Expresiones artísticas profesor arcesio gordon quirós c. E. B. G. Salomón ponce aguilera – san juan de dios



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Aporte y legado artístico y cultural de las civilizaciones antiguas


Puede llamarse Arte Antiguo a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de la escritura, destacando las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades.

Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme, surgida en Mesopotamia.Los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura, reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. En Egipto se desarrolló la escritura jeroglífica. La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto, que relaciona un único símbolo a cada fonema; de aquí derivan los alfabetos griego y latino.



Arte Antiguo[]

  1. Egipto

En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado

La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra, en grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Destacan los monumentos funerarios, con tres tipologías principales: la mastaba, tumba de forma rectangular; la pirámide, que puede ser escalonada o de lados lisos; y los hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios. La otra gran edificación es el templo, conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos.

La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista, aunque con gran rigidez y esquematización. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo, con formas tendentes a la geometrización, dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena.

La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.





  1. África

El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones de signo ornamental. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran cabeza, tronco recto y miembros cortos. También se producían cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de metalurgia –el hierro era conocido desde el siglo VI a. C.–. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok, en el primer milenio a.C., situada en el norte de la actual Nigeria. Destacan las esculturas de terracota, con figuras humanas –a veces sólo la cabeza– o de animales (elefantes, monos, serpientes), de gran sentido naturalista, mostrando expresiones faciales de signo individualizado, con diversos peinados, a veces con collares y brazaletes. La pinturas y grabados rupestres se remontan al Neolítico.



  1. Arte clásico

Se denomina arte clásico[] al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.

El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental.



El período clásico representa la culminación y perfeccionamiento de todas las manifestaciones artísticas griegas, tanto a nivel formal como técnico.

 Es la “Edad de Oro” del arte griego, la época de plenitud, en la que se elaboran los tipos más representativos del ideal de belleza clásico.    El ideal de belleza no presenta sólo una dimensión física sino, sobre todo, una profunda dimensión espiritual. La proporción y el equilibrio son el fundamento de la virtud ciudadana que alcanza su mejor expresión en el triunfo del sistema democrático ateniense.
A. El arte griego clásico se desarrolla en el siglo V A.C., se caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad y equilibrio de los elementos. Se interesa por reflejar la expresividad genuina en la figura humana. Se basó en la naturaleza y en el ser humano, dándole importancia a la armonía, la racionalidad de las formas y los volúmenes. Como una obra de este periodo podemos mencionar el Discóbolo de Mirón. Entre los escultores más destacados tenemos a: Mirón, Fidias y Policleto.

  1. El arte romano se nutre de dos fuentes diferentes: El arte Etrusco y el arte griego. La arquitectura romana presenta dos facetas fundamentales: La arquitectónica y la ingenieril. Las principales técnicas utilizadas por los romanos fueron: el arco, la bóveda y la cúpula. Los sistemas decorativos que usaron los romanos fueron: La escultura ornamental, la pintura mural y los mosaicos.



PERIODOS DEL ARTE

  1. Barroco

El barroco[] se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto.

La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos y el punto de vista del espectador

La escultura adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, destacando el movimiento y la expresión, con una base naturalista pero deformada a capricho del artista.

La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro –el llamado tenebrismo–, donde cabe citar a Caravaggio. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), de estilo decorativo y predominio de la pintura mural, destacaron Pietro da Cortona.



Pintura Barroca española de José Sánchez Cotán



    1. Rococó

Desarrollado en el siglo XVIII[]en convivencia a principios de siglo con el barroco, y a finales con el neoclasicismo–, supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social.

La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de moda lo exótico, especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania,.

La escultura tiene un aire grácil, refinado, con cierta pervivencia de las formas barrocas, especialmente por influencia de Bernini.

La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo .



