Historia del arte



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HISTORIA DEL ARTE



Apuntes elaborados por José Manuel Jiménez Migueles

Departamento de Geografía e Historia

IES Manuel Reina

Puente Genil

TEMA 1: EL ARTE DE LA PREHISTORIA

  1. El arte mobiliario

  2. El arte parietal

  3. El arte funerario

La aparición del Homo Sapiens en el planeta Tierra, hace ahora más de 30.000 años, provocó una serie de revolucionarios cambios que poco a poco transformaron la naturaleza con la que se encontraron. Así, desde finales del Paleolítico (periodo de la Prehistoria que abarca desde la aparición del ser humano hasta la llegada del Neolítico) el ser humano habitó en unas condiciones naturales poco propicias a las que fue adaptándose. Para ello, no dudaron en desplazarse allá donde la supervivencia estaba garantizada, habitando en cuevas y abrigos naturales cerca de usos de agua.

Paralelamente, el ser humano de la Prehistoria desarrolló toda una simbología basada en sus temores (generalmente vinculados a los fenómenos y fuerzas de la naturaleza) y en sus deseos (engendrar descendencia y procurarse alimentación mediante la cacería). Para ello se valió tanto de los instrumentos líticos como de pigmentos que maneja con habilidad sobre las superficies donde plasmaba sus creaciones mágico - religiosas. Esta voluntad se manifestó en los objetos fácilmente transportables (arte mobiliario) y en la decoración de las paredes en las que moraban habitualmente (arte parietal).



1. El arte mobiliario

Se desarrolló en casi toda Europa y tuvo como base los materiales que empleaban en su vida cotidiana, como huesos, colmillos y astas de animales o piedras, que eran usados como soportes para sus creaciones artísticas.

Muchas representaciones tenían que ver con la fauna que rodeaba a estos humanos, pero también adquirieron gran protagonismo las estatuillas femeninas de bulto redondo, popularmente llamadas Venus. Estaban estrechamente ligadas al culto a la fecundidad, por lo que aparecen con sus atributos sexuales muy desarrollados y plasmados con gran realismo. No obstante, sus rostros suelen aparecer completamente difuminados o cubiertos por sus propias cabelleras, tal vez por ser una imagen ideal de la Gran Madre, por lo que puede ser un primer germen de religiosidad popular, a la que las mujeres de la tribu acudían para rogar por el cumplimiento de algunos de sus deseos, generalmente relacionados con la fecundidad. La más conocida de toda es la Venus de Willendorf, estatuilla de sólo 11 centímetros, hecha en piedra caliza y pintada de color rojo. Se trata, como en el caso de las pinturas que vamos a ver a continuación, en algo normal en la Prehistoria: la identificación entre el objeto y el ser, o, lo que es lo mismo, lo que puede realizarse materialmente vive o, al menos, puede auspiciar la vida que representa.

2. El arte parietal

Se desarrolla de una manera mucho más reducida que el arte parietal. Comienzan a recogerse reproducciones desde el 28.000 a.C. y muchos de sus principales hitos se encuentran en la Península Ibérica. Pintadas en las cuevas y abrigos naturales que habitaban, presentan un grado de realismo y vitalidad que todavía hoy sorprende a quien las contempla. Generalmente suelen aparecer los mamíferos que constituían la base alimenticia de nuestros antepasados, bien de forma aislada o en manada y, ya más tarde, formando escenas de caza.

Los instrumentos empleados para extender los colores eran sus propios dedos o los pinceles elaborados con cerdas mientras que para crear los colores utilizaban como aglutinante la grasa animal, a la que añadían pigmentos para su coloración cómo los óxidos de manganeso y de hierro, el carbón y hasta la sangre. Para conseguir la mayor veracidad posible en la realización de estas pinturas van a aprovechar los huecos y los salientes de las cuevas para sugerir perspectiva y bulto.

La interpretación de estas pinturas ha ocupado a los historiadores durante todo el siglo XX. La interpretación mágica, de Henri Breuil, es la más aceptada y parte de la necesidad vital de cazar que tenía el hombre de la Prehistoria, lo que hace que ideen rituales de magia simpática o de atracción. Se creía que, por el hecho de representar pictóricamente un animal, su caza se iba a reproducir, de ahí que se intentara realizar las figuras con el mayor verismo posible ya que se pensaba que, cuanto más se pareciera al natural, más posibilidades habría de apresarlo. Idéntica interpretación, pues, que la que hemos dado a las estatuillas femeninas.

