Arte del siglo XX



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ARTE DEL SIGLO XX

1.- La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier.

Organicismo: Frank Lloyd Wright.

2.- Escultura: innovaciones en materiales y técnicas.

3.- La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo, Surrealismo y la abstracción.

La arquitectura, definida como el "arte indispensable", se sustancia durante este siglo en dos grandes corrientes: una europea, denominada "racionalismo", que tendrá en los arquitectos de la Bauhaus y en Le Corbusier a sus principales intérpretes; y otra norteamericana, llamada "organicismo", cuyo protagonista indiscutible es Frank Lloyd Wright. Señalar la filosofía y las características de ambas corrientes.

Por lo que respecta a la escultura de este siglo, explicar al alumno la importancia del "hueco" y el "cinetismo" como grandes innovaciones plásticas. Estúdiense estas innovaciones a través de la obra de Julio González, Pablo Gargallo y Alexander Calder.

Sobre los "ismos" matizar los orígenes del nombre con que se designa a cada uno de los movimientos conocidos como la vanguardia histórica: Fauvismo (Matisse), Expresionismo alemán (Kandinsky), Cubismo (Picasso), Dadaísmo (Duchamp) Surrealismo (Dalí) y la abstracción (Pollock).


ARQUITECTURA

Funcionalismo: Se inicia a principios del s. XX y es el dominante en la actualidad. La simplicidad y sobriedad conduce al estilo Funcional, según el cual la única belleza admisible es la resultante de las formas producidas por la función que desempeñan los elementos constructivos. Las rectas se imponen. Las paredes absolutamente planas. Los volúmenes estrictamente cúbicos o prismáticos (el bloque). Las corrientes estilísticas en la que se inspira son el expresionismo creativo minimalista de abstracción geométrica y el Cubismo. En lugar de masas procura crear volúmenes y a la simetría opone la regularidad. Los materiales son el hormigón armado y el cristal. La estructura portante es de pilares y dinteles. El muro no tiene función de soporte, sino separador (tabique) o de cerramiento (tabique o cristalera). La decoración es mínima, tiende a formas sobrias de tipo abstracto o a desaparecer. Los muebles procuran fundirse con el muro: armarios empotrados, estanterías, bancos corridos, etc. Las luces también se empotran en el techo o, por iluminación indirecta, hacen desaparecer las lámparas colgadas.

Funcionalismo racionalista: Es la variante más extendida, la más pura, simple, geométrica y agresiva. Confía de manera abusiva en la tecnología (ascensores, aire acondicionado, luz eléctrica) y no tiene en cuenta ni la climatología, ni el contexto urbanístico, son los llamados “edificios singulares”, que en todas partes son iguales. Es la arquitectura de la globalización actual, del capitalismo más agresivo. Esa arquitectura que tanto gusta a los políticos, ya que es muy llamativa por discordante y a los constructores por que multiplica el precio del edificio al elevar sus plantas (rascacielos), disminuir costes de producción por su simplicidad de diseño, de realización y poco precio de sus materiales. Los grandes maestros son Le Corbusier, Walter Gropius, la Bauhaus, Mies van der Rohe y Mendelsohn. Le Corbusier (1887-1965) fija el modelo teórico de bloque aislado del suelo (humedad) y de otros edificios (soleado) según módulo proporcional de tamaño humano, con vanos cuadrados o rectangulares. En 1926 fija sus principios básicos: 1. Edificio sobre pilares. 2. Planta libre, o muros de tabiquería sin función de soporte. 3. Ventana continua que da la vuelta al edificio como una faja. 4. Fachada libre, sin decoración con alternancia de vano (ventana) y macizo. 5. Tejado-terraza cubierto con una delgada capa de tierra para que crezcan las plantas cuyo polen disperse dispersa el viento. Este modelo lo lleva a la práctica en la Villa Saboya.

Funcionalismo orgánico: El principal representante es Lloyd Wright quien utiliza el mismo esquema del funcionalismo racionalista pero de paredes curvas o bien edificios prismáticos que se interrelacionan con otras composiciones igualmente prismáticas que se le añaden o superponen como “órganos” de un ser en crecimiento. Conceptualmente se opone a la simplicidad de la casa-caja de Le Courbusier y presenta edificaciones complejas que procuran adaptarse al paisaje por su forma y por el empleo de materiales más acordes con su entorno.

Las iglesias: Desaparece la planta cruciforme y se emplea un espacio único cuadrado, circular o ligeramente rectangular, con grandes zonas de luz en la techumbre y muros acristalados con vidrieras polícromas. La decoración se minimaliza y reduce, suprimiendo el retablo, las capillas laterales y las imágenes a sólo una en la cabecera alusiva a Cristo o la Virgen.

ESCULTURA

ESCULTURA: Extensión del hueco, Archipenko, cubismo, Surrealismo, dibujo en 3D. Intento de implicar el espacio circundante.



En el s. XX se trabaja con todas las corrientes estilísticas posibles:

Formalismo: Se trata de esas representaciones que mantienen al menos la apariencia de lo representado, es decir, que alcanzamos a distinguir lo que se representa.

