1. los géneros musicales



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1.- LOS GÉNEROS MUSICALES

El concepto de género se emplea en música para clasificar las obras musicales, como esta clasificación se puede hacer de distinta forma dependiendo de los criterios que se utilicen para realizarla (según los medios sonoros, la función, los contenidos, etc.), se habla de géneros musicales. Una obra musical puede pertenecer por lo tanto a varios géneros al mismo tiempo.


Los criterios que vamos a utilizar son los siguientes:

1.- Los medios sonoros empleados.

2.- La función.

3.- Los contenidos y la manera de exponerlos.



4.- El público al que va dirigida la obra.
1.1.- Según los medios sonoros empleados.
- Música instrumental: A éste género pertenecen las obras interpretadas por instrumentos musicales. Si es interpretada por una orquesta sinfónica se habla de música sinfónica y si es interpretada por una agrupación de cámara (con pocos instrumentos)se habla de música de cámara.
.- Música vocal: es la interpretada por las voces humanas. A la música vocal sin ningún tipo de acompañamiento se le denomina “a capella”.
- Música vocal-instrumental: es la interpretada con la presencia conjunta de voces e instrumentos.
1.2.- Según la función.
- Música religiosa: son las obras relacionadas con alguna religión o creencia religiosa, sea del tipo que sea. Este género se divide en: Litúrgica, si ha sido creada para alguna ceremonia o culto religioso (misa, etc.) y no litúrgica en caso contrario.
- Música profana: Es el género contrario al anterior, al que pertenece toda música no religiosa.

1.3.- Según los contenidos y la manera de exponerlos.
- Música abstracta: A este género pertenecen generalmente las obras instrumentales. Es la música basada en el puro lenguaje musical, que no hace referencia a algo extramusical, no trata de describir o sugerir algo concreto, no va más allá de lo que el oyente sea capaz de percibir, sentir y emocionarse.

- Música programática: Es la música que hace referencia a algo extramusical, es la que se basa en un programa, guía o argumento, por lo que para comprenderla mejor habría que conocer ese programa o argumento. Es la música que intenta contar una historia o cuento, o describir un paisaje o el carácter de un personaje, etc.

- Música dramática: Pertenecen a este género las obras en las que se usa la palabra con un significado preciso. La música ayuda o eleva el sentido expresivo del texto. Este género se subdivide en música teatral, en la que los cantantes actúan representando a su personaje a la vez que cantan (ópera, etc.) y música no teatral, como es el caso de la canción.
- Música para la imagen: pertenecen a este género las obras musicales creadas para acompañar una imagen, es el caso de la música para el cine, la televisión (publicidad, documentales, etc.).

1.4.- Según el público a quien va dirigida la obra musical.


- Música folclórica o popular: Comprende las obras tradicionales de un pueblo, cultura, raza, etc. Que reflejan su manera de ser y con las que se sienten identificados. El pueblo es el creador, intérprete y receptor de estas músicas.
- Música ligera: es la dirigida a la gran masa de población, realizadas por lo general como producto de consumo por lo tanto esta unida a la moda del momento. Es una música sencilla, fácil de captar.
- Música culta: Es la dirigida a un público minoritario, que tiene ciertos conocimientos acerca de la misma. Es una música más compleja, relacionada con el mundo filosófico, estético y cultural del compositor que las crea y del medio cultural que le influye. Suele ser una música con valores que perduran a través del tiempo. A este género pertenecen diferentes músicas como la clásica, (el flamenco, el jazz), etc.


2.- LOS ELEMENTOS DE LA MÚSICA

Cuando un compositor crea una pieza musical, trabaja con varios elementos importantes que son básicos para la música. Estos elementos son : la melodía, el ritmo, la textura, la armonía y el timbre; otros elementos serían la forma, la velocidad o el tempo de la música, la dinámica o intensidad, etc. La manera de presentar y combinar estos elementos básicos en la música, es lo que determina el estilo de la música, que ha sido diferente dependiendo de las épocas históricas, de las zonas geográficas, de los compositores, etc.



2.1.- La Melodía


Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera que tengan un sentido musical para el oyente.

La reacción que una melodía produce en cada persona es diferente, así lo que para uno tiene un sentido musical, para otro es un grupo de sonidos sin sentido alguno.

Una melodía que una persona percibe como de gran poder expresivo, puede no conmover a otra en absoluto.
Las características más importantes de una melodía son las siguientes.
1- El diseño melódico: si unimos las notas de una melodía con una línea continua, obtendríamos visualmente el contorno o perfil melódico de la misma. Es a ese perfil al que llamaremos diseño melódico.

Sería muy complejo mostrar aquí la gran variedad de diseños melódicos que presentan las obras musicales, por lo que sólo destacaremos algunos diseños que nos sirvan como modelos y que nos ayuden a comprender cómo puede discurrir el diseño de una melodía.