Vamos a encontrar dos escuelas bien diferenciadas:


  • La escuela franco cantábrica: así conocida por los yacimientos encontrados al sur de Francia (La Madeleine, Lacaux) y el norte de España (Altamira, El Castillo). En un primer momento se desarrollaron en cuevas y abrigos. La técnica que utilizaron suele combinar la pintura a base de colores primarios (rojo y negro) con el grabado a base de incisiones. Se representan animales como mamuts, cabras, bisontes, ciervos junto a figuras geométricas y muy excepcionalmente, la figura humana. Obviamente, la obra más conocida son las pinturas de Altamira, un impresionante conjunto de más de 300 animales que fueron representados hacia el 14.000 a.C. Conocida como la “capilla Sixtina del Arte Prehistórico”, fue descubierta hace ahora unos 140 años.



  • La escuela levantina: así conocida por los numerosos ejemplos encontrados en el Levante español (Valltorta, Alpera, Albarracín). Realizadas ya en el Mesolítico (hacía los años 7000-3000 a.C.), las pinturas se vuelven más complejas y esquemáticas, reduciéndose la gama cromática (casi siempre al negro) y reproduciéndose casi en el exterior de las cuevas. A la vez, la figura humana se hace cada vez más patente, apareciendo de forma activa en cacerías, danzas o escenas de recolección mientras que la fauna es más propia del clima en el que viven. Manifiestan ser producto de una sociedad más compleja y de transición entre la vida nómada y el sedentarismo. Las pinturas de la cueva de la Valltorta, en Castellón, son las más conocidas.

3. El arte funerario

Con la aparición del Neolítico el hombre pasa de ser nómada a ser sedentario. La “revolución neolítica” va a suponer una auténtica transformación en los modos y costumbres de la humanidad ya que el hombre va a pasar de buscar su propia comida a sembrarla y a domesticarla, lo que dará lugar a las primeras construcciones en piedra, amén de la jerarquización social, la especialización del trabajo y la evolución de la religiosidad. La consecuencia directa es que el arte parietal se sustituirá por la construcción de megalitos, monumentos de carácter funerario o religioso formado por grandes rocas. Hay diferentes tipos:



  • Menhir: bloque de piedra vertical fijado en el suelo

  • Alineamiento: agrupación de mehires dispuestos en filas (Carnac)

  • Dolmen: estructura formada por grandes piedras verticales rematadas por una o varias losas horizontales, a modo de cámara, donde depositar a los difuntos. (dolmen de Dombate) Se fue complicando con el tiempo y en el sur de España aparecieron los sepulcros de corredor, formados por una cámara funeraria precedida por una gran galería (dolmen de Menga)

  • Cromlech: combinación de menhires y dólmenes formando círculos. Normalmente se relacionan con el culto solar y astronómico. Destaca el existente en Stonehenge, en Gran Bretaña. Datado a finales del IV milenio a.C.

Podemos encontrar este tipo de manifestaciones en toda Europa aunque encontramos un caso especial en los Baleares, donde se desarrollaron una serie de megalitos propios de la edad del Bronce y son:

  • Taulas: monumentos en forma de T

  • Navetas: megalitos con forma de nave invertida, como la naveta des tudons, en Menorca.

  • Talayots: construcciones con forma de torre


TEMA 2: EL ARTE EGIPCIO

1. INTRODUCCIÓN (Egipto, un don del Nilo)

El desarrollo de la agricultura, en el Neolítico, hizo posible que la población se concentrara en lugares fértiles como los valles de los ríos Tigris, Éufrates, Nilo e Indo. Para organizar estas concentraciones de población surgió un poder político centralizado y ello dio lugar al nacimiento de las primeras civilizaciones.

En el N.E. de África y torno al rio Nilo nació una rica civilización de la que son testimonio las múltiples muestras de arquitectura y artes plásticas que ha llegado hasta nuestros días.