Realismo: Es aquel estilo en el que se persigue la representación fiel y formal del tema.

Hiperrealismo: Se trata de un estilo que profundiza en la minuciosidad excesiva de las formas del tema. Hoy en día hay materiales como el poliéster o la silicona que dan una apariencia tan real que confunden.

Naturalismo: Se llama así al estilo formal que se recrea en la representación de temas escabrosos y desagradables. A veces incluso se emplean materiales naturales disecados o en descomposición.

Expresionismo formal creativo: Hunde sus raíces en las innovaciones que introdujo Miguel Ángel en su obra de las fases del día de la capilla medicea, los esclavos o las de su última época. Las formas se manipulan alterando las proporciones con alargamientos como Giacometti, o volúmenes excesivos como Botero, o se desdibujan para crear tensión dando apariencia de “técnica inacabada”, iniciada por Miguel Ángel en el Renacimiento. En la escultura contemporánea se ha extendido la técnica del hueco y es que, a diferencia de la escultura clásica de bronce que era en apariencia maciza pero hueca por dentro, en la actualidad se representan macizas pero con oquedades anatómicas evidentes que presentan juegos superficiales cóncavo-convexos. Henry Moore, Julio González, Gargallo, Archipenko.

Minimalismo: Su origen se puede rastrear en las esculturas animalistas califales. Las formas del tema se reducen a su mínima expresión que coinciden con el geometrismo más simple de cilindros, óvalos y esferas. En el mundo contemporáneo se ha extendido este estilo en el diseño de objetos de consumo, haciéndolos resaltar por la simplicidad de sus formas, estrictamente reducidas a la necesidad de su uso. Brancussi.

Abstración: Si el formalismo es narrativo (épico), la abstración es sentimental (lírica).

Abstración formal: Puede ser estrictamente geométrica o tomar un tema realista y manipularlo hasta dejarlo irreconocible. Chillida.

Abstración pura: Las formas se han perdido por completo y son las texturas (apariencias) y las sensaciones las que se imponen.

Escultura cinética: Es una variante añadida a alguna de las corrientes estilísticas mencionadas. Es el movimiento que se imprime a la figura humana y que acaba deformándola como es el caso de Boccioni o Giacometti, reflejando el estrés de la modernidad, o en el caso de representaciones abstractas movidas por el viento, como son los móviles al estilo de Calder, o esa escultura que, muy influenciada por las corrientes estilísticas que pretenden hacer un arte interactivo, necesita la intervención del espectador para iniciar un movimiento que se continuará durante un tiempo limitado. Se intenta involucrar en la obra el espacio circundante.

PINTURA

FAUVISMO

El nombre procede del francés "Fauves" (fieras), término empleado por el crítico Louis VAUXCELLES al contemplar, en el Salón de otoño de 1905, una pequeña estatua renacentista que contrastaba con los violentos colores de las pinturas allí expuestas; esto le hizo exclamar: "¡Donatello chez les fauves!". También recibieron el nombre de “incoherentes" e "invertebrados". Es el primer movimiento vanguardista del siglo XX: reaccionan contra el modo de pintar entonces vigente. Iniciado en 1903, alcanza su mayor auge entre 1905 y 1907; a partir de 1909 los componentes del grupo se dispersan siguiendo cada uno diferentes orientaciones pictóricas.



Antecedentes: Gauguin y Van Gogh por su cromatismo y el valor que dan al color.

Frente al impresionismo defienden el color y la expresión del mundo interior del pintor.

Sus dos principios básicos son:

El DIBUJO: a base de grandes líneas de color; a veces utilizan varios colores en el trazado de una misma silueta.

El COLOR: es un color vivo, estridente, violento, tonos puros y fuertes; lo emplean de un modo totalmente arbitrario (sin relación con la realidad objetiva). Rompen la armonía clásica de ahí el apelativo de locos (fauves). Colores planos contrastados: verde-azul. No buscan la armonía clásica sino la estridencia. Conceden al color un valor subjetivo y emotivo. Convierten al color en un vehículo para expresar emociones y sentimientos. Aplican el color a base de manchas planas y anchas. Renuncian al claroscuro y al modelado.

Composiciones planas. Plano único sin importar la luz ni la profundidad.

Consideran al tema como algo secundario: prefieren los paisajes, las naturalezas muertas.

Henri MATISSE (1869-1954). Principal representante del fauvismo. Evoluciona del Impresionismo y recibe la influencia musulmana en su estancia en Marruecos. Como escultor continúa los pasos de Rodin. La pincelada es gruesa, pastosa, a paleta, tomada de Van Gogh. Valora lo curvo, la línea ondulante, tendente al arabesco. Gran dibujante y colorista. Organiza el espacio pictórico a base de planos de colores puros y tintas planas, dando el mismo valor a todos los elementos y zonas del cuadro. Reemplaza la perspectiva y el sombreado por los contrastes cromáticos. Le gusta mezclar el movimiento, la danza y la música. Da una visión subjetiva de la realidad.