 Diseño melódico formado por una nota repetida
El resultado visual sería una línea recta horizontal, este diseño puede presentar alguna modificación:
Primer tema del primer movimiento del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta de Joaquín Rodrigo (1901-1999)

   


 

 Diseño melódico ondulado
El diseño ondulado está formado por una nota base sobre la que oscilan de una forma más o menos regular, notas un poco más agudas y notas un poco más graves. Su perfil gráfico sería una línea curva.
Tema del primer movimiento, "la Mañana" de la Suite Nº 1. de E. Grieg

 

 Diseño melódico ascendente y diseño melódico descendente


 Se refieren a diseños basados en el sucesivo ascenso o descenso de las notas que conforman la melodía, así una melodía puede presentar un diseño ascendente, cuando va desde la nota más grave hacia la más aguda, pudiendo representarse con una línea ascendente hacia la derecha, o al revés, puede tener un diseño descendente cuando comienza con un sonido agudo y sucesivamente se va haciendo más grave, cuya representación gráfica sería la contraria al diseño anterior, aunque lo mas frecuente, es una mezcla de ambas cosas, es decir, un diseño simétrico, en el que el punto más agudo se sitúa hacia el centro de la melodía.
Diseño ascendente

Tema de la introducción de "Así hablaba Zaratustra" de Richard Strauss (1864-1949)



 

 



Diseño descendente

Habanera de la ópera "Carmen" de Bizet



   


 

Diseño simétrico



Tema principal del Poema Sinfónico "El Moldava" de B. Smetana

   


 

    2- El ámbito, es decir, la distancia entre la nota más grave y la más aguda, así una melodía puede tener un ámbito estrecho, medio o amplio.


    3- El registro, una melodía puede utilizar sonidos muy agudos, o puede utilizar sonidos medios, o sonidos graves, así el registro de una melodía puede ser agudo, medio o grave.
    4- Distancia entre las notas: si se mueve por pasos, es decir utilizando sonidos que están próximos en la escala o  por saltos, utilizando sonidos muy distanciados entre sí en cuanto a la altura (agudo, grave).
Melodía pos pasos

"Himno a la alegría" de la Sinfonía nº 9 de Beethoven (1770-1827)



 

 Melodía por saltos


Primer movimiento de la "Pequeña Serenata Nocturna" de Mozart (1756-1791)

 

 

    5- El tipo de escala que utilice.


    6- La estructura de la melodía, si tiene partes que se repiten o se varían.

 

Dependiendo de todos estos aspectos, una melodía puede ser sencilla, fácil de recordar porque no utiliza muchas notas y están próximas en la escala, porque tiene una estructura basada en la repetición, es decir que tiene partes que se van repitiendo constantemente, etc. Otras en cambio son más complejas, porque usan un mayor número de notas musicales, las escalas en las que se basan son más complejas y con una estructura en la que no se repite nada y por lo tanto es más difícil de escuchar, retener y por lo tanto de cantar o tararear.




2.2.- El Ritmo

Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su duración ( largos y cortos) y a los acentos.

El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, ....).
Al combinar pulso y acentos obtenemos los ritmos básicos:


  • Ritmo binario, divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero: Un dos / Un dos / Un dos.... Si te fijas, el ritmo de estas palabras coincide con lo anterior: Can – ta / To –ca / Bai – la, etc. Este ritmo está presente, por ejemplo, en las marchas militares.



  • Ritmo ternario divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero: Un dos tres / Un dos tres / Un dos tres... Al igual que el ritmo de estas palabras : Can – ta - lo / To – ca – lo / Bai - la – lo. Este ritmo lo podemos encontrar en determinados tipos de danzas como en los valses, o en las sevillanas




  • Ritmo cuaternario, divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más el primero y un poco el tercero: Un dos Tres cuatro / Un dos Tres cuatro /... Este ritmo lo podemos encontrar en gran parte de la música ligera contemporánea: jazz, pop, rock, etc.

La repetición regular de los tiempos o partes y de los acentos, constituye el marco o la estructura sobre la cual el ritmo en un sentido más amplio, fluye libremente como el de la melodía, ya sea interpretada por voces, instrumentos o por una combinación de ambos, que presenta su propio ritmo en la combinación de los sonidos y silencios de distintas duraciones y en sus propios acentos, porque éstos pueden coincidir con los acentos de los anteriores esquemas rítmicos básicos o puede que no coincidan.


Podemos encontrar ritmos que tengan más de cuatro tiempos o partes, y sería el resultado de combinar los ritmos básicos, por ejemplo, un ritmo de cinco partes podría ser el siguiente: Un dos Tres cuatro cinco / Un dos Tres cuatro cinco, combinando un ritmo binario y otro ternario, o al revés, o de siete partes como por ejemplo: Un dos Un dos Un dos tres / Un dos Un dos Un dos tres.
Los compositores pueden basar su obra en ritmos muy complejos, cuyos acentos cambien constantemente y de forma irregular.

