2- explicar en qué sentido el concepto de historia implica selección



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Europa 1830-1880


Revolución Industrial: Vertiente utilitaria

El aumento de la población precede al movimiento de industrialización y también a la reacción de que la gente buscara nuevas tierras, o bien utilizara más intensamente la tierra y sus recursos.

Los proyectos tecnológicos fueron un requisito nuevo para la industrialización. Si bien desde 1830 a 1880 aparece el proceso de producción en serie, la industrialización había comenzado mucho antes en Europa Occidental, principalmente en Inglaterra, extendiéndose a Francia y Bélgica. Alemania se desarrollo mucho mas tarde, como potencia industrial, por carencia de unidad política y diferencia de comunicaciones entre las áreas potencialmente industriales, principalmente los de recursos minerales, que se encontraban en la periferia del país, alejados de la población. Alemania no era rica en agricultura y comercio, y además sus puertos estaban alejados para  poder competir con Inglaterra y Holanda, pero al comenzar a producirse la unidad política, acumuló capital y mejoró el transporte por sobre todo con la construcción sistemática de ferrocarriles.

La industrialización Rusa comenzó después de 1880, y el ferrocarril tuvo importancia en el crecimiento de ésta, al igual que la industria pesada (hierro-carbón). Se basó en pocas pero grandes industrias donde intervenía el estado.

Si bien la máquina a vapor influyó en las industrias del ferrocarril, también lo hizo en el transporte marítimo. En los barcos se reemplazó la madera por el hierro.

Otro acontecimiento tecnológico importante fue el descubrimiento del acero.

Este avance industrial produjo que el concepto de compañía fuese más complejo.

La sociedad anónima avanza para dar lugar a la inversión y encontrar capitales para la realización y continuidad de las industrias.

La industria en sí misma, separada de la vida socio-política elevó el nivel de vida, trajo riqueza y poder a los estados.
Breve historia del Diseño Industrial

La industrialización en Europa se vio condicionada a las estructuras y actitudes socio-económicas. Primeramente se basaron en producir productos artesanales, pero en mayor cantidad. Los primeros cambios se produjeron en la organización comercial y de producción, más que en los métodos de fabricación de productos.

A raíz de la exposición universal de 1851, los europeos descubren la producción en gran escala, fabricados en una secuencia de operaciones mecanizadas con ayuda de máquinas-herramienta que utilizaban los EE.UU (sistema americano).

Por supuesto que este sistema sentó precedentes e influencia europea, tomando ideas tales como la fuerza hidráulica, sistemas precisos de medición, y la polea.

El sistema americano se basa en la precisión de las medidas y la exactitud de la producción.

Si bien este sistema se adaptó primeramente para la fabricación de armas, y respaldado por fondos estatales, rápidamente se fomentó en otras áreas de producción industrial que no eran respaldadas por fondos estatales, y al no haber obreros especializados, ni una tradición artesanal firme, se pudo aplicar con éxito: (como la fabricación de relojes que a fines del siglo XIX fue accesible a toda la población).

A su vez los obreros que mejor se adaptaban eran aquellos que carecían de conocimientos, pues les costaba menos trabajo adaptarse que a otros que ya habían aprendido otras técnicas que les costaba olvidar.

El sector de máquinas industriales fue mejorando y el avance más espectacular fue el obtenido con la máquina segadora que al llegar a la década del 50 se fabricaba en serie, y la demanda superaba la producción.

Los europeos solían criticar el acabado del producto americano, y la falta de armonía.

En la exposición universal de Londres, los ingleses comenzaron a prestar atención a la industria americana y manifiestan que es bueno tratar de imitarlos si pretendían mantener su posición en el gran mercado del mundo.

La capacidad de combinar la inventiva en lo mecánico con un sentido comercial, incentivó la venta a plazo, inevitable en esta vida moderna.

Este sistema en varios productos, principalmente en los de decoración, fue criticado, ya que imitaban algunos modelos europeos de gran apreciación artística.

Debemos destacar que los EE.UU. debido a la inmigración, contaba con una sociedad compleja y heterogénea, consciente de su importancia en el mundo, y en busca de su propia identidad cultural.

Los productos sencillos y utilitarios se los veía como prueba del materialismo de EE.UU.



El objetivo del sistema americano era reemplazar con operaciones mecánicas correctas y eficaces la destreza del artista calificado, y este florecimiento de la cultura democrática podía estar al alcance de todos.

Espacio, tiempo y arquitectura


Las Grandes Exposiciones

  • En los tiempos en los que la Industria estaba en su mayor expansión, las exposiciones de tipo industrial proporcionaron a la arquitectura realmente creadora de grandes oportunidades.

  • Las exposiciones nacieron casi simultáneamente con la industria moderna (sustitución del trabajo artesanal por el mecánico).

