Carrera: expertizaje y valuación de obras de arte



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Universidad del Museo Social Argentino

Carrera: EXPERTIZAJE Y VALUACIÓN DE OBRAS DE ARTE.


PINTURA, GRABADO Y ESCULTURA. NIVEL 2

CÁTEDRA: ARQ. CLAUDIO D’LEO.

APUNTES DE CÁTEDRA.

NIVEL 2. APUNTE 4

Dadaísmo, Surrealismo onírico y abstracto. Arte de posguerra. Arte pop. Arte Optico. Argentina . Escuelas por coincidencia de Vanguardias.

DADAISMO Y TENDENCIAS SURREALISTAS.


  1. Dadaísmo

Dadá abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente durante la primera guerra mundial. Se dice que se eligió una palabra al azar, dadá, para designar esta actividad de protesta y sus obras antiestéticas. Fue fundado en1916 por Tzara, el escritor H. Ball, el artista asociado Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich, al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp,y Francis Picabia. En París inspiraría mas tarde el surrealismo. Tras la primera guerra mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los Dadaístas franceses de París. En1922 el grupo se desintegró.

Sus obras y sus manifiestos buscaban impactar y dejar perplejo al público con el objetivo que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaba materiales nuevos como los desechos encontrados en las calles. El pintor y escritor Schwitters se destacó por sus collages realizados en papel usado y otros materiales similares. El artista M.Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes, un mingitorio, a los que denominó ready-mades . Como movimiento decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos.

Surrealismo.

A pesar de que el dadá había perdido fuerza en torno a 1922, algunos de sus exponentes dirigieron sus energías hacia el emergente surrealismo, en el que, lo incoherente y lo fortuito se emplearon en el proceso de producción. Las obsesivas y oníricas pinturas de Giorgio De Chirico, conocidas en ocasiones como metafísicas, se anticiparon al surrealismo en varios años. Sin embargo fue el escritor André Bretón quien dio el nombre al movimiento y escribió su Manifiesto Surrealista en 1924, asegurando la superioridad del subconsciente y la importancia de los sueños en la creación artística. Los surrealistas no compartieron criterios estilísticos, adscribiéndose sus miembros a diversa tendencias, desde la figuración hasta la abstracción. No obstante tienen en común un ideal de inspiración espontánea e irracional. Los que trabajaron con un estilo figurativo fueron entre otros, Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte, Paul Delvaux y Man Ray, mientras que a al corriente abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

En pintura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores tales como Paolo Ucello, William Blake y al francés Odile Redón. En el presente siglo también son admiradas como surrealistas las obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses Duchamp y Picabia. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp y el estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros.

El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero más tarde fue relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, ya que estaba mas interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de que durante cierto tiempo fue el artista mas renombrado del grupo, su obra fue tan personal que constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.

La pintura surrealista es muy variada de contenidos y técnicas. Dalí por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera mas o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó obras fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles.

La rama surrealista estadounidense está constituida por el grupo conocido como “Los realistas mágicos” bajo el liderazgo del pintor Paul Cadmus.



Surrealismo Abstracto.

En paralelo con la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada Biomórfica, que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por artistas como joan Miró y Alexandre Calder.

Miró parte de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas como “El carnaval del Arlequín”, “El campesino catalán de la guitarra”, “Interior holandés, a menudo comportan una visión humorística o fantástica de la realidad a través de imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. La composición de estas obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre un lienzo de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente Miró produjo obras más etéreas en que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas, y explosiones de color. Aunque fue identificado con la causa republicana, volvió a España en 1940, tras el inicio de la II Guerra Mundial, donde llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista.

Miró también experimentó con otros medios artísticos como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que se destacan los grandes murales "La pared de la luna” y “La pared del sol” (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos Exposiciones de Madrid.

En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Miró en Barcelona, inaugurada en 1975, así como en los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo.

Temática: Dadaísmo y Surrealismo.

Ficha N°: 5

Ubicación Temporal:

Contexto :

Zurich, Berlín, Colonia, Nueva York, París, Barcelona.

Desde 1920 hasta 1940.Peródo entre guerras.



Teorías del Psicoanálisis de Freud.

Teorías filosóficas de Nitzche.

Doctrinas revolucionarais de la época. Debilitamiento durante las etapas de gobiernos dictatoriales.