EXPRESIONISMO

Se desarrolla entre 1905 y 1914, aunque después de 1920 todavía pueden encontrarse pintores expresionistas. Surge en Dresde (Alemania) pero pronto se internacionaliza.

El nombre procede del crítico H. Walden que lo empleó como opuesto al de Impresionismo. Fue difundido por la revista "Der Sturm" ("La tormenta") que lo aplicó a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. Se encuentra dentro de las llamadas corrientes pictóricas subjetivas, aquellas que se interesan por el contenido de la obra de arte descuidando, o no valorando los aspectos formales. Sus raíces más inmediatas se encuentran en Gaugin (el color) y en Van Gogh (el gesto). Coincidió cronológicamente con el Fauvismo, el Cubismo y el Futurismo. Los artistas constituyeron dos grupos distintos: "El Puente" y "El Jinete Azul". El principio básico es que el artista debe expresar en el cuadro su mundo interior. Debe prevalecer el sentimiento frente a la razón. Frente a la objetividad impresionista aparece el expresionismo como un arte totalmente subjetivo: las cosas son según las siente cada uno. El dibujo se forma con líneas rotas, figuras y objetos distorsionados, siluetas intensas. Esta deformación de la realidad acentúa la expresividad. Los colores son violentos, de tonos oscuros, aplicados a base de gruesos e irregulares toques que recuerdan "zarpazos". Su función no es agradar los sentidos sino expresar el mundo interior. Sus temas poseen una fuerte carga crítica tanto política como social. Quieren expresar los problemas y sentimientos del hombre: miedo, soledad, perversiones, etc.

Edward MUNCH (1863-1944). Dibujo de líneas sinuosas, figuras distorsionadas. Colores arbitrarios, de tonos puros. Representa rostros demacrados, de mirada extraviada, que reflejan el miedo a la soledad, la amargura, el dolor, la angustia, etc. Influyó decisivamente en el movimiento expresionista. Obras: El grito (1893). La danza de la vida (1899). El Jinete Azul ("Der Blaue Reiter").

* El Jinete Azul ("Der Blaue Reiter"). Se desarrolla entre 1911 y 1914. El nombre procede de un almanaque del mismo título en el que se reprodujeron por primera vez unas obras del grupo en honor de Kandinsky (al que le gustaba pintar caballos) y de Marc (el azul era su color preferido). Se opusieron al cubismo, rechazando el fondo racionalista del mismo. Mientras que "El Puente" crítica la sociedad, "El Jinete Azul" la idealiza exaltan do sus valores espirituales.

A este grupo se deben dos aportaciones fundamentales: Dieron consistencia teórica al movimiento expresionista. Hicieron evolucionar la pintura desde el soporte figurativo a la abstracción.



Vasil KANDISKY (1866-1944). Perteneció a la Bauhaus. Evolucionó mucho, siendo uno de los creadores del arte abstracto. Llegó a basar sus composiciones en el trazado de líneas, ángulos, cuadrados y círculos coloreados con pinturas planas. Dibujo de formas geométricas y planas. Gran colorista. Forma y color son los instrumentos de que se vale para hacer visible su mundo interior. Obras: Con el arco negro (1912). Improvisación IV.

Paul KLEE (1879-1940). Perteneció a La Bauhaus. Evolucionó hacia la abstracción. Distribuye con armonía y delicadeza las líneas, los colores, las formas. Practicó la abstracción, pero también el arte figurativo de formas más o menos abstractas. Difícil de clasificar ya que unas veces es abstracto y otras expresionista o su realista. Sus caligrafías "infantiles" guardan cierta relación con la pintura de Miró. Obras: Ad Parnassum (1932). Senecio (1922).

Georges ROUAULT (1871-1958). Alterna el expresionismo con el fauvismo.

Dibujo: contornos de líneas gruesas muy marcadas a base de negro que recuerdan los planos de las vidrieras góticas. Colores: tonos fuertes y planos, opuestos entre sí. Temática religiosa debido a su ferviente cristianismo. Algún crítico ha dicho de él que es el mayor pintor religioso después de Rembrandt. Obras: Jesús entre los doctores (1894).Los clowns (1917).



El Expresionismo en España.

Isidro NONELL (1873-1911). Hábil dibujante. Dota al color, a la atmósfera y la pincelada de un valor expresivo profundo, intimista y dramático. Representa la miseria y la angustia de la gente pobre en los barrios bajos de Barcelona.

Ramón CASAS (1866-1932). Emplea un colorido claro y es menos patético que Nonell.

Ignacio ZULOAGA (1870-1945). Estilo enérgico y fuerte. Influenciado por Solana, ejecuta una pintura costumbrista áspera, aunque menos dura que la de aquel. Reproduce tipos duros y tierras secas; visiones fantasmales de castillos ruinosos, pueblos desolados. Algunos críticos le consideran dentro del fauvismo.

Rafael ZABALETA (1907-1960). Combina el cubismo y el expresionismo con lo popular.

Benjamín PALENCIA (1900-1980) Pintor de la sobriedad y sencillez de los campos de Castilla. Fundó la "Escuela de Vallecas".