  • Como en muchos países se trabajaba febrilmente para inventar nuevas máquinas y nuevos métodos de elaboración. Las Grandes Exposiciones surgieron para presentar, reunidos, los productos de este trabajo, para facilitar al público su comparación y adopción, estimulando la competencia entre los empresarios y favoreciendo el comercio y los intercambios.

  • Las Grandes Exposiciones aceleraron el desarrollo industrial.

  • La historia de las exposiciones está dividida en dos períodos: El de las exposiciones nacionales, que ocupa la primera mitad del Siglo XIX, donde solo eran nacionales, ya que casi todos los países ponían fuertes obstáculos al comercio extranjero para proteger a las nacientes industriales locales.

  • El segundo período corresponde a la segunda mitad del mismo siglo, y se caracterizó por su internacionalidad, ofreciendo así una comparación entre los productos de todo el mundo.

  • Fueron consecuencia de una concepción liberal de la economía: comercio libre, libre comunicación, y mejoramiento en la producción y de su ejecución a través de la libre competencia. Los edificios de las exposiciones fueron construidos de manera que su montaje y desmantelamiento fuera rápido. Por esto se utilizó el hierro.

  • No solo el hierro evolucionaba, sino que también se producían importantes cambios en el sentido estético, ya que la gente acostumbraba a que un edificio debía conservar equilibrio entre carga y soporte, y eso debía hacerse evidente a primera vista. Lo que ocurrió con la incorporación de nuevos métodos de construcción en hierro, fue que cada vez se hacía más difícil la distinción entre carga y soporte, pues comenzó a afirmarse un nuevo sistema de equilibrio, nivelador de todas las partes de una construcción.

  • Las grandes exposiciones reflejaban el optimismo del siglo XIX y la fe que le tuvieron a las nuevas posibilidades que la industria brindaba.


La Gran Exposición, Londres 1851

  • El palacio de Cristal fue una obra inglesa, realizada gracias a su sistema de producción en serie.

  • Se reconoció que esta combinación de madera, cristal y hierro sugería nuevas formas de fantasía que fueron una verdadera expresión del espíritu de aquella época.

  • Luego de la Exposición se desmonta el Palacio, de grandes estructuras y grandes elementos recuperables.

  • La importancia del Palacio de cristal no se debe a la solución de problemas estéticos, ni a la novedad de los procesos de prefabricación, sino a la nueva relación que se establece entre los medios técnicos y las finalidades representativas y expresivas del edificio.

  • La obra tiene gran valor en cuanto a funcionalidad y economía. Es de composición fundada en la repetición de un motivo simple. Se realiza una nueva concepción de la técnica constructora.

  • El carácter de la muestra se asocia con el intento por promover una integración entre arte e industria.

  • Los objetos presentados dentro, no coinciden con el criterio de repetición de la estructura. No muestran las posibilidades técnicas de la Rev Industrual, aluden al pasado, simulan prestigio a través de una ornamentación que no respondía a criterios funcionales, eran agregados a la estructura y otorgando imagen de mala calidad.


La Exposición Universal, París 1855

  • El palacio de la Industria era un edificio rectangular, con una alta nave central. Su importancia radicaba más en dar la sensación de gran espacio interior que en la limitación de su volumen.

  • En esta exposición se intentó combinar una amplia luz del arco con una gran ligereza en la construcción. Pero se vislumbra un peligroso retroceso, si tenemos en cuenta el avance que representó el Palacio de Cristal, ya que se veía recluido entre macizos muros de piedra, y comprendía un inmenso arco triunfal. El revestimiento de piedra fue tomado como modelo para la exposición siguiente de Londres, en 1866, y en Chicago, en 1893.


La exposición de París de 1889

  • Esta exposición marcó el momento culminante, a la vez que la fase de conclusión de un largo período.



EE UU vs. EUROPA
A raíz de la Exposición universal de 1851, los demás países del mundo descubren los métodos de manufactura de Estados Unidos: define los principios de los sistemas y procesos fundamentales de la fabricación industrial en serie moderna. Se basa en la producción a gran escala de productos normalizados, compuestos por piezas intercambiables fabricados en una secuencia de operaciones mecánicas simplificadas con la ayuda de máquinas-herramientas. Este método afecta a todos los aspectos de la producción: la naturaleza del proceso de trabajo, los sistemas de comercialización, la configuración y estilo de los artículos fabricados.

La diferencia entre Europa y los EE.UU. abarca todos los valores culturales y sociales. La actitud europea se basa en la tradición artesanal, para la cual el valor de cada producto, económica y estéticamente, depende de la cantidad de trabajo cualificado. El enfoque norteamericano se basa en métodos industriales, priorizando el volumen de producción y la utilidad del producto para un amplio sector de la población.