Escultura Rococó Arquitectura Rococó



ACTIVIDADES

  1. Introducción al tema con participaciones individuales. (Lecturas, lluvia de ideas, participaciones individuales.) (diagnóstica y formativa)

  2. Se forman grupos de trabajo, donde cada grupo tendrá un coordinador – moderador.

  3. Cada grupo desarrollará las siguientes actividades:

  1. Realiza una lectura general del tema.

  2. Lee comprensivamente cada párrafo del tema.

  3. Analiza y discute lo más importante del tema.

  4. Anota las ideas principales.

  5. Selecciona palabras para buscar en el diccionario.

  6. Investiga en Internet el tema y observa videos de las diferentes civilizaciones antiguas.

  7. Define y discute el significado de las palabras seleccionadas. (formativa)

  8. Participa grupal o individualmente, exponiendo su comprensión del tema. (formativa).

  9. Realiza prueba escrita sobre las palabras seleccionadas. (Sumativa – Pareo).

  10. Elabora y presenta un informe escrito, de forma grupal, donde estén plasmados los aspectos más importantes del tema, incluyendo un Cuadro Sinóptico del Arte Antiguo y un Cuadro comparativo de los periodos Barroco t Rococó. La información debe ser exclusiva de Arte. Sumativa – Heteroevaluación – Rúbrica.

Observaciones: El coordinador de asignatura mantendrá una copia de los instrumentos de evaluación. Para ver los videos debe irse a YUO TUBE – Historia del Arte antiguo.

VOCABULARIO

  1. Anecdótico: Suceso curioso que se cuenta en un relato.

  2. Canon: Reglas de las proporciones de la figura humana.

  3. Cuneiforme: Caracteres en forma de cuña.

  4. Esquematización: Representación de una cosa por medio de líneas.

  5. Estética: Ciencia que trata de la belleza.

  6. Exenta: Eximirse de alguna cosa.

  7. Jeroglífico: Escritura que representa las palabras con figuras o símbolos.

  8. Ornamental: Adorno, algo que hace vistosa una cosa.

  9. Paroxismo: Imitación burlesca escrita de una cosa.

  10. Sintaxis: Parte de la gramática que enseña a coordinar palabras.

  11. Yuxtapuesta: Poner una cosa junto a otra.



  1. DIBUJO

    1. El Bodegón

Es la representación de cosas comestibles, utensilios, vasijas, etc. Un libro, una lámpara, frutas que hay en casa, sirven para las primeras prácticas de un bodegón.

Por el bodegón, se puede realizar la fascinadora función de combinar y pintar. Un doble juego de concepción imaginativa y de representación. Al combinar dos o más objetos formando un grupo, bosquéjese el contorno completo y luego analícese las proporciones, intentando sentir la calidad, el interés, la variedad y el equilibrio.

Establézcanse siempre los objetos en un grupo acordado con la forma del marco. Si el grupo es alto, el marco deberá ser alto; si el grupo es apaisado, el marco será horizontal.

Los paños deberán caer naturalmente y no dar nunca la impresión de que están arreglados con exceso de precisión.



ACTIVIDADES

  1. Introducción al tema con participaciones individuales. (Lecturas, lluvia de ideas, participaciones individuales.) (diagnóstica y formativa)

  2. Realiza una lectura general del tema.

  3. Lee comprensivamente cada párrafo del tema.

  4. Analiza y discute lo más importante del tema.

  5. Anota las ideas principales.

  6. Observa ejemplos de Bodegones.. (videos, láminas, etc.)

  7. Participa grupal o individualmente, exponiendo su comprensión del tema. (Formativa – Apreciación).

  8. Aplica el conocimiento en diferentes trabajos. Individual o grupalmente.

  1. Dibuja y sombrea un bodegón sugerido. Formativa – Autoevaluación – Lista de Cotejo.

  2. Dibuja y sombrea un bodegón creativo de tres elementos. Formativa – Coevaluación– Lista de Cotejo.

  3. Dibuja y pinta, con lápices de colores, un bodegón creativo de tres elementos, aplicando todos los valores tonales. Ambientarlo. Sumativa – Heteroevaluación – Rúbrica.

2.2. Paisajes

No hay nada tan agradable y placentero, como el dibujo del paisaje. Todo cuanto nos rodea está a nuestra disposición para llevarlo al papel; el árbol, el río, las montañas y todo el cielo. Esto puede ser realizado con lápiz de mina blanda, lápices de colores, carboncillo, pluma o pincel.

Un paisaje se define por diferentes planos: Primer plano; es el más cerca al observador, se manifiesta más preciso. El segundo plano o intermedio; aparece más debilitado respecto a los valores tonales. El tercer plano; se funde en sus áreas, perdiendo detalles de valor y dando una sensación de alejamiento.

Para tener una mayor seguridad en el trazo, el apunte rápido o croquis, permite soltar la mano y definir sin vacilación, la idea del paisaje.