SURREALISMO


Características.- Desarrollado entre 1925 y 1945. La palabra fue empleada por primera vez por Apollinaire en 1917 para referirse a un movimiento relacionado con la pintura Dadá y que a veces también recibe el nombre de Suprarrealismo o Sobrerrealismo. En 1924 André BRETON publicó el primer manifiesto surrealista en el que defendía el automatismo psíquico puro como medio para poder expresar, por escrito, verbalmente o de cualquier otra forma, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética o moral. En 1925 se celebra la primera exposición de pintura surrealista en la Galería Pierre de París. El inicio de la Segunda Guerra Mundial supuso el fin del movimiento surrealista como tal, aunque sobrevive hasta hoy como tendencia.

Antecedentes inmediatos: la pintura metafísica y el dadaísmo. De, éste heredó la actitud irracionalista, el gusto por el escándalo, los gestos teatrales y el espíritu de rebeldía social. Su objetivo es distinto al del dadaísmo: tender un puente entre arte y sociedad, dar solución a los problemas planteados por la Primera Guerra Mundial para que el arte refleje mejor al hombre moderno en su totalidad. Está muy relacionado con la obra de Freud, especialmente con los estudios realizados por éste acerca de los sueños. Persigue la representación de la realidad del mundo del subconsciente: conceden a la realidad contemplada en estado subconsciente más valor y veracidad que a la percibida en estado de vigilia.



Automatismo en la ejecución: movimiento libre e incontrolado de la mano y del pincel para poder escapar al control de la razón. Este automatismo se aplicaba tanto a la pintura como a la escritura y se combinaba con otros juegos como el del "cadáver exquisito", en el que cada uno de los participantes debía escribir una palabra sin conocer la palabra anterior a la posterior. El juego se bautizó así porque la primera frase que se escribió fue: "El cadáver exquisito beberá vino blanco". A pesar de esta búsqueda del automatismo los pintores surrealistas presentan una cierta cohesión de escuela en los recursos que utilizan: animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de cosas incongruentes, perspectivas vacías, todo rodeado de una atmósfera espectral y gélida. En la pintura surrealista predomina en general el dibujo sobre el color. Los temas están basados en el mundo de los ensueños, en las pesadillas y obsesiones mentales.
    1. Surrealismo figurativo


Tendencia objetiva, naturalista: los objetos, a pesar de ser combinados de forma ilógica, son reconocibles. Emplean un lenguaje figurativo y una perspectiva ortodoxa. Los objetos se transforman al variarse sus proporciones respecto al ambiente en que se sitúan y se crean conjuntos de objetos dispares en un contexto ambiental que únicamente se da en la mente.

  • Salvador DALÍ (1904-1989): A partir de 1929 se instala en París identificándose con la pintura surrealista, con el surrealismo figurativo. Excelente dibujante; técnica minuciosa, muy elaborada, descriptiva y con gran dominio de la perspectiva; realismo casi fotográfico. Considera que para comunicar las visiones oníricas al espectador, y que resulten inteligibles, hay que manifestarlas con la máxima cantidad de medios pictóricos y tan explícitamente como sea posible. Asocia distintos elementos en el cuadro de un modo insólito: resultan escenas extrañas y alucinantes. Es un mundo de fantasía, onírico, con marcada inclinación a lo sexual y erótico. En algunas obras la distorsión y el alargamiento de las figuras alcanzan efectos de gran dramatismo. Dice que su actividad es paranoico-crítica: para algunos críticos es una actitud simplemente publicitaria. Colorido brillante y luminoso. Su mejor etapa surrealista es la que se extiende hasta 1936; a partir de este año comercializa su pintura.

  • Seis apariciones de Lenin sobre un piano. La persistencia de la memoria (1931). El nacimiento de los deseos líquidos (1932). Las tentaciones de San Antonio.

  • Max ERNST (1891-1976): Dadaísta que se acerca al surrealismo tanto figurativo como abstracto. Recuerdo del dadaísmo son la sátira amarga y la crítica social. Investiga nuevas técnicas: el "frottage”: colocar debajo del lienzo un objeto áspero y frotar con un carboncillo o pincel y el "dripping”: aprovechar las formas surgidas al azar sobre el lienzo al caer sobre él la pintura contenida en un recipiente agujereado. Sigue practicando el collage.

  • Napoleón en el desierto. El manto de la novia. El elefante de las célebes (1921). La mujer de las cien cabezas. (1929).

  • René MAGRITE (1898-1967): Dota a los objetos representados de propiedades que por su propia naturaleza no les corresponden: piedras ardiendo, cuerpos fragmentados. Combina lo insólito y lo cotidiano, lo erótico y lo macabro: resultan obras intrigantes. Manías de grandeza.

  • El imperio de la luz. El falso espejo. (1928). La tumba de los luchadores (1960).

Tendencia antiobjetiva


Las representaciones, de carácter abstracto, recuerdan formas orgánicas combinadas sin lógica aparente.