El sistema americano de producción satisface y alienta la variedad de gustos y estilos mediante los nuevos métodos de organización comercial y las técnicas de ventas que genera. Muestra una actitud favorable hacia la mecanización y enfatiza su potencial para la expresión artística.

La producción masiva exige un consumo masivo: se crean grandes almacenes en las ciudades, y compañías de ventas por correo para que la amplia gama de productos llegue hasta las zonas más remotas.


SHAKERS Y THONET

 THONET

Cuando en 1911 Henry Ford instituyo la producción en serie, generando los rudimentos de una línea de montaje para su modelo Ford T, ya hacía más de 30 años que en Austria Thonet había acudido al sistema normalizado de producción de muebles de madera curvada, compuesto por un mínimo de piezas. En 1849 producen en serie el primer diseño: la silla Daum.

Durante años estos muebles han mantenido sus diseños originales, pese a tantos cambios históricos y culturales. Hacer su historia implica la consideración de por lo menos 6 factores: TECNOLOGÍA, DISEÑO, PRODUCCIÓN, COMERCIALIZACION, PUBLICIDAD y CARÁCTER CORPORATIVO.

Michael Thonet (nacido en Alemania) fue quien transformó el concepto de la mobiliaria de su época.

En su lucha contra el mueble macizo, sabe entrever las ventajas prácticas de la finura, de la ligereza, y al mismo tiempo tiene en cuenta la necesidad fundamental de la comodidad.

Provocó una evolución en los comportamientos humanos por el simple hecho de ofrecer una nueva manera de sentarse, diferentes de las usuales.

 

La gran época de Thonet (1840 - 1870)

Michael Thonet a los 20 años crea una pequeña empresa dedicada a la fabricación de muebles, y realiza experiencias para curvar los diversos elementos de un mueble, por procedimientos químicos o mecánicos. Su reputación empieza a afirmarse gracias a la originalidad y a la calidad de sus realizaciones.

Durante una exposición en Coblenza conoce al canciller austriaco Metternich, quien impresionado por su producción, lo invita a Viena. Durante ese tiempo estalla el drama en Boppart, y al no lograr patentar ninguno de sus inventos, sus acreedores embargan su empresa y sus bienes familiares.

Empieza a trabajar para un fabricante de muebles baratos, llamado Franz List, de quien aprenderá los métodos de la economía de producción.

Sus muebles empiezan a ser conocidos; y la propietaria de un café, la Señora Daum, amuebla su establecimiento con la silla Nº 4, haciendo así una gran publicidad. Los encargos se suceden y la silla Nº 4 Daum, fue su primer modelo en serie.

A partir de 1850, la ampliación de las comunicaciones facilita la información y la divulgación de las ideas liberales. Una nueva forma de economía basada en la cantidad, la competencia profesional y la especulación bancaria, favorece el incremento de las riquezas.

En la exposición de 1851 presenta con éxito una de sus creaciones y recibe la medalla de bronce. Su fama se vuelve universal. Esto hace que tenga que ampliar sus instalaciones, instalando su primera máquina de vapor. Asocia a sus cinco hijos, y forma la empresa “Hermanos Thonet”.

Decide establecer su lugar de producción cerca del abastecimiento de materia prima, donde podrá también encontrar mano de obra abundante y barata.

En 1859 nace su famosa silla Nº 14, con asiento totalmente redondo. Y en 1860 concibe su obra maestra: la primera silla mecedora.

Pese a que seguía ampliando sus instalaciones, no lograba satisfacer la demanda. Entonces emprende la segunda fase del desarrollo de su industria, basándose en la planificación y racionalización, siempre con el mismo fin: industrialización, producción en serie y reducción de precios, sin bajar la calidad de sus productos.

En el ámbito comercial, Thonet es un precursor, introduce en el mercado la dinámica del marketing.

En 1871, muere en plena gloria, rodeado de sus hijos.

 

Los herederos: sus hijos y su competencia

Los cinco hermanos Thonet dominaran el mercado mundial del mueble. Sin embargo, desde el principio deberán luchar contra una competencia feroz. En 1869 caducaron todas las patentes y aparecieron entonces, varias fábricas dedicadas a la fabricación de muebles (por ejemplo: J. & J. Kohn), que en un principio se limitaban a copiar. Aun que más tarde, los competidores crean también nuevos modelos.

Hacia finales del siglo, los gustos y la moda de la burguesía experimentan un cambio profundo. La alta burguesía se identifica con los aristócratas y quieren que sus viviendas sean parecidas a las de la nobleza. Piden muebles de estilo. Por otro lado, con la aparición del nacionalismo, cierto tipo de público se encapricha con los muebles rústicos y campesinos.

