que las cosas se interpenetren : "Se perfectamente que las cosas se interpenetran, pero pienso que lo hacen de manera mas rica y mas compleja cuando no establezco ninguna conexión. Esto es, cuando las cosas se encuentran y forman el numero uno. Pero al mismo tiempo, no se crea ninguna obstrucción entre una cosa y otra, ellas son ellas mismas, y como cada una es ella misma, existe una pluralidad en el numero uno".

La no-dualidad va a colocar a Cage en un lugar muy especial entre los compositores contemporaneos. La música siempre se basó en principios contrarios a este concepto, como lo es la oposición, el contraste, el drama tonal, etc. La dualidad es un concepto escencial en occidente, que nos lleva a la lucha de contrarios, a la discusión. Cage trata de salirse de la tangente para entrar a un terreno completamente nuevo, un campo en el que es necesario que cambiemos drásticamente nuestra propia manera de percibir el mundo.

Aceptar la total indeterminación en el mundo sonoro sin dar espacio a la creación de sonidos preconcebidos nos hacen pensar si son necesarios la obra de arte y el artista. Esto nos lleva a la idea Duchampiana del anti-arte. Si estamos de acuerdo con Cage, que necesidad hay por "crear", si lo que sucede a nuestro alrededor es suficientemente bueno e interesante y tan solo necesitamos aprender a percibir la vida para establecer un equilibrio entre nuestra individualidad y el mundo en que vivimos?. Cage piensa que su función como compositor es abrirle los oidos a la gente, pero, no basta con escribir un libro que explique estas ideas para lograr esto?.

El arte tuvo siempre una funcion social muy definida hasta que comenzó a convertirse en un medio de expresion individual. El artista solía ser el chamán de la sociedad, un sublimador que permitía que las tensiones sociales se canalizaran a traves de la obra de arte. Tal vez Cage pudiera ser una especie de chaman en ésta sociedad moderna, pero lo interesante es que el se convierte en el anti-chamán, debido a su postura anarquista. Desde muy joven, Cage va a comulgar con el pensamiento de algunos pensadores anarquistas como Thoreau, a la par que con las filosofías de oriente. El anarquismo es tal vez una razon mas por la cual a Cage no le interesa transmitir un mensaje al expectador, a el le interesa convertir su obra en un gran espejo dentro del cual cada quien pueda observar y mirar cosas distintas. Podemos pensar que de alguna manera esta postura está implicando que la comunicación entre el compositor y el auditor no existe?.

Cuando se le pregunta a Cage si se molestaría si algun músico interpreta alguna sus obras en publico de manera "incorrecta", el contesta que nó, pues no es a él al que le estan haciendo algo, sino a la obra misma. El cree que cada individuo tiene plena libertad de hacer lo que quiera siempre y cuando no interfiera con los demás, y de esto surge que Cage no desee imponerle su musica a nadie . Si esto es cierto, cuál es la necesidad de crear una obra de arte?. La inactividad productiva del artista plástico Marcel Duchamp en las últimas décadas de su vida, fue una consecuencia de sus ideas vanguardistas que lo llevaron a un punto en el que seguir trabajando como creador plástico se convertía en un absurdo, y era mejor guardar silencio para expresar su desacuerdo con respecto al "concepto de arte" existente. Cage también está en desacuerdo con este concepto Occidental de lo que es el arte pero no calla, y muy al contrario, va a ser un compositor muy prolífico. Atraves de su vida no va a dejar de buscar situaciones experimentales en las que nada es seleccionado con anticipación, en las que no existen obligaciones ni prohibiciones, en las que nada es predecible. Situaciones de Anarquía.

Hacia donde nos lleva esto?. Tal pareciera que Cage ha descubierto la libertad total del artista, pero a la vez, no es esto un callejón sin salida en el que todo termina en la no-obra de arte y en el no-Cage?. Es posible que esta inmensa libertad nos lleve al caos?, o mas bien intenta llevarnos al restablecimiento del equilibrio entre el hombre y su entorno?.