  • Joan MIRÓ (1893-1984): En sus inicios estuvo influenciado por Cézanne, Van Gogh y el fauvismo, pero a partir de 1925 practica un surrealismo que deriva cada vez más hacia la abstracción. Desde sus comienzos se plantea el problema de la liberación del hombre a través del arte. Su pintura es aparentemente ingenua, de aspecto infantil, pero está muy elaborada técnicamente. Composiciones de gran colorido: tonos puros (amarillo, azul, rojo), armonías cromáticas. Lo desrealiza todo: ha inventado numerosos signos y símbolos que sustituyen a los objetos y constituyen un auténtico lenguaje jeroglífico en el que cada signo adquiere sentido por su relación con los demás. No plasma ni el volumen ni la perspectiva. También practicó la cerámica.

  • El oro del azul del cielo. La corrida de toros. La alquería (1921-1922). El carnaval del arlequín (1924-1925). Interior holandés. Decoración cerámica. Edificio de la UNESCO. París.

  • March CHAGALL (1887-1985): Su estilo es difícilmente clasificable: es una síntesis del arte folklórico ruso, del colorido fauvistas y de la geometrización cubista. Es al mismo tiempo fantasiosa, simbolista y expresionista por la intensidad con la que trata el problema humano. Cuadros de escenas visionarias en las que no se tienen en cuenta las leyes de la gravedad ni de la verosimilitud, ni la lógica asociativa (gato con cara humana, figuras al revés). Gran colorista.

  • A mi mujer. París visto desde una ventana. Autorretrato con siete dedos (1912-1913).

DADAÍSMO


Surge en Zurich entre 1916 y 1921. Allí se reunieron un grupo de artistas, dirigidos por el poeta Tristán TZARA, con el objetivo de desmitificar y ridiculizar todos los valores de la cultura. La palabra no tiene ningún significado artístico determinado. Dadá es una palabra con la que los niños designan a sus "caballitos". Fue elegida abriendo al azar un diccionario. No es propiamente un estilo artístico sino una actitud de oposición a la sociedad y a las artes vigentes. Sus seguidores defendían la irracionalidad, la rebeldía: se sublevan contra el arte, la moral y la sociedad vigentes. Consideran que el arte se había convertido en un artículo de lujo al servicio de la burguesía: por eso adoptan formas destructivas, un humor crítico con el que pretenden escandalizar e irritar a la burguesía. Defienden el "antiarte" del absurdo: según ellos la pintura no hay que comprenderla. Utilizan el "collage", empleando toda clase de materiales de desecho (trapos viejos, papeles sucios, clavos roñosos, ruedas viejas de bicicleta) y el fotomontaje. Influirá en el surrealismo. Diversos factores influyen en su aparición: Los horrores y consecuencias de la guerra. El desencanto personal de unos pintores escasamente considerados. Su deseo de llevar a la pintura la destrucción que asolaba a Europa.

Marcel DUCHAMP (1887-1968): Había militado anteriormente en las filas de la Section D’Or pero por influencia de su amigo Picabia se inicia en el dadaísmo. Introdujo el dadaísmo en Nueva York. Crea los "ready-made": objetos manufacturados de uso común, desechados, a los que añadía o quitaba algún elemento para convertirlos en objetos artísticos. Introdujo el movimiento real iniciando el llamado “arte cinético". Ridiculiza el arte clásico, llegando al extremo de hacer una versión de la Gioconda con bigotes.



EL CUBISMO

Generalidades: Se desarrolla entre 1908 y 1914 aunque permanecerá latente en todos los movimientos posteriores. El nombre fue puesto por el crítico Louis de Vauxcelles al comentar unos cuadros de Braque expuestos en el "XXV Salón de los Independientes" y afirmar que estaban compuestos por "pequeñas masas cúbicas". Según algunos historiadores, el primero en hablar de "cubos" para referirse a Braque fue Matisse; el crítico lo oyó y lo empleó en su escrito. Las primeras manifestaciones cubistas se producen en París en 1907: Picasso pinta el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (en realidad debería llamarse de "Avignó", nombre de una calle de Barcelona), y Braque realiza una serie de paisajes basados en el espíritu constructivo de Cézanne. Son los dos creadores de la estética cubista.

Antecedentes: Cezanne con su espíritu constructivo, sus intentos de reordenar los elementos de la realidad y su principio de que la naturaleza debe ser considerada por las formas geométricas puras que la forman. La valoración en los ambientes artísticos del arte de las culturas primitivas, especialmente del arte africano, con su tratamiento de las figuras a base de planos angulares. El neoimpresionismo o puntillismo con su tendencia a la estructuración geométrica del cuadro.

Características: Atacan al Impresionismo por su uso abusivo del color y se preocupan por el volumen, la línea y los planos. En 1908 aparece el Cubismo bajo su teórico Apollinaire, quien considera que los sentidos deforman y el espíritu forma. El artista debe partir de la idea para comprender y dominar la naturaleza. La obra de arte no tiene que reproducir la naturaleza, ni siquiera organizarla. Después de inventada la fotografía, no se precisa copiar la naturaleza. Influenciados por el principio de probabilidad de Heisenberg y la teoría de la relatividad, el popular “nada es verdad, nada es mentira, todo depende del color del cristal con que se mira” lo traducen por la captación múltiple de la realidad mediante el uso de diferentes puntos de vista del mismo tema que, como planos afacetados, se superponen en el cuadro, fruto de una visión de la realidad seccionada. La interrelación de los planos es la que ocasiona el volumen y una supuesta captación más completa. La apariencia es la de una realidad geometrizada. Los colores predominantes son pardos, verdes, amarillos y grises. Tendrá influencias en todo el mundo y en tiempos posteriores.