Como consecuencia del colonialismo, hace su aparición el exotismo con la moda del bambú, del junco y otros materiales provenientes del Extremo Oriente. Hasta que los burgueses demuestran un rechazo hacia los muebles en series. Buscan la personalización y rechazan los estilos, quieren que sus interiores sean decorados por los grandes artistas. Es el nacimiento del exhibicionismo. Y la aparición (entre 1895 y 1905) de esa “estrella fugaz” que fue el modernismo, que influirá en la literatura, música, muebles, etc.

Más tarde, Hermanos Thonet y otras empresas fabricarán según las tendencias del momento, sea copiando o inspirándose en modelos ya creados por los nuevos diseñadores.

Los años pasan, el éxito comercial es enorme, así como también lo es la competencia. La producción de muebles quiere satisfacer los gustos más fáciles de su clientela y propone cantidad de modelos, donde las antiguas creaciones de Michael Thonet ya no tienen cabida. Se fabrica todo lo que sea vendible.
Thonet

Reconocido por el descubrimiento de la curvatura de la madera, la creación de máquinas, la implementación de un método racional de producción en serie.

Sus diseños se basan en cuatro principios: liviandad, belleza, durabilidad y costos accesibles.


  • Diseños: Elegancia en la concepción, pureza en la ejecución, eficacia práctica y de fácil transporte.

  • Producción y tecnología: madera aserrada, reforzada y procesada para el torneo y curvado. Ubicación de fábrica cerca de los bosques de hayas.  

  • Objetivos: La industrialización (producción en serie), la reducción de precios sin pérdida de calidad, unión del arte y la técnica, alianza de lo espiritual y lo material.

  • Proyectos: De elegancia formal, originalidad, finura, comodidad, utilidad, adaptación al gusto y a la moda de la época sin ser esclavo de ella, adaptación a nuevas condiciones

  • Implementa: La economía de tiempo, trabajo y materia prima, la simplificación en montaje, la normalización de embalajes, la especialización y división en el trabajo y la publicidad: exposiciones, posters y catálogos en diferentes idiomas.



THE SHAKERS

El origen de los Shakers viene de Inglaterra, pero en 1774 cruzaron América y se instalaron en New York. La base de su credo es una cabeza madre - padre Dios, que se manifiesta en ambos sexos, haciendo que éstos fueran iguales en la comunidad. Se llamaban a sí mismo como hermanos y hermanas, y a la cabeza de cada familia había una mujer u hombre líder. Aunque, todo en familia era propiedad común, nadie poseía nada por separado. La meta de los Shakers era la pureza del alma y el escape de todas las cosas mundanas.

Más allá de todo esto, existía una rígida línea de división entre sexos (y esto se nota en la perfecta simetría en la construcción de sus casas, en el tamaño y mobiliario): hombres y mujeres vivían y profesaban bajo el mismo techo, pero comían en mesas separadas y usaban diferentes puertas y escaleras. Los rasgos más característicos de sus casas eran la pulcritud, orden y economía.

Sus ocupaciones principales eran la jardinería y la labranza. También eran productores de canastas y escobas, y producían muebles en madera y piel de lino. Ellos inventaron muchos métodos para ahorrar trabajo para una naciente producción industrial masiva. Sostenían que el trabajo del hombre es la manifestación de sus vidas, y que la pureza espiritual se debe también manifestar en los productos que son creados por sus manos y sus mentes. Esta gente sublimó tanto el trabajo manual como los artesanos del periodo Gótico, cuyos trabajos también eran una fusión de artesanía, fe y humanismo sincero.

Los Shakers aman la belleza. La propiedad privada, el matrimonio, el trabajo como objetivo y la guerra, eran aborrecidas por ellos. Un rasgo distintivo es su manifestación de la alegría. Sus colores testifican la felicidad de quien lo realizó, ya que creían que la apariencia exterior de las cosas revelaban su espíritu más íntimo. Las paredes y los muebles eran frecuentemente pintados en matices de rojo, azul, verde y amarillo.

Su mundo interno estaba en armonía con su mundo externo que se habían creado. Su regla de oro era la paciencia. Los primeros artesanos Shakers llegaron a una insuperable interpretación de la relación forma-función.

En modo totalmente calificador consideraban a la práctica de enchapado como un modo de adulterio. Sus ideas comunales  se basaron en un deseo de uniformidad en todas sus comunidades. Todo lo que hacían y usaban era de altísima calidad, ya que no había ningún trabajo más valioso que otro, ya sea la labranza, el tejido, o hacer sillas. El trabajo era una forma de culto y la apariencia de los objetos debían ser tan puros y simples como sus oraciones.