Antecedentes Estéticos:

Visionarios clásicos como Gieronimus Bosch, Ucello, Goya, imágenes prerrafaelistas, y simbolistas. Posturas temáticas no reales volcadas por el dadaísmo.

Características del Lenguaje:

Dadaísmo: Movimiento anti-artístico contra la forma de apreciación del arte por parte del mundo que se consideraba a sí mismo como civilizado (burguesía). Sin estética formal. Atravesar las barreras de la guerra y el nacionalismo.

Surrealismo: Se basa en la creencia de la omnipotencia de los sueños y en el funcionamiento desinteresado del pensamiento – imagen surrealista, encuentro entre dos realidades diferentes en un plano ajeno a ambas.



Protagonistas:

Consecuencias Estéticas:

Dadaísmo: Ball, Tzara, Hans Arp.

Surrealismo: Mas Ernesto, Juan Miró, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico.

Movimientos artísticos posteriores a la segunda guerra mundial. Pop Art, Accion Paitting, y todas las consecuencias de ambos que desembocarán en el arte conceptual.

Bibliografía:

“Grandes pintores del siglo XX” Edit. Globus

“Historia de la pintura universal” de Herbert Read Edit. Serbal

“Historia del Arte” de Pijoan.

“Historia social de la literatura y el arte” de Haüser”



ARTE DE POSGUERRA.

1.- Introducción.

El régimen de Adolfo Hittler emitió una de las primeras definiciones del Arte Moderno, al agrupar todo lo que en la actualidad se considera como la expresión más bella y reveladora de su tiempo bajo el calificativo de Arte Degenerado. Al hacer esto se aseguró firmemente la supervivencia después de la guerra del arte moderno, prohibido durante la tiranía, se convirtió en un símbolo de libertad. También debido a circunstancias históricas E.E.U.U., se convirtió después de la posguerra en el núcleo del arte moderno. La fuerza creadora que había escapado de Europa, regresó a través del Atlántico magnificada por el sentido de monumentalidad típicamente americano y reforzada por esa estrecha relación, también típicamente americana entre riqueza y vanguardia.

Hasta los años ’40 los pintores de E.E.U.U. habían tendido a seguir los modelos europeos, o habían asumido su dependencia colonial, pero a partir de entonces empiezan a desarrollarse importantes movimientos artísticos. Responsables de ese cambio fueron los acontecimientos que condujeron al estallido de la segunda guerra mundial, ya que muchos intelectuales y artistas europeos se vieron obligados a emigrar a E.E.U.U., donde se convirtieron en una poderosa fuente de inspiración para los artistas más jóvenes. Entre esta nueva generación figuraba Jackson Pollock, Franz Kline, Willen de Kooning, Mark Rothko.

Pero en la posguerra la característica más destacada fue el desarrollo de la llamada “sociedad de bienestar”. La televisión, la publicidad, y los medios de comunicación reproducían las imágenes a una velocidad y con una insistencia desconocida hasta entonces. Prosperidad económica significaba sobreabundancia de bienes de consumo, que ayudaron a incorporar a la cultura una variedad desconcertante de productos, unos prácticos, otros no.

En este ambiente renovado completamente, la seriedad que anidaba en el expresionismo abstracto parecía totalmente fuera de lugar. El gestualismo había nacido en una etapa de crisis social y aunque había dado lugar a muchas innovaciones técnicas, seguía sosteniendo la idea básica , que casi no había cambiado desde el Renacimiento, de que pintar era, comunicar emoción, ilusión o conceptos por medio de signos trazados sobre una superficie plana, exceptuando al cubismo y al dadaismo. En medio de esta situación analizaremos a algunos plásticos que nos permitirán entender a Jasper Johns, y a la cultura Pop.

Francis Bacon: Enorme impacto en la pintura británica de posguerra. Arma el control hacia el descontrol.

Jackson Pollock: Creador del Action Paiting. Fuerza e individualismo. Etapa de experimentación.

Peter Blake: Ha incorporado la imagen de la cultura popular al ámbito del Arte Británico. Antigüedades, objetos victorianos, fotografías, etc.

Jasper Johns: Dio a conocer sus obras en el ambiente artístico de Nueva York, donde presentó una serie de pinturas de motivos, tan inexpresivos como banderas, números, blancos de tiro. Eligió signos que siempre se perciben como parte de un código. Trabajó las pinceladas del gestualismo, añadió el método de la encáustica y añadió luego moldes de yeso y objetos similares a sus composiciones con el deseo de abandonar la pintura de caballete.