La civilización egipcia duró 3000 años (desde que, aproximadamente en el año 3000 a. C. el faraón Menes unificó el Bajo y El Alto Egipto) y se divide en cuatro Imperios: Antiguo (2700 –2200), el Imperio Medio (2000 – 1700), Imperio Nuevo (1500 – 1000) y el Imperio tardío hasta el 332 a- C.

En Egipto el poder estaba concentrado en manos del faraón (considerado como un dios sobre la tierra) y en la casta sacerdotal, defensores de las tradiciones. Por ello su arteestaba al servicio del poder y de la religióny se utilizaba para realzar y distinguir a sus principales representantes.

Tres son los factores que condicionan el arte egipcio:



  • La creencia en la vida de ultratumba y en el proceso de momificación.

  • La existencia de la esclavitud y servidumbre campesina que proporcionó abundante mano de obra.

  • En entorno físico. La abundancia de piedra y su cómodo traslado por el Nilo facilitó la construcción y la estatuaria.

2. LA ARQUITECTURA EGIPCIA

Los egipcios crearon dos tipologías monumentales: la tumba y el templo. Sus características son:



  • Por razones geológicas los egipcios, para construir sus edificios, emplearon la piedra (caliza de Tura y granito de Asuán).

  • Colosalismo, el edificio resulta desproporcionado respecto a su función (grandes tumbas para una sola persona).

  • Es una arquitectura adintelada (basada en líneas verticales y horizontales y en la que no se utiliza el arco ni la bóveda).

  • Se emplea la columna de fuste liso y los capiteles podían tener diversas formas: lotiformes, palmiformes o papiriformes, generalmente elementos extraídos de la naturaleza

2.1. Arquitectura funeraria monumental

El mundo egipcio va a desarrollar una variada y espectacular arquitectura orientada al rito funerario. Su evolución fue la siguiente:



  • Mastaba: primera forma de enterramiento. Recordaba, desde el exterior, a las viviendas egipcias. Tenía forma de pirámide truncada, con paredes inclinadas y la terraza plana. En su interior, disponía de una capilla para acoger los diferentes rituales funerarios así como una cámara sepulcral donde se depositaba al difunto.



  • Pirámide escalonada: surgió por la superposición de mastabas. Una de las más conocidas es la pirámide escalonada de Zoser, en Sakkara. Realizada en torno al 2650 a.C. su autor fue el arquitecto Imhotep, el primer arquitecto conocido de la historia. Situada dentro de un amplio complejo funerario, tenía seis niveles de piedra caliza.



  • Pirámides: eran las tumbas de los faraones. Las tres más conocidas son las pirámides de Gizeh, realizadas en la IV dinastía (2613-2494) por los faraones Keops, Kefrén y Mikerinos. Alrededor de ellas se disponía todo un complejo funerario en el que destacaba un templo donde se desarrollaban los ritos funerarios y una avenida ceremonial que conectaba la pirámide con el Nilo. Manifestaban el inmenso poder del faraón.



  • Hipogeos: los continuos saqueos a que fueron sometidas las pirámides hizo a los faraones replantearse sus nuevos lugares de enterramiento, no tan visibles al ojo humano lo que les llevó a realizar otro tipo de monumentos funerarios que salvaguardaran tanto sus cuerpos momificados como sus bienes personales, ya que estaba en juego su pervivencia en la otra vida. Así, al trasladarse la capital a Tebas localizan un lugar mucho más agreste y esconcido en las profundidades de los valles cercanos a esta ciudad. Es allí, bajo tierra, donde se localiza el Valle de los Reyes y el Valle de las Reinas, en Deir el Bahari.Los hipogeos son cámaras funerarias donde fueron enterrados los faraones de los Imperios Medio y Nuevo. Estaban excavados en la montaña para que desde fuera no se apreciara la riqueza del interior. Uno de los ejemplos más conocidos es la tumba de Tuthankamon, hallada por Howard Carter a principios del siglo XX.



  • Los templos funerarios del Medio y Alto Egipcio: se construían lejos de las tumbas como medida de seguridad. Los más conocidos se encuentran en Tebas, en Luxor y Karnak. Eran templos muy complejos y con distintos recintos:



    • Avenida de esfinges: conducía a la puerta monumental del templo y estaba decorada con estatuas de esfinges, figuras con cuerpo de león y cabeza humana que tenían la finalidad de proteger al templo.