Los interiores de sus viviendas eran luminosos sencillos y simples. Los espacios de guardado formaban parte de sus construcciones (no habían muebles adosados). La terminación artesanal se acercaba a la perfección.

Las mesas y bancos no tenían adornos, y eran muy proporcionados.

“El orden es la primer regla en el paraíso” decía su primer artículo de fe, allí tenemos la razón de sus armarios y gavetas empotrados en sus viviendas. Los objetos que podían desordenar la habitación (sombreros, capas, herramientas, sillas y relojes) eran colgados en perchas ubicadas en lo alto de las paredes.

Hacia fines de la segunda guerra mundial los productos Shakers fueron vendidos por catálogo en todos los Estados Unidos. Su diseño podía irradiar sentido de refugio y la estimulación de la vida diaria. Por esta razón es ahora apreciado por coleccionistas de todo el mundo. Excepto ciertos artículos tales como cajas y sillas, las genuinas antigüedades Shakers, son hoy extremadamente raras. Muchas están en museos o colecciones privadas. No obstante, algunos artesanos actuales, aportaron algunos principios de éstos.
Características:


  • organización económica modelo

  • ingenuidad mecánica

  • alta calidad en artesanías, terminaciones cercanas a la perfección, pulidos, ajustes

  • Valores: simetría, orden y función

  • fusión de artesanía, fe y humanismo sincero

  • ahorro de trabajo y tiempo

  • combinación de colores y formas en armonía.

 
Producción: mobiliario, artículos domésticos, herramientas, textiles, maquinaria agrícola, ropas, medicamentos y hierbas.

Mobiliario:

  • insuperable interpretación de la relación forma-función

  • materiales: madera no enchapada ni revestida, caña, cintas, textiles

  • formas y métodos de uniones simples

  • proporcionados, sin adornos

  

ARTS & CRAFTS

El movimiento de artes y oficios se desarrollo en Inglaterra a modo de protesta contra el carácter de los productos fabricados a mediados del período victoriano.

Entre 1850 y 1920 evolucionó como una campaña internacional para la reforma del diseño.

Sus seguidores sostuvieron que el diseño afecta a la sociedad y que el carácter del ambiente laboral y hogareño determina el carácter del individuo.

Estos seguidores decían que el diseño de mitad de siglo XIX había perdido el rumbo. Condenaban los productos por su manufactura de imitación, uso indiscriminado de materiales y la elaborada ornamentación. Creían que tales objetos tenían un efecto negativo sobre la sociedad.

A través de la puesta en marcha de un programa de reforma esperaron mejorar la calidad del diseño y fortalecer el carácter del individuo y de la sociedad en su conjunto. Lucharon por asegurar que:



    • Los métodos artesanales sobrevivieran a la competencia que la producción de la maquina les ofrecía.

    • Mejorar las condiciones de trabajo de los artistas y artesanos.

    • Y alentar la colaboración artística hacia los obreros.

Su intención era mejorar la calidad de vida restaurando la integridad de los objetos comunes a la vida diaria.

 

Las grandes exposiciones (celebraciones a la tecnología industrial y a la potencialidad de la maquina) fueron testimonios de los cambios estéticos y técnicos de la era. Exponiendo sus mejores productos invitaban a la comparación y competencia, y a su vez proveían los medios para que pueda ser juzgado el impacto de la Revolución Industrial sobre cada aspecto de la vida cotidiana. Los productos variaban desde utensilios de uso diario a presentación de piezas únicas.

Pero a pesar de que estas ferias pretendían glorificar los avances de la Era de la Máquina, éstas invitaban a los reformistas del diseño a la crítica más que a la aprobación. Estos críticos cuestionaron lo apropiado o desapropiado en utilizar nuevos materiales y procesos de fabricación para crear piezas.

Pusieron en duda el modo cómo se seleccionaba y utilizaba el material. Y objetaron el hecho de que la mayor parte de los productos estaban fabricados en etapas (según el llamado método de “división del trabajo”).

Los efectos negativos de esta metodología fueron descriptos por un diseñador reformista de Boston, Frederick Allen Whiting.

Whiting escribió una vez: “Cada silla era trabajada a mano por un hombre que estaba interesado en su trabajo por la tarea en sí misma, quien creía que todo posee una belleza inherente, y que caía en el artesano no solo la obligación sino el privilegio de traerla a la luz. Una silla realizada bajo estas circunstancias y tradiciones, por un artesano semejante era apta para dos siglos de uso y albergaba en cada una de sus líneas la evidencia del pensar y sentir del hombre. Hoy tenemos un cuadro muy diferente, es el de un empleado administrativo quien en su oficina recibe una orden por 100 unidades del modelo Nº 674, el cual pasa a un encargado, quien distribuye distintas ordenes: a John por patas, a Sylas por respaldos y así sucesivamente. Cada hombre produce la parte asignada en su máquina particular. Luego las diferentes piezas son enviadas al área de ensamblado para ser armadas por especialistas, para ser luego enviadas nuevamente a otro operario, quien lija, ensambla, etc. Esas sillas son tan idénticas y perfectas como la precisión de la máquina ha de poder hacerlas, pero casi sin ningún toque de interés humano dejado por alguna de las tantas manos por las cuales han pasado”.