2.- Arte Pop.

El Arte Pop, como acabaría conociéndose esa tendencia, era fácil de reconocer y rápido de asimilar. Su evolución condujo al rechazo completo de todo expresionismo y a la exploración del arte minimal, que consiste en reducir los elementos de la obra creativa al mínimo indispensable, por lo general medido en términos de la intervención del autor.

El Pop Art se desarrolló simultáneamente en Inglaterra y en Estados Unidos, cada país aportó su propio estilo, pero en gran medida los motivos y las técnicas fueron comunes, los primeros que dieron nombre a esta tendencia se referían a la cultura popular o de masas, el nombre fue acuñado por el crítico inglés Alloway, que detectó la aparición del movimiento entre sus amigos, diseñadores, arquitectos, que empezaron a reunirse en el I.C.A.; en el grupo estaban Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, que centraron su atención en la cultura comercial, en la que observaron una vitalidad y una inventiva contrapuesta al estatismo del arte de elite, sin referencia a lo real.

Dentro de Estados Unidos, Roy Lichtenstein y Andy Warholl, son los dos artistas que empiezan a cambiar la imagen de la pintura norteamericana, al elegir como motivos los aspectos visuales más obvios de la cultura popular, que configuraban una iconografía ajena a su mundo interior, creada por otras personas, para ser difundida masivamente. El Arte Pop rescató muchos preceptos dadaístas y bastantes ideas de Marcel Duchamps. Evitaron la distinción entre buen y mal gusto y gran parte de lo que era feo, trivial o cotidiano pasó a convertirse en material artístico. Se comenzó a usar los ready-mades que son objetos rescatados al azar del anonimato de la vida cotidiana y lanzados a una nueva autonomía en calidad de objetos artísticos, desafiando a las formas de arte y creando un Anti arte.



3. Arte Optico.-

Frank Stella va a aprovechar las virtudes del acrílico y va a tender hacia una pintura abstracta, lejano al expresionismo y al neoplasticismo, pasará a los juegos geométricos, muchos artistas lo siguieron con este tema de la información geométrica generando el Opt Art. Existen dos tipos de obras básicas: a) Obras oscilatorias deslumbrantes, se basan en la repetición de elementos geométricos, dinámicos, en blanco o negro o en contraste de complementarios. b) Obras de acertijo espacial, se basan en representar estructuras en perspectiva isométrica que provocan inversiones y trampas volumétricas.

Tanto el Arte Optico como el Arte Cinético o Industrial comparten principios técnicos y críticos con el Arte Pop del que es figura pionera Luis Badosa, que evolucionó en una neofiguración integrando la industria y el Arte, cambiando el lenguaje clásico de bosques y pueblos por otro paisaje más peculiar de bosques fabriles con estructuras metálicas enmarañadas.

A partir de estas tendencias, el Arte evoluciona frente a las primeras manifestaciones de la forma conceptual, donde se demuestra la reducción o la destrucción de las técnicas y los materiales, hecho que conduce a la magnificación de la función del artista, de sus motivaciones y actividades, del Arte Pop se desprende: Perfomance Art, Ambiental Art, Minimal Art, Ready-Mades y Arte Efímero.




Temática: Arte de posguerra.

Ficha n°: 6

Ubicación Temporal:

Contexto:

Tendencias: Arte pop, arte óptico, arte cinético, arte industrial. Países aliados de Europa y E.E.U.U. 1950- 1960

Posguerra, Supervivencia del arte moderno, sentido de monumentalidad típicamente americano, relación equívoca entre riqueza y vanguardia.

Antecedentes Estéticos:

Escritos de Marcell Dunchamp. Características de los Ready-mades. Modismos y puesta en práctica del Dadaísmo.

Bibliografía:

“Historia Social de la Literatura y el Arte” de A. Hauser.

“Técnicas de los Artistas Modernos” de Hermann Blumme.

“Breve Historia conceptual del Arte”



ARGENTINA.

GRUPO NUEVA FIGURACION.