El cubismo fue una reacción plástica contra el fauvismo: el cubismo no pretende retornar al realismo pero si restablecer el volumen en la figura. Es un arte intelectual. Se publicaron numerosos tratados teóricos sobre el mismo. Apollinaire principal teórico del cubismo, decía que "el cubismo pretende pintar conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento". El cubismo intelectualiza la realidad representando no al objeto captado visualmente sino como es aprehendido por el entendimiento. Para el cubismo la realidad es concebida como constituida por cuerpos geométricos puros: pretende ver en la realidad el reflejo de los volúmenes fundamentales de la geometría del espacio. Representa la ruptura total con la pintura tradicional. Desaparece la perspectiva tradicional. Utiliza colores apagados: grises, pardos, verdes suaves, amarillos, blancos. No son reales por su excesiva neutralidad. Gaya Nuño dice: "Todos los pintores cubistas pusieron su paleta a pan y agua". Eugenio D'Ors afirma: "Después del carnaval impresionista se impone la cuaresma cubista". Tratan de dar una visión de los objetos desde diversos puntos de vista: de ahí que junten la visión de perfil y la de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al espacio-tiempo, es decir, al afán de estabilizar el volumen en un tiempo determinado. La suma de varios ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en la naturaleza esto no es posible: "Debe darse la vuelta en torno al objeto para tomar varias apariencias sucesivas que, fundidas en una sola imagen, le reconstituyan". Se sirven de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que al yuxtaponerse se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas de los cubistas adquieren su verdadero valor en función de las colindantes. Algo similar habían hecho los impresionistas con el color. Descomponen los cuerpos en formas geométricas y después las recomponen. Para el pintor cubista el tema, propiamente dicho, carece de importancia: lo que le interesa es la composición de las formas. Introducen la técnica de los "collages": se incorporan a los cuadros todo tipo de materiales (papel de periódicos, trozos de revistas, telas, etc.) para lograr un efecto más llamativo. Algunos críticos consideran al cubismo como la mayor revolución plástica intentada desde el Renacimiento.



Pablo Ruiz PICASSO (1881-1973) es un monstruo que sintetizará todas las tendencias anteriores y anticipará todas las tendencias posteriores. Se mantuvo en constante evolución. Fases:

Época azul (1901-4).- Antes de ésta, para tener una idea, habría que saber, parafraseándolo, que “cuando niño pintaba como Velázquez y he tenido que pasar toda una vida para pintar como un niño”. La etapa azul se llama así por el color predominante en los cuadros. Teniendo por base el realismo social, se difumina la escena con un esfumado que le da cierta profundidad a unas pobres gentes de cuerpos escuálidos (canon estilizado de espiritualización), aire distinguido, expresión inteligente y melancólica, bajo un aire sentimental y pesimista.

Época rosa (1905-6).- Representa tristes arlequines y personajes circenses. El dibujo se ablanda y el modelado se simplifica. Lo expresivo va dando paso a lo plástico.

Época negra (1907-8).- Influenciado por la escultura negroide africana, refleja una expresión intensa pero esquematizada.

Cubismo analítico (1907-8).- Con las Señoritas de Avignon da comienzo el Cubismo. Descompone en ellas la forma y la reduce a planos geométricos rompiendo con el objetivismo tradicional (representar las cosas como son en apariencia) e intentando representar la tercera dimensión sin acudir a la perspectiva. Estudia la estructura del modelo, la geometriza y presenta simultáneamente (yuxtapone en su sitio) diversos aspectos del mismo: frente, escorzo, perfil.

Cubismo sintético (1909-12).- Es más decorativo que el anterior. El color se irá haciendo monócromo y cultiva con insistencia el bodegón. Se constituye la obra con trozos del modelo, previamente analizado y desarticulado. Abate los planos como en los dibujos infantiles y emplea transparencias. Para realzar por contraste esa nueva realidad y contrarrestar su posible valor decorativo, introduce trozos de papeles impresos (periódicos), rejillas de asientos, telas, espejos, arena que pega a la pintura misma. Son los collages o parches.

Cubismo hermético (1913-14).- Se aleja cada vez más de la pintura de asunto (realismo) y sólo puede descifrarse el tema mediante algunos signos esquemáticos sobre una serie de valores puramente plásticos (visuales).

Cubismo del periodo cristal (1915-16).- Es el más depurado. Recupera la forma general, observándose un juego de formas coloreadas en el espacio.

Época clásica (1917-24).- Su estancia en Roma para preparar la escenografía del ballet ruso lo lleva a representar de nuevo la figura humana con criterio tradicional, no obstante continúa con el estilo anterior. Sus modelos no son los tipos finos de la época azul, sino otros corpulentos, monstruosamente deformados en pies y manos.