Whiting denunciaba la abolición de la individualidad. Decía que la visión comprensiva del artesano independiente había sido reemplazada por la limitada perspectiva de un operador de una máquina que trabajaba en la relativa soledad. Raramente tenían los diseñadores contacto con los artesanos que implementaban sus ideas y pocos obreros veían el producto terminado. Los productores tenían poco contacto con los consumidores que usaban sus utensilios, sin poder predecir entonces sus reacciones.

 

Los reformistas esperaban modificar el diseño a través de la restauración de las condiciones que ellos consideraban características previas a la Revolución Industrial. Se referían a temas como el entrenamiento, la educación y las condiciones de trabajo del diseñador o artesano, los atributos técnicos y estéticos del producto final y el modo cómo se ofertaba al público.



Todos estos reformistas esperaban el mismo resultado:

    • La restauración de la dignidad del trabajador.

    • La integridad del producto.

    • La consideración por el usuario.

    • La cooperación artística a lo largo del proceso del diseño.

 

La principal premisa de los reformistas sostiene que el carácter del ambiente en el cual se trabaja y habita determina el carácter del individuo. Esto, evoluciona de una idea promulgada por Pugin en 1830. Este diseñador y escritor creía que el carácter de una nación se expresaba a través de la arquitectura y de las artes aplicadas.

Pugin desarrollo este punto con devoción en obras tales como Contrastes y Los principios verdaderos de la arquitectura gótico-cristiana. Él recomendaba a arquitectos y diseñadores estudiar las obras de sus predecesores medievales, para que pudieran aprender lecciones valiosas.

 

Al igual que Pugin, John Ruskin, (crítico en arquitectura y profesor en Oxford), comparaba el carácter de una nación con aquel de su arquitectura. Sostenía que la naturaleza de la arquitectura británica contemporánea podía  mejorar si se diseñaba expresando cualidades ejemplificadas en los estilos gótico y romano.



Para él la arquitectura debía reflejar el pensamiento y el sentir de cada individuo que había estado involucrado en su construcción. Visualizaba cada cualidad como una extensión de la personalidad del artesano, y cada una era esencial para poder alcanzar una arquitectura con carácter. Alentaba modificar el proceso de diseño a través de la procuración de un ambiente de trabajo saludable y noble; para lo cual planteo 3 reglas:

    • No alentar la manufactura de un artículo que no sea absolutamente necesario.

    • No pretender lograr una terminación superficial precisa por el hecho de sí mismo, sí cuando ésta sea necesaria para un fin práctico.

    • No incentivar la copia o imitación, excepto si ésta se realiza con el fin de preservar la documentación de grandes obras.

Ruskin estableció un ideal, y por los siguientes 70 años siguió inspirando a más reformistas, uno de los líderes principales entre ellos fue William Morris.

 

William Morris comenzó sus estudios en Oxford (1853), dos años después de la Gran Exhibición de Londres.

Morris desarrollo un profundo afecto por la cultura de la Edad Media. Fue estimulado por su familiaridad con la obra de Ruskin, sus apreciaciones por la arquitectura medieval de Oxford y sus viajes a Francia (donde visito las catedrales de la ciudad). No fue un revolucionario, le intereso profundamente la Edad Media y amó la naturaleza y los campos, detestando las grandes ciudades. (Al principio su odio se ciño al aspecto visual, pero luego abarco también el social). Definía el arte como la expresión por parte del hombre al placer que halla en su trabajo.

En Oxford, conoció a quienes serian luego miembros de la hermandad de los Pre-rafaelitas: Edward Burnes-Jones (pintor) y Dante Gabriel Rossetti (poeta y pintor).

El compromiso de estos amigos hacia la artesanía y el ambiente de la Edad Media fue tangible. Expresado en la Red House, el hogar marital de Morris y su esposa y diseñado por Philip Webb. El esfuerzo de colaboración manifestado en la Red House propició la formación en 1861 de la Morris, Marshall, Faulkner & Co. Obreros artistas en Pintura, Tallado, Muebles y Metales.

La compañía se especializó en trabajos eclesiásticos y  residenciales. Sus  miembros desarrollaron sus diseños encarándolos hasta su total creación, colaborando unos con otros, y tratando directamente con el cliente. Estos encontraron satisfacción no solo a lo largo del proceso de elaboración sino a su vez en el resultado final.