En 1961 las búsquedas de cuatro jóvenes coinciden en la exposición que se realiza bajo la denominación de “Otra Figuración”, intervienen Ernesto Deira, Rómulo Macció, Felipe Noé y De la Vega, en todos ellos hay una necesidad de rescatar a la figura del hombre perdida en la maraña del geometrismo y el informalismo. Esta postura no significa sin embargo, un retrorno a los planteos tradicionales del realismo, a estos artistas les interesa representar al hombre actual, que vive inmerso en un mundo caótico, agitado. El propio Noé señala “Otra figuración no es otra vez figuración… la imagen del hombre de hoy es distinta de la imagen del hombre de ayer. El hombre de hoy no está guardado detrás de su propia imagen, está en permanente relación existencial con sus semejantes y las cosas. Este elemento relación considero que es el fundamental en otra figuración. Las cosas no se consumen entre sí, sino que se confunden entre sí, creo en el caos como valor. Dentro de ese caos la figura no es en mi obra un elemento casual, creo en la revalorización de la figura humana, no en el retorno a la figuración.

Esta idea será representada con imágenes que se fusionan en manchas que, a la manera de lava hirviendo se desarrollan en extraños personajes que se corresponden en un cromatismo intenso y expresan un vitalismo desbordante.

La actividad grupal resultó una verdadera obra colectiva, numerosas telas cuentan con la participación de todos los integrantes o por lo menos dos de ellos. Críticas mordaces y despiadadas se manifiestan hacia la sociedad de consumo, estas actitudes causan el estupor en el espectador desacostumbrado a este tipo de manifestaciones.


Luis Felipe Noé


Quizás el mas controvertido del grupo, en 1965 publica su primer ensayo, Antiestética, donde expone su pensamiento respecto de la creación basada en la libertad, terminando con los prejuicios que limitan el campo estético, también resume su concepción de la realidad como una emergente de un caos que es el verdadero orden cósmico.

El viaje a París significa el epílogo de la pintura de Noé, allí se da cuenta de que construimos imágenes parcializadas, apoyándose en esta teoría comienza a ejecutar el cuadro dividido, este representará fragmentos diferentes de una misma realidad, Noé viaja a Nueva York, donde se instala y efectúa varias exposiciones con esta tendencia, al verificar la imposibilidad de la visión múltiple arroja su obra al río Hudson.

Su segunda etapa tiene que ver con la visión múltiple donde integra a sus telas las de otros artistas entre ellos del grupo Nueva Figuración como así de Aisemberg, Barilari, Perez Celis. En 1966, efectúa una exposición llamada “Saldos, por cambio de ramo”.

Jorge De La Vega nació en Buenos Aires en 1930 y murió en 1971. Estudió arquitectura aunque no llegó a graduarse. En 1959 y 1960 se inclina por la Abstracción. Luego de una etapa a la que estuvo ligado a la abstracción geométrica, De la Vega se volcó a la neofiguración con recursos del grafismo exasperado y la gestualidad de origen informalista. Luego se tematiza de monstruos extraños y primitivos y usa las perspectivas oblicuas en telas donde pega botones, trapos, vidrios e ilustraciones.

En su última etapa iniciada en 1965 en Estados Unidos se vuelca a la interpretación del mundo contemporáneo donde multitudes de hombres y mujeres se mezclan en una espantosa confusión. Una sociedad de masas con alegría y frivolidad ajenos a la alienación de la época, volcada al hedonismo y consumismo. Su mirada no es dramática sino que resalta lo ridículo utilizando un lenguaje gráfico contaminado de las revistas norteamericanas.



Romulo Maccio nació en Buenos Aires en 1931. Autodidacto. Hacia 1960 sus telas muestran los rastros de una actividad violenta. Garabatos y signos entre los que surgen el cuerpo humano. Los ojos, narices y bocas parecen fragmentos de alguna destrucción. Poco después se transforma en formas simples, geométricas, de colores saturados y contradictorios. A esta etapa corresponde “Momia” en 1963 que obtiene el primer premio del I. Di Tella. En estas obras contribuye a crear una aparente ruptura con la unidad. Poco después inicia una etapa más reflexiva. Como siempre el Hombre es el tema y no el motivo de su pintura. El Hombre y su lucha por su alienación, por su libertad. En 1964 muestra como una trepanación que reemplaza al cerebro y una técnica precisa, definida. En París pinta sus “Rostros Blasones” en 1968 y comienza una serie de personajes estereotipadas con técnicas de historieta. Hacia 1971 sus personajes se pueblan de ojos que se multiplican. Juega con la visión del espejo que duplica la imagen. Esta serie fue presentada en Nueva York y en Milán en 1974.