Otro efecto rítmico interesante es el de la polirrítmia, que consiste en la interpretación de dos o más ritmos diferentes, de forma simultánea, es decir, que suenen a la vez.

También podemos obras musicales en las que el ritmo es libre, en la que no existe un ritmo regular o basado en un pulso continuado, es un recurso de ciertas obras de música contemporáneas.

2.3.- La Textura

La textura es la manera en la que un compositor combina las melodías, podemos distinguir varios tipos:




  • Textura monofónica: aquella en la que sólo se emplea una melodía ya sea interpretada por una o varias personas, ya sea vocal, instrumental o mixta, todos realizan la misma melodía. La textura monofónica no tiene acompañamiento. Es la textura más antigua, la podemos encontrar en obras musicales muy antiguas, también es la que encontramos en muchas canciones populares, etc.




  • Textura polifónica: es la que está formada por varias voces o melodías agudas y graves), que suenan al mismo tiempo, ya sean interpretadas por voces, instrumentos o por ambos. Según como se organice puede ser Homofónica, en la que las distintas voces tienen el mismo ritmo, es decir que está compuesta como por bloques sonoros (acordes), que se suceden uno detrás de otro. Y Contrapuntística o de contrapunto, en la que las distintas voces o melodías (agudas y graves) van de forma independiente, con su propio ritmo, y no destacan más unas que otras, puesto que todas presentan la misma importancia. Esta textura polifónica es la más compleja.




  • Textura de melodía acompañada: es la formada por una melodía principal ya sea vocal, instrumental o mixta, que destaca sobre las demás que la acompañan. Es la textura más frecuente en la historia de la música, y la podemos encontrar en la mayor parte de la música ligera contemporánea.




  • Textura no melódica: es la que se utiliza en la música experimental o de vanguardia, en la que no se percibe una melodía sino que se juega con las características de los sonidos: alturas, duraciones, timbres, intensidades, etc. Se utilizan con frecuencia instrumentos de percusión pero también la podemos encontrar en obrar vocales, instrumentales o mixtas. Este tipo de textura la podemos encontrar también en algunas bandas sonoras de películas para crear cierto clima, tensión, etc.

Por último, comentar que una obra musical no tiene porque ceñirse a uno de estos tipos concretos, sino que puede presentar una textura mixta en la que puede tener partes en las que predominen unos tipos de textura y partes en las que predominen otros.



2.4.- La Armonía

La armonía se produce cuando tres o mas notas diferentes suenan a la vez, formando un acorde. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que suenan al mismo tiempo.

El término armonía se utiliza de dos maneras diferentes, para hacer referencia a las notas escogidas para formar un acorde, y en sentido más amplio para describir las sucesiones de los acordes a lo largo de una composición. La armonía regula la relación entre una melodía y su acompañamiento.

Cuando una persona canta con una guitarra, está tocando con ella, acordes que acompañan a la melodía que está interpretando. Esos acordes pueden ser interpretados también con otros instrumentos. La formación de acordes y la sucesión de los mismos en una obra, viene regulado por las leyes de la armonía, que han ido cambiando y evolucionando a lo largo de la historia de la música.




2.5.- La Forma Musical

Se llama forma musical a la manera de organizar o estructurar una pieza musical, que resulta del orden elegido por el compositor para presentar los distintos temas o ideas musicales que la integran.

Para crear una forma musical los compositores utilizan dos recursos básicos que son los siguientes: la repetición y el contraste.

La repetición de una idea musical, puede ser literal o presentar alguna variación con respecto a la idea original. La repetición ayuda a dar unidad a la obra musical (algunos temas pueden escucharse varias veces a la largo de una obras), para evitar que la música sea monótona, se utiliza el contraste, que es la presentación de una idea nueva que contrasta con lo ya escuchado.


Las formas musicales básicas son las siguientes:
Forma binaria:
Está dividida en dos secciones: AB, con frecuencia, ambas secciones se repiten : AABB, estas repeticiones no alteran la forma binaria básica de la pieza.

Forma ternaria:
Está dividida en tres secciones: ABA’. En donde A sería el tema principal, B el tema contrastante, y A’, la repetición literal o variada del tema principal.

Cuando una obra musical de estructura ternaria, presenta en cada una de sus tres secciones un diseño binario o ternario, estamos ante una forma musical llamada Minuet con trío.



A B A

-a b (a)- -c d (c)- -a b (a)-



Rondó:

Es una forma en la que hay un tema principal que se repite y entre cada repetición hay un tema que contrasta con él.



A B A B A o A B A C A..

La repetición del tema principal, también llamado estribillo le da unidad a la obra y los temas contrastantes (episodios o estrofas), mantienen el interés del oyente.


Tema con variaciones:
El compositor elige un tema y posteriormente lo repite con variaciones que pueden ser: adornando la melodía; cambiando la armonía, el ritmo, el compás, la velocidad, el registro, los instrumentos, etc. Pero siempre es reconocible el tema del que parte la obra.


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