En 1875, Morris, asume la responsabilidad total de la firma (Morris & Co.). La empresa produjo una amplia gama de mobiliario, materiales de revestimiento y accesorios, y brindó asesoría en decoración de interiores.

Como diseñador, artesano, y empresario su meta era ambiciosa: proveer una alternativa accesible de buen gusto a los productos de la revolución industrial, los cuales consideraba como “masa sórdidas y miserables”.

A lo largo de su carrera, luchó para conciliar sus ideales artísticos con sus inclinaciones políticas. Su compromiso por crear productos que reflejaran los estándares más altos del diseño, parecía estar en conflicto constante con su deseo de producirlos a costos accesibles.

Su dedicación por utilizar la técnica y estética de los artesanos en su totalidad, en una atmósfera Ruskiniana (de trabajo sano y noble), se oponía a la necesidad de utilizar maquinaria para la eliminación de trabajos dificultosos, o la reducción de los costos de producción.

 

A pesar de que la firma no fue un éxito desde el punto de vista económico, sirvió como testimonio de los meritos de la cooperación artística, inspiró a seguidores de toda Inglaterra. La mayor parte de ellos, ofrecía regularmente exhibiciones para promover el trabajo de sus miembros, y elevar el gusto del público.



La organización más venerada fue la Sociedad de Artes y Oficios. Durante la vida de Artes y Oficios, varios gremios y asociaciones similares se desarrollaron en Gran Bretaña, Europa y Norte América. Y fueron los medios primarios a través de los cuales se diseminaron los ideales del movimiento. Una  de las más antiguas e influyentes organizaciones americanas, fue la Sociedad de Arte y Oficios de Boston, fundada en l897, y aún en vigencia.

El desafío por estos seguidores, residía primero en traducir sus ideales en realidad y luego convencer al público de las ventajas que ofrecían los productos del movimiento. Uno de los medios para lograr la promoción fueron las exhibiciones públicas de artesanías.

En el cambio de siglo, muchas organizaciones, dedicadas a la reformas del diseño se fundaron en Europa. A pesar de diferenciarse en estructura y asociados, todas estas promovieron altos estándares de diseño, manufactura y la cooperación artística. Al hacer esto no solo continuaron la campaña iniciada por Pugin, Ruskin y Morris, sino que además anticiparon la unión entre el arte y la industria, foco de atención de los reformistas futuros del siglo XX.

 

ART NOUVEAU

El Art Nouveau fue un estilo unitario situado entre el S.XIX y el S.XX, ligado a la Primer Guerra Mundial (1914), y con un prematuro fin. Constituyo un inicio fundamental y reconocido de la realidad arquitectónica moderna, así como una unidad genérica básica que transmitió la gran herencia cultural del S. XIX al S. XX.

El origen del Art Nouveau se encuentra con: la construcción en hierro, la influencia de pintores prerrafaelistas, impresionistas y simbolistas, la moda de lo oriental, especialmente japonesa, el movimiento Arts & Crafts, y con el gusto ligado a nuevas técnicas particulares como la curvatura de la madera (Thonet 1830).

La génesis del Art Nouveau no fue solo un estilo arquitectónico, sino que impregnó todas las costumbres de una época. Se la considera como la conclusión de una serie de problemas culturales y variaciones de gusto durante el S. XIX.

Art Nouveau, Jugendstil, Sezession, Liberty o Modernismo, son movimientos semejantes, que inspirados en las teorías de Morris, debían proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación de las técnicas artesanales y la aceptación de la intervención de la maquina.

Horta fue uno de los iniciadores y el intérprete más coherente de este gusto y Van de Velde el mayor teórico.
Características invariantes del Art Nouveau

- A pesar de la diversidad de interpretaciones, debidas a los diferentes ambientes en los que surge, el Art Nouveau fue un estilo internacional. Su carácter internacional entraba en la lógica del sistema capitalista, en los ideales y en los intereses de los países industrialmente más desarrollados.

- Fue la expresión de una cultura de clase y se ha visto en el esteticismo de este estilo el intento de la burguesía de resolver la lucha de clases; la belleza y el bajo coste de los productos manufacturados compensarían exigencias más profundas e importantes del proletariado que seguían estando insatisfechas.

Si bien fue el estilo de los barrios señoriales y de las casas burguesas, fue también el estilo de los grandes almacenes, de los ferrocarriles metropolitanos y de las casas del pueblo.



- Hubo una completa liberación frente a las formas del pasado. Después de más de un siglo en que innovaciones tecnológicas, técnicas científicas y económicas habían marcado el nacimiento del mundo contemporáneo y habían incidido en el campo arquitectónico y urbanístico con la formación de nuevas ideas, surge con el Art Nouveau el código más adecuado para expresar estos nuevos mensajes.