El pensamiento de Cage parece muchas veces contradictorio y nos confunde, sin embargo, su pensamiento está abierto a la vida gracias a estas contradicciónes. Por otro lado, cuando éste afirma que "la mejor música para escuchar es la que tenemos a nuestro alrededor" (es decir, todos los eventos sonoros que suceden en cualquier momento y en cualquier sitio), no puedo dejar de cuestionar cuál es entonces su necesidad por producir obras musicales. A fin de cuentas, Cage sigue siendo un occidental que no ha llegado al punto de dejar de inventar y dedicarse tan solo a percibir (como lo haría un verdadero seguidor del Zen). Sin embargo, el pensamiento de éste termina siendo una mezcla entre occidente y oriente, y esto nos da como resultado algo totalmente nuevo.

Cage va a ser un crítico del Modernismo ya que en éste movimiento se va a desarrollar en alto grado la objetivación de la obra de arte, y la completa autonomía de esta con respecto a su entorno. Allí la obra va a vivir en su propio espacio y en su propio tiempo, y esto va a traer como consecuencia una barrera entre esta y el expectador. Al abrir sus obras, Cage se opone a este concepto. La "no intención" va a colocar a cada una de ellas en un plano distinto. Cage se va a preocupar más por el expectador y por el interprete que por la obra misma.

Aceptando el hecho de que no podemos juzgar a Cage tan solo a partir del resultado de su musica (pues a fin de cuentas esta va acompañada de profundas ideas que tenemos que tomar en cuenta para entenderla), me pregunto que va a suceder en el futuro con esta nueva estética (o anti-estetica?). Que tanto tiene que ver a fin de cuentas la obra de Cage con lo que se ha considerado como "arte" atraves de la historia? Tal pareciera que él se quiere evadir de la jerarquisación que existe en las sociedades de occidente para con los artistas y sus obras, colocándolos en un lugar alto como conocedores de "la verdad". Para Cage todo ser humano es un artista en potencia, y su propia idea del arte y del artista es distinta, pues está influenciado por oriente. En una entrevista con Richard Kostelanetz, Cage plantea que el arte no puede responder a las preguntas más importantes que se ha hecho el hombre, ya que estas se plantean en una zona de obscuridad en la que el arte no penetra (el arte estaría representado por una zona de luz, arriba de una montaña, en el hexagrama de la gracia en el libro chino del I CHING). Si recurrimos directamente a este hexagrama, podremos leer la siguiente nota de Richard Wilhelm: "Este signo indica una belleza quieta: en lo interior claridad y en lo exterior quietud. Es la calma de la pura contemplación. Cuando calla la codicia, cuando se sosiega la voluntad, el mundo se manifiesta como representación, y en este sentido es bello y se sustrae a la lucha por la existencia. Es el mundo del arte. Sin embargo, la mera contemplación no basta para aquietar definitivamente la voluntad. Volverá a despertar, y todo lo bello no habrá sido entonces mas que un fugaz momento de exaltación".

Una vez más Cage intenta identificar vida con arte, y no se concentra en la zona de luz (que es el mundo del arte) sino que se situa en la obscuridad, prefiriendo adquirir un papel de oyente (o vidente). Para Cage el arte no debe constituir una manera para escapar de la vida ( Es decir, fugarse momentaneamente de la realidad atraves de la vivencia de una obra de arte), sino un medio para vivenciarla. Aquí el arte ya no es un objetivar apartándose de la vida, sino una actitud hacia la vida mediante la cual debemos apaciguar nuestra voluntad y todas nuestras emociones para percibir la belleza.

Este apaciguamiento de la voluntad y esta no-intención de la que nos habla Cage nos van a meter en una paradoja sin fin, ya que para que haya "arte" debe haber voluntad por parte del artista, y si eliminamos esta voluntad de crear y tan solo contemplamos la belleza en la vida misma, la producción artística dejaría de tener sentido. Sin embargo, tal vez ésta faceta paradójica de su pensamiento y su obra sea lo mas positivo acerca de él, pues de éste modo no dejamos de pensar y de reflexionar acerca de ellos, cuestionándonos acerca de una serie de valores culturales cuya función actual es dudosa. A fin de cuentas, Cage nos formula una "nueva" proposición para relacionarnos con la música y con la vida misma, que definitivamente nos va a enriquecer volviéndonos más concientes del complejo mundo sonoro en el que vivimos, para de esta forma devolvernos una actitud de concentración y atención hacia lo que sucede en nuestro entorno.


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“¿Hacia dónde vamos y qué estamos haciendo? Cage en Grissinopoli

http://elsitiodeltopo.com.ar/hacia_donde_vamos.htm
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