Ernesto Deira nació en Buenos Aires en 1928 y murió en París en 1986. Expuso por primera vez en 1958 donde presentó paisajes y naturalezas muertas con cierto carácter expresionistas. Deira refleja cierta violencia psíquica y espontaneidad expresiva.. En la muestra “Otra Figuración” presentó una obra trágica y sombría referida a los campos de concentración nazi titulada: “Campos de Concentración”. Luego realizó pinturas de rostros sin ojos rodeados de recuadros. En 1968 realizó una muestra con el título de ”Rollos Desenrollados” donde toda la sala de exposición se encontraba recubierta, desde el cielo raso hasta el piso, por largas tiras de papel en las que había dibujado infinitas figuras con distintas técnicas. Luego se tornó más sereno. La figura humana incluida en un conjunto casi abstracto de planos que se superponen y yuxtaponen fue su tema reiterado. Su color, algunas veces sobrio, en otros casos plenamente saturado y con figuras siempre recortadas por el trazado lineal. Sus dibujos son espontáneos y de personajes metamórficos y sarcásticos.

Antonio Segui. Si bien nació en Córdoba y desde el año 1965 se radica en Paris y nunca perteneció al grupo, las simientes de sus trabajos cumplían con la misma disciplina ideológica de los pintores de nueva Figuración, sólo que manteniendo una carga individual ya que no coincidía con los resultados de la visión múltiple ni la realidad fragmentada.

GRUPO ESPARTACO.

En 1957, en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, expuso un pequeño grupo de pintores que proponía una renovación del arte de contenido social. Lo integraban Ricardo Carpani, Juan Manuel Sánchez y Mario Mollari (Buenos Aires 1930). La crítica en esa ocasión señaló el acento americano de sus pinturas y las inevitables referencias a Rivera, Siqueiros, Orozco y Portinari. Poco después dieron a conocer un Manifiesto en el que afirmaban: “El arte revolucionario latinoamericano debe surgir, en síntesis, como expresión monumental y pública. El pueblo que lo nutre deberá verlo en su vida cotidiana. De la pintura de caballete, como lujoso vicio solitario, hay que pasar resueltamente al arte de masas, es decir, al arte”.

En 1958 el grupo se amplió con la integración de Esperilio Bute (Entre Ríos 1931) Carlos Sessano (Buenos Aires 1935) Julia Elena Diz (Buenos Aires 1928) (Buenos Aires 1928) y algunos otros. En 1959 los mismos artistas fundan el Movimiento Espartaco, que realizó su última muestra en 1968. Estos pintores provenientes del troskismo, disentían con el realismo socialista. Por ello no intentaron representar la realidad fáctica crudamente desenmascarada. No pintaron con un lenguaje naturalista, ni lo hicieron con énfasis descriptivo. Buscaron, con un lenguaje más contemporáneo, una expresión simbólica del trabajo y de las luchas sociales. Por esa vía construyeron una iconografía del campesino y del proletario fundada en formas pétreas, de apariencias escultóricas. En algunos casos sus obras adquirieron acentos dramáticos, no ajenas a las influencias de Portinari y Gromaire.

Ricardo Carpani: (Tigre, provincia de Buenos Aires, 1930-1997) es el artista más destacado del grupo. Luego de una estadía de dos años en París, estudió brevemente en el taller de Pettoruti. Durante largo tiempo mantuvo la ortodoxia original del grupo Espartaco.

Sus pinturas, según una interpretación de Hernández Arregui, presentan “figuras monumentales que no miran adelante, sino al porvenir de la humanidad”. Así mismo, los elementos secundarios de sus composiciones, (fábricas, chimeneas, remaches, engranajes) no son la fábrica “Siam” o los deleites estéticos del señor Di Tella, sino la cultura tecnificada, deshumanizada del presente, que encuentra su opuesto en el levantamiento de los pueblos”.

Carpani nunca dejó de buscar los medios lingüísticos que confirieran a sus escenas y personajes mayor densidad simbólica y la más óptima condición comunicativa. Vinculado a la CGT de los Argentinos, diseñó los afiches de la organización que tuvieron una notable difusión pública, entre ellos los destinados a la huelga general de 1961, El Cordobazo, Eva Perón,Juan Domingo Perón y el Che Guevara. Publicó las carpetas “Desocupados” (1964) y “La Montonera” “Homenaje a Felipe Varela” (1965). Asimismo realizó varios murales en edificios sindicales e ilustró el “Martín Fierro” de José Hernández. Publicó numerosos trabajos teóricos como “Arte Y Revolución en América Latina” y “La Política en el Arte” (1962).