Una buena ayuda para seleccionar lo que se quiere dibujar de un paisaje, es el uso del marquito visor. Este se construye con un trozo de cartón o cartulina, de un tamaño aproximado de: 10 x 13 cm. Por él se podrá seleccionar, colocándolo ante la vista más cerca o distante de los ojos.

La utilización de la perspectiva en el dibujo, permite “exagerar” todo cuanto nos presenta a la vista, ya que se basa en la suposición de una proyección de la imagen natural.

Debido a la ampliación del ángulo visual del observador, a medida que se aleja, el campo visual aumenta. Es por este fenómeno óptico que las cosas parecen disminuir de tamaño.

ACTIVIDADES


  1. Introducción al tema con participaciones individuales. (Lecturas, lluvia de ideas, participaciones individuales.) (diagnóstica y formativa)

  2. Realiza una lectura general del tema. - formativa

  3. Analiza, discute y anota lo más importante del tema.

  4. Observa ejemplos de Paisajes. (videos, láminas, etc.)

  5. Participa grupal o individualmente, exponiendo su comprensión del tema. (Formativa – Apreciación).

  6. Aplica el conocimiento en diferentes trabajos. Individual o grupalmente.

  1. Dibuja y sombrea a color un paisaje rural, urbano y marino. Formativa – Coevaluación – Lista de Cotejo.

  2. Dibuja y pinta, con lápices de colores, un paisaje creativo, aplicando todos los valores tonales. Ambientarlo. Sumativa – Heteroevaluación – Rúbrica.

PRUEBA I TRIMESTRE – 9 GRADO

En una hoja de libreta, sin marco, en formato horizontal, dibujar un paisaje rural donde estén plasmados todos los elementos de la Perspectiva y los tres planos, claramente establecidos. Pintar con lápices de colores, aplicando todos los valores tonales conocidos. En este trabajo debe haber: árboles, montañas, animales, rio, una casita, el sol y cualquier otro elemento de tipo rural que le quiera agregar.

Este trabajo será evaluado mediante una rúbrica, la cual presentamos al final de estas indicaciones

Es importante que practique antes del examen. Observe las diferentes imágenes de paisajes que hay en el tema.



Ejemplo de paisaje, no es para que lo haga igual.



SEGUNDO TRIMESTRE

I. DIBUJO

  1. La Figura Humana

    La clave para llegar a dominar el dibujo correcto de la figura humana es la práctica incansable, combinada con el conocimiento de las estructuras internas, de su lógica, así como de unas proporciones generales.



Sabemos por observación directa que cada cuerpo es diferente. Sin embargo consideraremos que el canon de la figura humana comprende de siete a ocho cabezas de altura.
El punto medio de la altura se encuentra en el pubis. Los codos aproximadamente en la cintura, y los brazos colgando hasta la parte superior del muslo.

Proporción básica de la figura humana

Por lo general a la hora de dibujar el cuerpo humano hay que tener en cuenta las

cabezas de la proporción. Una cabeza es un espacio o casilla (numerada

descendentemente del 1 al 7) en donde se ubica una fracción del cuerpo a dibujar.





Hay que tener en cuenta las principales diferencias entre la figura masculina y la femenina:



  1. El pecho es más bajo en la mujer que en el hombre.

  2. La caja toráxica (cintura) es más amplia en el hombre que en la mujer.

  3. Las caderas son más anchas en la mujer.

  4. Las extremidades superiores e inferiores son más delgadas en las mujeres (esto es crucial a la hora de darles feminidad).

  5. Una vez dominados estos parámetros podremos crear personajes diferenciando los masculinos de los femeninos.


Bocetos de Movimientos







La anatomía y la proporción de la figura humana son dos factores que se hallan siempre interrelacionados




ACTIVIDADES



  1. Introducción al tema. ( Lecturas voluntarias, participaciones, breve análisis del tema.) Apreciación.




  1. Dibujar bocetos de las diferentes partes de la figura humana. Luego terminarlo en casa. ( Formativa – Apreciación).

  1. Una mano sosteniendo un objeto.

  2. Ambos pies, donde se observen los dedos.

  3. Ojos y cejas.

  4. Nariz de perfil.

  5. Boca con labios sonreídos.

  6. Rostro femenino de frente.

  7. Rostro masculino de perfil.

  1. Dibujar y sombrear una figura humana masculina y otra femenina. Puede ser estática o en movimiento. (Sumativa).





II. PINTURA

Se caracteriza por la representación de la forma en superficies planas, por medio de estudios de la luz y el color.