    • Obeliscos y pilonos: los obeliscos ran pilares altos coronados por una pequeña pirámide y generalmente repletos de relieves. Los pilonos eran muros gruesos que hacían de entrada al templo.

    • Patio o sala hípetra: era un patio abierto rodeado de enormes columnas. Era el único lugar al que podía entrar el público

    • Sala hipóstila: sala cerrada llena de columnas

    • Santuario: en él se encontraba la estatua del Dios. Era una sala pequeña y oscura que sólo podían visitar el faraón y los sacerdotes.



  • Otros templos funerarios de gran importancia son los speos, templos excavados en la roca. Destacan los dos speos de Abu Simbel, destinados al culto del faraón Ramses II y su esposa Nefertari así como el semispeo de la reina Hatshepsut (en Deir el Bahari)

3. LA ESCULTURA EGIPCIA

Los egipcios creían que era posible asegurar la vida del difunto en el más allá conservando su presencia física (cuerpo embalsamado) y una imagen suya para que su espíritu reviviera a través de ella.

El material preferido para la estatuaria fue la piedra caliza aunque también se utilizó la madera policromada, el bronce o el oro, este último para los relieves de la XVIII dinastía.

Las características de la escultura egipcia, tal y como sucede en la arquitectura, ya quedaron fijadas en el Imperio Antiguo.



  1. Toda la estatuaria humana debía respetar las reglas de la etiqueta formar y solo en los animales se le permitía al artista iniciativas personales. Es un arte oficial y formalista y por ello lleno de convencionalismos.

  2. Las representaciones seguían un lenguaje convencional que implicaba:

    1. Hieratismo y falta de movimiento (ya que en la mayor parte de los casos se representaba al faraón y la intención es que este parezca diferente a los mortales y la falta de movimiento sugiere atemporalidad.

    2. Rigidez, la nuca sujeta a la cabeza y los brazos pegados al cuerpo con los puños cerrados.

    3. Frontalidad. Las imágenes están hechas para ser vistas de frente.

    4. Ley de simetría y armonía en las proporciones. La plástica egipcia se caracteriza por buscar deliberadamente el canon ideal del cuerpo humano, un canon de belleza basado en 18 puños y que se mantuvo inmutable a lo largo de los 3000 años de su historia. En este sentido el pueblo egipcio se convirtió en precursor inmediato de los griegos, sin embargo estos últimos prefirieron la cabeza como modulo de proporción armónica para el ser humano.

    5. Perspectiva jerárquica. Al desconocer las leyes de la perspectiva aumentan el tamaño de los personajes más importante.

    6. En los relieves se emplea la visión rectilínea (ojo y extremidades de perfil y cuerpo de frente).

    7. Aunque tenían un profundo conocimiento de la anatomía del cuerpo humano, no les preocupaba el naturalismo, por lo que no profundizaban en los detalles anatómicos, produciendo una visión idealizada y superficial del representado y la ejecución geométrica de su musculatura.

    8. Los paños suelen se escasos y rígidos en las figuras masculinas (faldellín corto), mientras que en las femeninas se adaptan y pegan al cuerpo.

    9. En cuanto Al tratamiento psicológico, los rostros son inexpresivos, con la vista perdida en el infinito y ojos almendrados que dan lugar a imágenes frías y alejadas del espectador.

    10. En las representaciones de personajes vulgares se aprecia una mayor carga de realismo y el rasgo definitorio es su humanización lo cual está relacionado con la función funeraria de la escultura en cuanto que el humano desea que su Ka pueda reconocerse es sus estatuas.