Arte Pop. Happenings. Experiencias visuales.

Este nuevo arte se comprendió a sí mismo como un antiarte, según la concepción ideológica de Marcel Duchamp, como una contrafigura de un arte dominante, se tenía que mostrar una especie de revolución del género de la exposición y el contenido de lo expuesto, y esto significaba al mismo tiempo una revolución en relación con el público al que se dirigía ese nuevo arte. De hecho el arte pop vino a reivindicar la cosa en sí misma, el objeto volvía a tener vigencia después de un largo ostracismo, la idea era volver al objeto real en contra de la refinada imagen del arte abstracto y el caótico informalismo de la nueva figuración.

Esta nueva manera de ver la “cosa” en una sociedad de consumo de la magnitud de E.E.U.U, no nace para glorificar la botella de Coca Cola, o la tira cómica, si no que se yerguen como una protesta contra el poder de la propaganda, contra los medios de difusión masivos, contra la alienación del hombre perdido en las masas, se alza como un gesto de rebeldía, denuncia, proclama, antiasfixia.

En la Argentina ese antiarte representa una actitud de una nueva generación por escapar a lo hecho, a lo conocido, para indagar un camino sin prejuicios y con coraje. La promoción de estos artistas se ve estimulada por algunos directores de los museos que apoyaban las vanguardias, Jorge Romero Brest y luego Samuel Oliver del Museo Nacional de Bellas Artes, Rafael Squirru y Hugo Parpagnoli del Museo de Arte Moderno , además de una nueva clase industrial más moderna y alerta que también se interesaba por la promoción de los nuevos artistas especialmente a través del Instituto Di Tella y de Industrias Kaiser en Argentina.

Por consiguiente esta época no puede entenderse en la Argentina sin tener en cuenta el mecenazgo privado bajo la Fundación Di Tella creada en 1958 con fondos provenientes del complejo industrial Siam, sin olvidar la orientación de su Centro de Artes Visuales dirigido por Brest.

En 1962 luego de la apertura del Centro en Florida 940 se pensaba como lo señaló Primera Plana que el mundo moderno estaba ahora alcance de todos y respondía a la intención de querer transformar a Buenos Aires en una de las capitales de arte del mundo.

La continuidad del Centro tiene dos etapas básicas, la primera es coincidente con el gobierno constitucional de Frondizi, al desarrollismo económico y a la revolución cubana, comienza en el 60 con el antiabstractismo de Kemble de Greco y de Noé, continua con el apogeo del apoliticismo esteticista del Instituto con Marta Minujín, Cancela y Giménez que tiene continuidad durante el gobierno de facto de Onganía donde la política interior y educativa fue de control ideológico hasta su clausura en el año 1970.

El Cordobazo terminó con los planes de estabilización del gobierno y apresuró la caída de Onganía en 1970, en ese horizonte el Instituto sufrió los ataques de la izquierda y de la derecha (La hora de los hornos). La fecha coincide con un clima internacional generalizado en el arte de avanzada, contemporáneamente con el clima generalizado de las revueltas estudiantiles de París del Mayo Francés, el Consejo por la liquidación del arte y su superación declarada en Bruselas, la declaración por la obra cultural en el Congreso de La Habana , la protesta estudiantil de la Universidad de Columbia, las manifestaciones juveniles de la República Federal de Alemania, la huelga general en Roma o el trágico desenlace de las protestas estudiantiles en México con los sucesos de Tatelclo.


Delia Cancela- Pablo Mesejean. Generadores del “Love and Life” “Experiencias” “Experiencias 67” viajan a Francia colaborando con Vogue y crean la marca Pablo and Delia,
Squirru – Giménez- Delia Puzzovio. Credores del “Poster Panel” , basados en el arte pop se dedicaron especialmente al Diseño y a la publicidad gráfica. Credores de los “Microsucesos” como “La Siempreviva”
Marta Minujín: ”Todo es Arte, hacemos un arte popular que todo el mundo puede entender, arte feliz, arte divertido, arte cómico, no es un arte que es necesario entender, es un arte que es necesario gustar, que hacés pop y lo entendés”.

Presentó “La Menesunda” “El Batacazo” “Remitificaciones de Carlos Gardel” “El Partenón de libros” Hacia el añño 1970 realizó varios Happenings como género. “Receptores de los medios” “Happening de un jabalí difunto”.