En 1924-25 vuelve al Cubismo y los bodegones, coincidiendo con el manifiesto de los surrealistas.



Época de Dinard (1925-28).- Composiciones dinámicas abstractas provocadas por el interés sobre el movimiento a causa del ballet.

Periodo de las metamorfosis.- A 1929-31: Con una distorsión expresionista, metamorfosea la figura humana gracias a una imaginación lírica ajena a toda razón, dejándose guiar por el inconsciente, por lo mítico y fabuloso, sobre la base de líneas curvas, generalmente elípticas. B 1936-40: Con la guerra Civil se produce un cambio en las metamorfosis, introduciendo trazos angulosos que desembocan en crueles deformaciones expresionistas de gran dramatismo como se observa en el Guernica o en la réplica que hace de Las Meninas de Velázquez o de los Fusilamientos de Goya.

Picasso fue un genial grabador, escultor, alfarero y maestro de todas las técnicas artísticas menos de la arquitectura y de otras técnicas que él se inventó. Hablar de todas sería prolijo mencionarlas aquí.



Alejandro ARCHIPENKO (1887-1964). Ruso. No se puede clasificar en una tendencia determinada. La influencia cubista se aprecia en el geometrismo de algunas de sus formas en las que alternan curvas y triángulos.

Tiende a combinar las formas llenas las vacías. Se interesa por los vacíos excavando el interior de las esculturas y seccionándolas para que resulte visible el hueco.

Fue el primero en desmantelar la forma compacta. Mezcla la escultura y la pintura en algunas de sus obras. Inventó móviles a los que llamó “arquipinturas".

PINTURA ABSTRACTA

Recibe el nombre de pintura abstracta aquella obra pictórica que no hace referencia a ningún ser o forma conocida de la naturaleza, es decir, la que no es figurativa. No se consideran como figuras estrictamente dichas las formas geométricas. El pintor abstracto prescinde del objeto incluso como pretexto para pintar. La pintura abstracta no tiene en cuenta ninguno de los postulados de la pintura clásica como el modelado, la perspectiva, la ordenación del espacio pictórico, etc. Su principal objetivo reside en la adecuada distribución v armonía de los colores y de las formas n la realidad visual. La abstracción es la tendencia más opuesta al realismo: desaparece en la obra artística el tema; en lo representado no hay alusión a la naturaleza o a la figura humana. Ya desde inicios del siglo XX el objeto había sido sometido a todo tipo de experimentos:



  • El fauvismo lo redujo al color.

  • El cubismo lo geometrizó.

  • El expresionismo no dudo en distorsionarlo.

  • El futurismo lo hizo vibrar dinámicamente.

  • El surrealismo lo soñó.

  • El arte abstracto culmina este proceso procediendo a su eliminación definitiva.

La abstracción tiene presente el postulado del pintor "nabi" Maurice Denis: "Recordad que un cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden".

Abstracción geométricA


Se inicia durante la segunda década del siglo XX. Reduce el contenido del cuadro a puras composiciones geométricas de líneas y colores planos. Existen diversas tendencias dentro de la abstracción geométrica pero todas tienen unos caracteres comunes: Empleo de formas geométricas con predominio de la línea recta. Ausencia de toda referencia a las imágenes de la naturaleza. El arte no debe ser "representación" sino "construcción". Sometimiento a unas normas estrictas de procedimiento. Utilización de colores puros y claros. Recibe generalmente el nombre de Constructivismo y ha evolucionado de una manera progresiva e ininterrumpida hasta el momento actual.

Neoplasticismo


Surge en Holanda hacia 1917. También es conocido como movimiento "Der Stijl” (El Estilo), nombre de la revista que lo promocionó. Está relacionado con el cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen. Defiende la abstracción geométrica y la simplificación. Su objetivo es armonizar el espacio, la forma y el color. Emplea formas geométricas ortogonales a base de horizontales y verticales.

Colores: los tres primarios (amarillo, rojo, azul) y los no-colores (blanco, negro, gris), valorando cada color mediante la separación por líneas negras, por el tamaño de la superficie coloreada y por la intensidad del tono. Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas como "arte puro". La influencia del neoplasticismo se dejó sentir en la arquitectura, en el urbanismo, en el diseño. El punto de partida en el neoplasticismo es el espacio que al estructurarlo hace surgir la forma. Piet MONDRIAN (1872-1944).


Suprematismo


Creado por Malevitch, en Rusia, hacia 1913 y dado a conocer en 1915. Es considerado como una rama del Constructivismo. El nombre se lo dio Malevitch al preconizar la supremacía de la sensibilidad o percepción pura. Pretende armonizar las formas geométricas totalmente simples (el cuadrado, el círculo, el triángulo) de colores puros, y situadas sobre un fondo plano. Se diferencia del Neoplasticismo en que mientras que éste crea la forma de estructurar el espacio por medio del colores suprematismo estructura el espacio a través de la forma. Influyó en la Bauhaus. Kasimir Malevitch (1878-1935).