La rigurosa y severa estilización del Imperio Antiguo y el áspero realismo del Imperio Medio fueron reemplazados por un estilo cortesano en el que se combinaban perfectamente la elegancia y la cuidadosa atención hacia los detalles más delicados. En el reinado de Amenofis IV y en los talleres reales se da un tratamiento final a las obras que acentúa la sensualidad de las formas, como fruto de la búsqueda de una nueva definición del cuerpo humano. Las razones estuvieron en el cambio de culto a Atón, dios solar, e imaginando y proyectando una línea artística encaminada hacia esta nueva dirección, es decir, a eliminar el hieratismo tradicional del arte egipcio. Al comienzo de su reinado se utilizó un realismo casi caricaturesco, pero poco a poco fue derivando hacia un estilo de sutil belleza y profunda ternura, cualidades perfectamente ejemplificadas en la cabeza de piedra caliza pintada de su esposa, la reina Nefertiti

Entre las representaciones más destacadas se encuentran:



  • estatura entronizada de Kefrén (2530)

  • Tríada de Mikerinos (IV)

  • Rahotep y su mujer Nofret;

  • Cheikh el –Beled

  • Escribas sentados

  • “Colosos de Mennon” (Imperio Antiguo)

  • Retratos del faraón Akhenatón (XVIII)

  • Busto de  Nefertiti (1350)

  • Sarcófago de Tutankhamón

4. LA PINTURA EGIPCIA

La pintura mural egipcia está sometida a las mismas reglas y convencionalismos del relieve. Las figuras carecen de profundidad y volumen, las formas son planas y la única perspectiva que existe es la jerárquica, que aumenta o disminuye el tamaño de los personajes según su importancia social. Todos los objetos están colocados en un único plano, paralelo al espectador, para poder apreciar bien los detalles. Predominan los colores alegres y cálidos (rojo y amarillo). El color es plano y sin matices. Las figuras están dibujadas de modo muy preciso, a veces contorneadas en negro



La pintura mural al fresco tenía la misma función que el relieve y servía para decorar las paredes de las tumbas con escenas de la vida cotidiana egipcia: trabajos agrícolas, caza y pesca, banquetes, bailes etc. Son muy interesantes las pinturas de las mastabas del Imperio Antiguo , como la de Ti en Saqqara, destacando por su naturalidad las famosas Ocas de Méidun. La pintura reemplazó a los relieves en el Imperio Nuevo en la decoración de los hipogeos de la necrópolis del valle de los Reyes en Tebas.La pintura se usó también en la decoración de sarcófagos y la ilustración de papiros como el Libro de los muertos.

TEMA 3: EL ARTE GRIEGO

1. Introducción histórica

Surgida a las orillas del Mediterráneo hacia el III milenio a.C., alcanzó su apogeo en torno al siglo V a.C. Desde mediados del III milenio a.C. aparecen en el Egeo signos de civilizaciones urbanas. Los restos más antiguos pertenecen a Creta, isla que se convirtió por su privilegiada situación en la ruta marítima que unía Oriente y Occidente, y escala básica para el comercio con Egipto y Mesopotomia. La hegemonía de Creta en el Mediterráneo Oriental duró hasta mediados del II milenio a.C., época en la que pueblos invasores procedentes del norte dominaron la isla y se adaptaron a la vida comercial del Egeo. A partir de este momento surgirán nuevos centros, como Micenas y Tirinto, ciudades que exportaban materias primas y minerales a Egipto y Mesopotamia, como estaño o ámbar, que a su vez importaban de los territorios europeos.

El mundo de la civilización cretense y micénica fue destruido hacia 1150 a.C. por una nueva invasión, también procedente del norte: los dorios. A partir de este momento entró Grecia en una etapa de decadencia y atraso, de la que no saldrá hasta el siglo VIII a.C.

La Grecia antigua se extendía desde el sur de la península de los Balcanes por las islas de los mares Egeo y Jónico, las costas de Asia Menor (la actual Turquía) y el Mediterráneo occidental. Los habitantes de estos territorios, los griegos o Helenos, como ellos se llamaban así mismos, es decir, habitantes de “Helas” o la Hélade, hablaban la misma lengua y tenían la misma religión. A comienzos del siglo VIII a.C. aparecen organizados en polis, independientes entre sí, constituidas por un conjunto de tribus que se habían unido para defenderse en caso de agresión. Entre ellas destacó Atenas.