  1. Modalidades de la Pintura

Las principales modalidades de la pintura son:

  1. La Acuarela

Técnica pictórica que se basa en la dilución de colores por medio del agua.

Para trabajar con la acuarela, se recomiendan pinceles suaves. Se utiliza un papel especial.

Se inicia con húmedo sobre seco, de claro a oscuro sobreponiendo color, dejando que la pintura corra libremente y corregir de ser necesario.

Para mezclar colores se utilizan bandejas blancas de material plastificado con compartimientos en forma de pocillos.

Entre otros útiles tenemos: recipiente, makentape y toalla.


  1. El Pastel

Técnica pictórica a base de polvo solidificado de pigmentos aglutinados con agua de goma.

Se aplica por medio de lápices, barras o tizas de colores; en un papel especial para esta técnica.

Se puede usar con gran libertad. Puede utilizar los dedos, esfuminos, a través de trazos, puntillismo; para dar tonalidades a las formas que se está modelando.

Una vez terminado el trabajo necesitamos usar un fijador, para que no se borre.



  1. Oleo

Técnica pictórica que consiste en disolver los pigmentos colorantes en materia grasa, especialmente en aceite de linaza.

Para empezar, basta disponer con 3 ó 4 pinceles entre planos y redondos. Para los detalles es ideal un pincel redondo y fino de pelo de marta.

Cualquier superficie lisa, que no sea porosa, sirve para preparar y mezclar la pintura al óleo. La más utilizada es la paleta de madera con fórmica.

Los dos soportes tradicionales para la pintura al óleo son: el lienzo y la madera.



  1. Plumilla

Es una técnica donde se simplifican las líneas, se eliminan detalles y se valoran las formas precisas en el dibujo representado.

Para la aplicación de esta técnica, se debe disponer de papel, tinta china, plumillas y pincel. El papel puede ser liso o ligeramente áspero.

Se pueden utilizar los tramados a pluma, para producir tonos o medios tonos.


  1. Acrílico

Es una técnica al agua que al mezclarse con otros materiales espesantes, antiespesantes y otros, se logra una consistencia pastosa o líquida, obteniendo texturas sorprendentes.

Sus colores son muy brillantes, variados y fáciles de mezclar, permitiendo la creación de nuevos tonos y matices.



El acrílico se utiliza además, en ilustraciones de diseños gráficos, textil, en modas, publicidad, en decoración de interiores y grandes murales en exteriores.

  1. Métodos para Pintar



  1. Descriptivo

Imita fiel y detalladamente a la naturaleza, aunque combinando sus elementos, para crear un conjunto bien compuesto y armónico.

  1. Tonal

Describe los objetos y cosas en relación con la luz que éstos reciben, destacando las masas por su volumen y particularmente las cualidades de espacio.

  1. Impresionista

Se desinteresa de las formas y siente a éstas por las cualidades de luz que reflejan del ambiente. Al representarlas pierde sus contornos y desintegran el detalle.

  1. Interpretativo

Impone su reacción emotiva. Para expresar sus sensaciones, transforma, distorsiona y modifica las formas reales y los colores naturales.

  1. Abstracto

Rompe con lo figurativo o representativo y se vale de manchas de colores para crear ciertas combinaciones decorativas o indescifrables.

ACTIVIDADES

  1. Introducción al tema (Lecturas voluntarias, participaciones, análisis y desarrollo del tema).

  2. Desarrollo y discusión del cuestionario.

  3. Prueba formativa y sumativa del tema.

  4. Aplicación

  1. Observarán láminas o videos de algunas técnicas y métodos para pintar.

  2. Dibujar y pintar con acuarela, un tema creativo, utilizando el método interpretativo. (Formativa – Rúbrica).

  3. Dibujar y pintar con acuarela, un tema sugerido, utilizando el método descriptivo. ( Sumativa – Rúbrica).

  4. Dibujar y pintar con plumilla, un tema creativo y otro sugerido, utilizando el método tonal. (Formativa y Sumativa – Rúbricas)

IMÁGENES DE PINTURAS

ACUARELA PASTEL



OLEO PLUMILLA Y TINTA CHINA



ACRÍLICOS



MÉTODOS PARA PINTAR
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