Constructivismo


Parelelo al suprematismo. Defiende la funcionalidad de la obra artística. Va a ser tan importante en pintura como en escultura. Vladimir TATLIN (1885-1952). Creador del movimiento constructivista.

Abstracción expresiva


Surge en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollándose en la década de los años 50. El término expresionismo abstracto se generaliza a partir de 1950 aunque fue empleado por primera vez en 1929 por el crítico Alfred Barr al referirse a las "improvisaciones" de Kandinsky. Algunos críticos utilizan el término “informalismo" como sinónimo del expresionismo abstracto"; con ello quieren señalar que se trata de una pintura en la que están ausentes las formas definidas. El punto de partida del expresionismo abstracto son Kandinsky y el Expresionismo. Se diferencia de la abstracción geométrico en que ésta emplea formas rígidas toma das de la geometría mientras que la abstracción expresiva emplea formas flexibles, es decir, formas que no pueden ser definidas. Es una pintura basada en la intuición y en la subjetividad, que intenta reproducir sobre el lienzo los efectos de un determinado estado emocional ya que para ellos el sentimiento debe prevalecer sobre la razón. Existen varias tendencias pictóricas pero todas tienen unas características comunes:

Es una pintura de acción. La obra es gestada en el mismo acto de pintar. El azar, más o menos controlado, es parte importante del proceso creador.



  • Vasily KANDISKY (1886-1944): Parte del expresionismo pero poco a poco se aleja de él, acercándose sólo al color que se ordena libremente a impulsos de la inspiración. Trabajará en la Bauhaus con Paul Klee. Realizó no sólo obras prácticas sino también teóricas.

Tachismo


  • El nombre procede del francés “tache", mancha, y fue utilizado en 1954 para designar a una pintura que emplea manchas y manchones de colores. Algunos críticos le denominan "Art Autre" con el fin de designar a una pintura que debería diferenciarse de cualquier otro género preexistente. Valora la expresividad del artista y su proyección psicológica en la obra artística. Es una pintura en la, que se anula, todo tipo de estructura formal o conceptual y que no se somete a ningún principio teórico. No se encuentra en ella forma alguna que recuerde al mundo exterior ni objeto inventado.

“Action Painting” (Pintura de acción).


Es el nombre con el que se conoce en EE.UU. al expresionismo abstracto y se lo dio el crítico Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata de una pintura en la que se valora el acto físico de pintar. Reaccionó contra el academicismo cubista y surrealista que había triunfado entre las dos guerras mundiales. Lleva hasta sus últimas consecuencias técnicas del automatismo, valorando la espontaneidad del artista en el momento de ejecutar la obra; la acción" debe ser autónoma e incontrolada. Es una pintura vigorosa, impetuosa, violenta, que emplea lienzos de gran tamaño y colores violentos, estridentes, agresivos. Algunos pintores practicaron la técnica del "dripping”, chorreando pintura sobre tela de manera que, al menos parcialmente, se extienda al azar.

  • Jackson POLLOCK (1912-1956).

Pintura sígnica y gestual


Aunque sígnico y gestual no son exactamente lo mismo, los críticos suelen agrupar conjuntamente a los artistas de ambas tendencias. Sus raíces hay que buscarlas en el automatismo surrealista y en el descubrimiento de las grafías y pictografías del Extremo oriente.

  • Sígnica: utiliza un particular grafismo para crear "nuevos alfabetos.

  • Gestual: basa la pintura en la ejecución rápida y no controlada racionalmente.

  • Rasgos típicos: Rapidez en la ejecución. Impulso personal irreflexivo. Ceación de signos abstractos: el cuadro es una especie de indescifrables caligrafías orientales. Jean DUBUFFET (1901-1985): Fue el creador del concepto "Art Brut" para designar las obras de los psicópatas y de los niños.

Pintura matérica


Los materiales empleados en la confección de la obra deben ser los que centren la atención del artista, la única motivación del cuadro. La materia ocupa el primer lugar en la escala de los valores artísticos; es el medio expresivo por excelencia, incluso es más importante que la forma. Se preocupan por el aspecto físico y técnico de la obra, desinteresándose del dibujo y la composición. La obra es confeccionada con los más diversos materiales: cortezas, trapos, arpilleras, telas metálicas, jirones de tejido cosidos sobre un armazón metálico, arena, serrín, barnices, etc., unidos y pintados para conseguir efectos sorprendentes. La utilización de materiales de este tipo y otros muchos de desecho se hace cada vez más frecuente (Pop Art, Arte Povera). Los primeros ejemplos de esta nueva importancia dada a la "materia" se encuentran ya en determinados trabajos de los primeros surrealistas y entre los dadaístas.

  • Antoni TAPIES (1928). Manolo MILLARES (1926-1972).

Representantes españoles


Se forman dos importantes grupos que toman como punto de partida el Surrealismo:

  • Antoni TAPIES (1928). EL PASO es un grupo de artistas que celebra su primera exposición en 1957 en Madrid. Antonio SAURA (1930). M. MILLARES (1926-1972). Rafael CANOGAR (1934).


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