La polis

La concepción ateniense de ciudad era una comunidad en la que sus miembros habían de llevar una vida común armónica, en la que había que permitir tomar parte activa a tantos ciudadanos como fuera posible, sin discriminación basadas en el rango o la riqueza, y en la que encontrasen canalización espontánea y feliz las capacidades de todos y cada uno de sus miembros. Las actividades de la polis se realizan con la cooperación voluntaria de los ciudadanos y el instrumento principal de esa cooperación es la libre y plena discusión de la política en todos sus aspectos.

Etapas

La historia de la antigua Grecia se divide en tres grandes periodos:

Época arcaica entre los siglos IX y VI a. C

Época clásica durante los siglos V y mitad del IV a.C; y

Época helenística desde mediados del siglo IV hasta el siglo I a.C



2. EL ARTE CLÁSICO

El término clásico se utiliza comúnmente en dos sentidos, con frecuencia indica simplemente la excelencia. Se dice que un clásico es un ejemplo destacado de un tipo. También se usa en sentido histórico, por ello las civilizaciones griega y romana se conocen colectivamente como la “antigüedad clásica” para distinguirlas de las civilizaciones de Egipto y del Próximo Oriente.

Para los griegos, los períodos arcaico y clásico significaron un emocionante cúmulo de experiencias que valía la pena vivir; pensadores y hombres prácticos constantemente descubrían e inventaban cosas nuevas. Era también un momento crítico para el desarrollo del arte.

2.1. LA ARQUITECTURA

a) Características generales

Dentro del arte plenamente griego encontramos una completísima evolución, desde lo arcaico a lo barroco, desde lo estilizado a lo más realista. La cultura griega lejos de ser autóctona, es el resultado de la integración de diversos factores. Así, los dorios aportan el estilo geométrico de la cultura de Hallstatt, de los sometidos aqueos reciben todo el legado prehelénico y los territorios minorasiáticos deparan a Grecia la posibilidad de recibir la cultura del Próximo Oriente. Pero el milagro griego no se hubiera producido simplemente por la fusión de estos elementos. Fue preciso que Grecia cambiara por completo el panorama político y mental y creara las bases de la democracia y el estado moderno.

En Grecia desaparece el colosalismo oriental, el hombre en Grecia es la medida de todas las cosas. De ahí que la arquitectura se valga de una proporción en armonía con el hombre. Se distingue por la perfección técnica, predominando el trabajo en equipo, aceptándose la suprema dirección del maestro.

Conocemos el arte griego a través de pocos restos, generalmente columnarios. Pero ordinariamente desconocemos el valor del macizo, pocas son las cellas de los templos conservadas. Desde el siglo VII a.C comenzó a tallarse la piedra, y se fueron dejando de lado los materiales perecederos como el adobe, la madera y la arcilla. El predominio de la piedra se hizo más intenso a raíz del contacto con los talleres de escultura.

La perfección técnica y el gusto de la construcción aparecen ya patentes en la utilización del aparejo, el simple muro para los griegos era ya un elemento estético. Entre escultura y arquitectura existe una compenetración de las formas que evita aglomeraciones.

La arquitectura griega es arquitrabada, utiliza elementos de cierre horizontales, lo que no significa que no conocieran el arco y la bóveda

Esta arquitectura es resultado de concienzudas reflexiones, la arquitectura se subraya con determinados elementos ornamentales como el meandro, dispuesto en sentido de cinta continua, la espiral, tema neolítico reincorporado a Grecia por medio del arte cretense; la roseta, las ondas, el entrelazado de formas curvas, de origen mesopotámico; las ovas, las perlas y las palmeras.



b) El templo griego: el Partenon

El templo griego ignora el espacio interno. No hay concepción espacial en la arquitectura helénica. El templo esta concebido como la morada impenetrable del dios; los ritos tienen lugar fuera, el templo, es pues, la residencia del dios, que tiene en su interior su propia imagen; las ofrendas que recibe se guardan en la cámara del tesoro (opistódomos). Los proyectistas son arquitectos-escultores. Como esta arquitectura esta humanizada, es decir, hecha a escala humana, los templos son más bien pequeños, a lo que contribuye el hecho de no constituir lugar de reunión. Para los griegos la arquitectura es número, proporción, masa equilibrada. Consiguieron llegar a la armonía entre las partes y elementos arquitectónicos, que quedaron como arquetipos para el porvenir. Así surgieron los órdenes que pueden definirse como soluciones armónicas de elementos tectónicos y decorativos. En principio, hubo solo dos órdenes, el dórico y el jónico que parecen la aplicación plástica de dos elementos culturales que actuaron en Grecia desde un principio. Lo dórico encarna lo fuerte viril y señero; lo jónico lo elegante, fastuoso, delicado y femenino. El orden corintio es una variante de orden jónico, se utiliza en la arquitectura helenística y romana; y se diferencia del anterior por su capitel decorado de hojas de acanto y pequeñas volutas en los ángulos. (Templo de Zeus Olimpo Atenas 174-131 a. c.)