Emilio Renart : Crea cuadros de los que se desprenden elementos escultóricos de aspectos de animales, objetos eróticos y elementos biomorfos con superficies rugosas, mas tarde se independiza el elemento escultórico y los provee de luces pulsátiles de sonidos a partir del correr del agua.
Mireya Baglieto: Presenta en Buenos aires “La Nube”, la cual empieza a desprenderse de la actitud del Arte pop para integrarse al mundo de las Instalaciones, donde cada participante con un espejo recorre y juega asombrándose dentro de la percepción óptica y los estímulos sonoros y táctiles.

Neoabstracción.

En los años 60 una de las orientaciones que obtuvo mayor apoyo crítico e institucional fue la neofiguración, los principales artistas de esta vertiente fueron Ary Brizzi, Rogelio Polesello, los integrantes del Arte generativo, Mac Entyre y Miguel Angel Vidal y los integrantes del Arte Cinético Julio Le Parc, Marta Botho y Luis Tomasello. La vitalidad de esta tendencia se confirmó en 1963 cuando Romero Brest, presentó en el MNBA la muestra Ocho Artistas Constructivos.



Desde ya, las propuestas concretas a los nuevos modos de abstracción son heterogéneas, se basan desde los estudios de cinetismo de Pevsner – Gabó a la búsqueda de efectos ópticos inestables, como a la construcción de elementos geométricos deslumbrantes.

Vertiente Optica: En el Salón Pevnser Mac Entyre y Vidal afirmaban en los textos del catálogo “El arte ha decidido engendrar nuevas formas, reflejar el proceso generativo de las mismas, los fenómenos que las provocan a estos mismos fenómenos en movimiento". Nosotros hemos partido de ese pequeño punto y de esa recta y les hemos dado el movimiento, se trata de un movimiento que no actúa sólo en el plano, si no que ilusoriamente penetra en el plano. El problema es comprometer toda la actividad del pintor, no sólo al movimiento, sino a la densidad y la profundidad del espacio, entendido este como un campo perceptivo. Vidal, utiliza sólo la recta, aunque genera curvas a partir de líneas de fuerza, sus recursos crean el efecto del movimiento estroboscópico.


Mac Entyre hace surgir circunferencias lineales trazadas a partir de puntos generadores, las amplias curvas se superponen, se encuentran, dibujan una trama ouna retícula finísima.

Polesello: Se diversifica en dos vertientes complementarias, por una parte icosaedros que sugieren la tercera dimensión realizados con franjas que se yuxtaponen modificando la saturación cromática, por la otra las telas con figuras planas en la que se inscriben rombos, hexágonos u otras figuras geométricas
Ary Brizzi: Utiliza en sus pinturas líneas rectas que se desplazan en el espacio creando franjas, estas se desplazan en el espacio creando franjas y se diferencian por su saturación cromática, todo se organiza a través de centros dominantes desde los cuales irradian los movimientos virtuales.
Todos estos artistas se basan esencialmente en el estudio morfológico de las formas y la posibilidad de ejecutar con ellas operaciones morfológicas. Dentro de nuestro ámbito un estudioso del campo morfológico ha sido el Arq. Roberto Janello, quien mantuvo cátedras de Morfología y de Sistemas de Comunicación Visual dentro de la UBA y ENAP. Ideó un sistema propio de ordenamiento de la imagen bi y tridimensional aplicable al Diseño y a las artes Plásticas, muchos de sus estudios se basan en la Obra de Theo Van Doesburg (Neoplasticista) y del Grupo de los Five (de origen estadounidense).
Reduccionismo Abstracto: Estructuras primarias. Alejandro Puente y Cesar Paternosto presentaron una muestra con el título Nueva Geometría. En el texto del catálogo se señala que la figura geométrica deja de ser un elemento activo para convertirse en un soporte pasivo, en un verdadero escenario neutro donde actúa el color y la textura. En las obras todo está subordinado a una estructura simétrica, de esta manera el motivo dominante es el color dispuesto en franjas en el interior de círculos, cuadrados u otras formas simples, mas adelante utilizan bastidores con formas con las que construyen estructuras que en su momento fueron denominadas “cuadro-objeto-tridimensional. Con posterioridad generan en sus formas la tendenciosidad del minimalismo, puesto en vigencia en gran escala por el Instituto Di Tella.


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