Dicha liberación puede considerarse basada en tres componentes principales: La aceptación de la tecnología moderna, así como la voluntad de adaptarla a las nuevas exigencias del gusto; dicho gusto deriva de un nuevo modo de entender la relación natural-artificial y el soporte teórico-estético del Einfühlung, que definía citada relación.

No faltó en este estilo una mirada al Medioevo (Mackintosh, Gaudi), al clasicismo (wagner, Olbrich), incluso alguna de tipo vernáculo (Van de Velde), pero estas miradas derivaban de la tradición y formación de estos arquitectos.

- Otra característica es el acortamiento de las distancias, la consideración paralela de todos los sectores implicados en el nuevo gusto (desde el vestido a las artes gráficas, desde las artes figurativas al teatro, desde la publicidad a la decoración, desde la arquitectura a la urbanística).

Aquí se realiza aquella unificación ideal entre artes mayores y menores, llamadas puras y aplicadas, que no solo fue alentada por Morris, sino también por toda la cultura decimonónica más ilustrada.

El Art Nouveau unifica estas contribuciones diversas, no solo al superar el dualismo preconcebido entre artesano e industria, sino sobre todo dando a aquellas teorías unificadoras una forma estilística bien precisa.

- Con el Art Nouveau se fija el principio de la calidad en el producto industrial. Y una vez fijado, la idea de la forma como ritmo, independiente de una función representativa, constituye la primera intuición de lo “bello”, que actúa más en la ideación que en el proceso ejecutivo y que se plantea como un a priori de lo útil. El fetichismo (Idolatría) del producto dejará de ser único e irrepetible y adquirirá un valor precisamente por su repetitividad infinita. En realidad este estilo anticipa solamente el principio de la cantidad como valor, pero no efectúa el proceso de cuantificación de un prototipo que será característico del diseño industrial.

El Art Nouveau, salvo en algunas excepciones, permanece en un nivel productivo artesanal.  La producción del Art Nouveau enfocando intencionalmente el proceso industrial, determina la relación artista-fabricante, o por lo menos, la del artista y el ejecutor, en la cual se devuelve al artista el objetivo de la “calidad” de los productos manufacturados.



- Otras de las características se analizan en la arquitectura, y son: la acentuación lineal, el uso del hierro, el uso conjunto de hierro y muros, la tendencia a utilizar muchos materiales en un mismo edificio (piedra, granito, vidrio, cerámica, madera), la variedad de colores; determinando así no solo la exuberancia del estilo, sino también el propósito de agrupar más sectores productivos.

Incluso, el Art Nouveau, así como modela los espacios interiores con una rigurosa unidad estilística, en el exterior tiende a fundir la arquitectura con la naturaleza, la casa con el jardín, los complejos edificatorios con el conjunto de la escena urbana.



- Una característica fundamental de este estilo es la encarnación en él de la teoría estética del Einfühlung, puestos que sus signos están presentes en muchas obras, ya que sirve para distinguir las dos corrientes principales del estilo, la orgánica y la geométrica.
Por lo tanto en el Art Nouveau se pueden distinguir 2 líneas del gusto, una caracterizada por las formas cóncavo-convexo y otra apoyada fundamentalmente en el rigor geométrico.

Art Nouveau - Corriente FRANCO-BELGA

Art Nouveau - Corriente ANGLO-SAJONA


LÍNEA CÓNCAVO-CONVEXA

LÍNEA GEOMÉTRICA

No imita, sino que alude a la naturaleza. Nos encontramos con una armonía, un movimiento que remite a ella.

Familia de formas basadas en las figuras geométricas puras. Estructura, linealidad, ángulos rectos. Formas puras.

Bélgica

Francia

España

Italia

Austria

Escocia

Alemania

V. Horta

Van de Velde



Guimard

Gallé


Gaudi

Bogatti

Olbrich

Wagner


Hoffmann

Moser


Mackintosh

Endell

EJEMPLOS


Van de Velde

Horta


Mackintosh

Olbrich

El nuevo estilo era intencionadamente comunicativo; a la semántica de la línea, del plano, del volumen, Antonio Gaudí añade un encendido simbolismo hecho de motivos zoomórficos, arborescentes, fabulosos, religiosos, etc.; con el sentido propio de la dimensión de lo imaginario. Como ejemplo nos encontramos con el Parque Güell (1900-14).

Otto Wagner tiene el propósito de vincular la arquitectura de una forma más “real” con las exigencias de la época. Afirmado en obras realizadas dentro del mantenimiento más escrupuloso de la composición cerrada, de la simetría, del uso más sobrio de la decoración, podemos mencionar como una de sus mejores obras El Metropolitano Vienes.




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