A juzgar por los restos que aún se conservan solo se pintaban determinadas partes del templo. Era el caso del fondo de las metopas, los triglifos, el friso… que recibían una policromía en tonos azules, rojos o dorados. De este modo, se resaltaban las diversas partes del templo dándole mayor armonía y efecto.

El edificio de orden dórico, se asienta sobre un basamento o estilóbato, divido en gradas en todos sus lados, que sirven para subir. En el estilo dórico, las columnas arrancan directamente del suelo. El fuste que simboliza el árbol, se hunde en el terreno, sugiriéndonos estéticamente la noción del peso que soporta. El fuste de la columna va disminuyendo de diámetro hacia arriba, y en toda su altura lleva acanaladuras de cortante arista, las cuales sirven de decoración y al paso provocan en nosotros por su inflexibilidad, una gran impresión de firmeza, como remate se coloca el capitel. Entre el capitel y el fuste hay una corona de ranuras que integran el collarino. El capitel consta de dos partes: el equino, una moldura convexa, y el ábaco, especie de dado de poca altura que recibe la carga del edificio. Se ve una alternancia sabia de curvas y rectas.

La carga en este estilo y en cualquier edificio griego se dispone horizontalmente y actúa en sentido de la vertical. Los griegos emplearon en todos sus edificios el arquitrabado. Esta gran masa horizontal es el entablamento, que en el estilo dórico recibe los siguientes nombres, la parte inferior es un ancho listón de piedra llamado arquitrabe. Sobre él monta el friso, dividido en espacios cuadrados, donde alternadamente se disponían los triglifos, y las metopas que generalmente se decoran con relieves, si bien a veces quedan vacíos. Los triglifos asoman en el arquitrabe por unas terminaciones llamadas gotas.

Todo queda cubierto por la cornisa, que con su vuelo protege al templo de la lluvia, la cornisa es la base del frontón triangular, decorado con esculturas en su interior (tímpano). El tejado era a doble vertiente para proteger el edificio de las lluvias y se decoraba en los laterales con gárgolas.

El orden jónico se distingue por una mayor esbeltez. Las columnas son más altas y delgadas que las del dórico. El fuste apoya en una pieza intermedia llamada basa, formada por dos molduras convexas que contienen una cóncava. A veces, la basa apoya en un pedestal cuadrado llamado plinto. El fuste tiene forma cilíndrica, aunque en ocasiones aparece ligeramente hinchado en el centro (éntasis). Lleva numerosas estrías que se separan lo suficiente para evitar la formación de aristas. El capitel tiene una corona de ovas y un cordón de perlas y a los lados las volutas, que constituyen lo más característico del estilo. El arquitrabe difiere del dórico, está dividido en tres listones horizontales. El friso lleva una banda corrida que permanece lisa o se decora. La cornisa posee menos vuelo que en el estilo dórico, decorada con ovas o dentellones.

El orden corintio es muy semejante al jónico, la diferencia principal estriba en el capitel, decorado con hojas de acanto y unas reducidísimas volutas en los ángulos, con otras intermedias.

Los templos se orientaban de este a oeste, como la cubierta era a dos aguas, en cada fachada se originaba un cuerpo triangular, el frontón venía a ser la solución armónica de las líneas horizontales y verticales. La parte interior del frontón, el tímpano solía ocuparse con escenas escultóricas. El templo responde a una organización totalmente simétrica, el ápice del frontón indica el eje de simetría de las fachadas este y oeste, pero de costado existe igualmente simetría.
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